Me gustan los trailers ...2013

Estoy a la espera de los siguientes filmes:

"DJINN" : lo nuevo del director Tobe Hooper, quien luego de "La matanza de Texas" no ha superado su alta valla, salvo la controversia de "Poltergeist" (si la hizo él o no) o la televisiva "El misterio de Salem`s lot", sólo por haber realizado ese clàsico de siempre tendrá mi eterna estimación y aprecio, y no le pierdo interés a lo que haga. Qué digo, si aún no he visto "Mortuary", cosa que espero remediar. "Djinn" es su nuevo trabajo, al parecer realizado en tierras lejanas. La premisa argumental me recuerda a su remake de "El asesino de la caja de herramientas", aunque luego el asunto se vuelva más sobrenatural y menos "slasher". Ojala sea una grata sorpresa, aunque sea para mi:
"GREEN INFERNO": Lo nuevo de Eli Roth, que nos devuelve a las pesadillas en medio de la selva con gore extremo incluído (ríanse de "Turistas" de John Stockwell), hay buenos comentarios desde SITGES, lo cual entusiasma sin duda:
 

"BIG BAD WOLVES": Si Quentin Tarantino ha dicho que este es el film del año 2013, pues habrá que ver de todas maneras esta película de los directores israelíes Aharon Keshales y Navot Papushado, los mismos que hace unos tres años nos deleitaron con "Rabies", un slasher singular y ocurrente que pudo brindar un nuevo giro a estas historias. A la espera de esta nueva experiencia:
  Volvemos.

Cementerio General (2013)

Producto de la cinematografía peruana, la cual este año ha sido bien recibida por el público cinéfilo nacional al incursionar en dos géneros distintos como son la comedia con la cinta “Asu mare” (caso que aun me resulta inexplicable) y el terror, el film “Cementerio General” se atreve a recorrer un territorio poco explorado por el quehacer de nuestros cineastas capitalinos. El relato terrorífico ha sido visitado con mayor frecuencia por realizadores del interior del país, con resultados dispares cuyo mayor logro ha sido el cautivar a su audiencia local, al presentar miedos y horrores propios de la mitología regional, como son los aparecidos, los espectros asesinos o los roba-almas, cuya variedad puede llegar a ser muy extensa. Siempre me ha resultado más fascinante enterarme de estas leyendas a través de la literatura, la cual es mucho mas efectiva que la calidad de recursos y habilidades mostradas en estos productos visuales. Por mucho que se pueda aceptar el cine de bajo presupuesto y sus carencias técnicas, no ocurre así cuando la capacidad narrativa es nula.

Este año, la película del director Dorian Fernandez se convierte en el mayor esfuerzo a nivel producción dedicado a una realización cinematográfica nacional desde los años 70´s, cuando se pudo apreciar obras como “El inquisidor”, en co-producción con Argentina, o, forzando el asunto, con el recuerdo de “Maruja en el infierno”, una buena película que para mi es casi una cinta de horror, aunque en realidad se trate de un fuerte drama. De este modo “Cementerio General” apuesta plenamente por el género terrorífico, luciendo referencias bastante reconocibles dentro del panorama cinéfilo de este milenio, sin mayor esfuerzo. El resultado es una cinta que inicialmente logra capturar la atención de su audiencia a base de una narración correcta; una historia que consigue crear intriga a medida que se desarrolla con ciertas notas de humor, unas efectivas y otras no tanto, hasta introducirnos en el tema central de su argumento.

Sin embargo, es aquí cuando, todo hay que decirlo, falla estrepitosamente a la hora de sumergirse en el terreno propio de su género, en este caso, el terror de las posesiones diabólicas y las apariciones espectrales, dando tropiezos a lo largo de toda una secuencia nocturna que luce muy extendida, en la cual las situaciones de suspenso y tensión resultan forzadas y escasamente efectivas; donde incluso los golpes sonoros y los sustos no logran su cometido, mas aun con una cámara en mano agitada al extremo y mostrando una falta de mayor habilidad visual a la hora de crear tensión. Del mismo modo, el cambio de estilo visual en su secuencia final tampoco le favorece, pues todo queda reducido a una muy modesta imitación del J-Horror japonés, lo cual resulta muy notorio.

Lo curioso de este caso es que la película logra su cometido básico de entretener, de contar una historia de principio a fin a sus eventuales espectadores, lo cual es un logro a pesar de sus desaciertos. Asimismo, cabe señalar el correcto trabajo de su elenco actoral en la primera parte del film, hasta que todo llega a desarticularse en medio de un caos extraño. Esto no quita que finalmente la cinta defraude al espectador ante su poca capacidad para desenvolverse dentro de su género, lo cual debe ser su principal propuesta. 

Con las consideraciones pertinentes, anotamos que se trata de un primer esfuerzo por parte de una cinematografía que empieza a atreverse en estos menesteres, algo que tiene en común con todo el cine hecho en América Latina, salvando las notables excepciones del argentino Adrián García Bogliano, el mítico director brasileño Josè Mojica Marins, aun en actividad, y el uruguayo Fede Alvarez, hoy exportado a Hollywood. Por lo demás, esperamos mayores sorpresas, dado que los primeros pasos se han dado y es tiempo de volvernos más exigentes.

EL REGRESO A LA ACTIVIDAD: RECORDANDO ALGUNAS PELICULAS

Tras el lapso de inactividad bloggera no hemos dejado de ver películas, obviamente. Vamos a resumir algunos, sólo algunos, de los filmes apreciados de los cuales nos gustaría decir algo. Tampoco nos dan ánimos dedicarles todo un post a estas películas, no porque sean malas sino porque es poco lo que tenemos que decir, pues seguramente hay sitios en internet mejor informados que nosotros y por ende con mejores datos y comentarios. Sea lo dicho.

EL CONJURO (2013): este va a ser probablemente el mejor film de terror del año según algunos, méritos no le faltan, pero resulta que mi mente perversa prefiere “Insidious”, el éxito previo del mismo director James Wan, porque no me cuaja una historia de exorcismo con momentos edulcorados. De todos modos, no dejo de reconocer las buenas secuencias de tensión que presenta, así como la esmerada dirección artística. Una película hecha con gran calidad, muy a tener en cuenta.

STAR TREK: INTO DARKNESS (2013): buena secuela realizada por el mismo director J.J.Abrams del éxito "Star Trek" del año 2009, que satisface al público, sea conocedor o no de la clásica serie creada por Gene Rodenberry. Film efectivo que nos deja con ganas de más historias, y de revisionar toda esa saga de películas con el elenco original. Tarea pendiente.

AMERICAN MARY (2012): no fue la obra de horror que esperábamos, pero no deja de ser un film extraño y bizarro. La actriz Katherine Isabelle realiza un buen trabajo, llevando a cuestas el protagonismo de esta historia, aun cuando no sea todo lo malvada que hubiésemos querido. Pero igual sorprende. Esto nos reafirma a la actriz como una de nuestras favoritas, desde aquellos días de la recordada “Ginger Snaps”. 

SOCIETY (1989): este film es un desmadre total. Realizado por Brian Yuzna, ese incansable director del terror fantástico que ya lleva más de tres décadas de carrera, nos presenta una historia de inicio intrigante, con toques de comedia típica de los años ochentas, hasta un final que alcanza un clímax de locura. Lamentablemente, la historia no se cierra por completo dejando la impresión de una falta de mejores ideas para resolver el asunto.

TO DIE FOR (1988) :  vampiros ochenteros que no tienen problema en lucir la ropa y peinados de la década; el relato se hace entretenido, si bien no despega de su innegable condición, es decir, el bajo presupuesto para el consumo en videoclubes. Hay secuela, y estamos próximos a verla.

EL GUERRERO Y LA HECHICERA (1984): David Carradine se convierte en guerrero errante de pobres ropas en tierras extrañas, armado con lo que afirma es una espada de mucho poder. Producción de Roger Corman filmada en Argentina, por lo cual el elenco incluye a la actriz Maria Socas, quien actualmente tiene una larga carrera en el cine, el teatro y la televisión de su país, aunque aquí desarrolla pocos diálogos, siendo su principal cometido adornar la pantalla con su natural belleza a flor de piel. Y se lo agradecemos.

ESCAPE (2012): del director Roar Uthaug, el mismo responsable del exitoso slasher noruego  "Escalofrios", este nuevo film narra las desventuras y peligros que atraviesa una jovencita cuya familia es asesinada en plenos dias de la peste negra en la Europa del norte. Su dolor de cabeza lo conforman una asesina albina y su banda de ladrones y criminales. Buen ritmo narrativo, suspenso y acción bien dispuesta es lo que se puede apreciar en este film de correcta realización. La bella Ingrid Bolso Berdal luce irreconocible en su caracterización.

Volvemos con más.

El Hombre de Acero (2013)

“Man of Steel” viene siendo hasta este momento el mayor esfuerzo hecho por la Warner Bros en las pantallas en lo que respecta a este año. El film se revela desde su inicio como la superproducción por la cual se ha botado la casa por la ventana, como se dice en mi pueblo, y es que en algún momento de su metraje incluso esto puede apreciarse literalmente. Al director Zack Znyder, ingenioso artífice de adaptaciones comiqueras como “300” o “Watchmen”, se le ha dado licencia para hacer y deshacer mundos, volver a dar vida a personajes icónos y rescribir su historia dando una serie de matices adecuados a nuestros días, donde la fantasía cinematográfica se hace más densa gracias al desarrollo de las artes visuales y el mayor acceso a la información. A pesar de ello, la historia esencialmente es la misma en cuanto a los orígenes del mito y a su enfrentamiento con un viejo némesis a su altura, o mejor dicho a su alcance.

Si algo debemos dejar en claro es que aceptamos que no hay personaje que defina mejor al superhéroe del noveno arte como lo hace Superman. Setenta y cinco años de aventuras y emociones, así como la influencia que significó para todo lo hecho posteriormente dan cuenta de su vital importancia para la cultura popular. (Algo que el mismo Stan Lee ha dejado bien claro). De ahí que la noticia de un film basado en esta creación siempre va a despertar nuestras expectativas. Así nos ocurrió con esta última producción.

En este caso, yendo al grano, “Man of Steel” finalmente nos resultó un trabajo cuyo resultado es de raspado aprobatorio para su director Zack Snyder como obra destinada al entretenimiento, sin alcanzar su obvia ambición, es decir no estamos ante la mejor película del tema superheroico que se haya realizado; para eso “The Avengers”, “X-2”, e incluso una obra suya como es “Watchmen”, por citar ejemplos recientes, siguen siendo metas muy altas. Es mas, en este mismo año, “Iron man 3” resulta más coherente y divertida, sin solemnidad que amenace adormecer al espectador, como ocurre en este caso. Por supuesto que la historia tiene un trasfondo dramático, siendo este la búsqueda personal que emprende el héroe para establecer su rol mesiánico en nuestro planeta, su mundo adoptivo.

El enfrentamiento y la acción desplegada no dejan de ser espectaculares y visualmente atractivas en distintos momentos, aunque en otros existe una sobrecarga de efectos pirotécnicos y sonoros que pueden abrumar al espectador (como me ocurrió en algún momento). De otro lado, en el campo argumental, no juega a favor del film el hecho de que la trama no deja de ser previsible en vista de sus ineludibles referencias previas. Es decir, las sorpresas en esta historia no existen, en lo absoluto, pese al extenso metraje que se desarrolla en forma innecesaria. El film apuesta íntegramente a la presentación del héroe y a su despliegue visual, el cual llega a ser desbordante. En ello, hasta “Sucker Punch”, otra de las obras del director que en su día fue mal vista por muchos críticos, resulta más fascinante.

Lo destacable esta sin duda en la actuación de su principal protagonista. Henry Cavill demuestra convicción en su rol de el Hombre de Acero, un ser de nobles sentimientos y al mismo tiempo pleno de poder, una nueva propuesta mas acorde a las actuales versiones que se han hecho del héroe en los cómics (justo estoy leyendo el Superman de Brian Azarello),  que se distingue del Clark Kent/Superman que interpretara el inolvidable actor Christopher Reeves, y que confiamos con el tiempo gane más reconocimiento. Habrá que esperar la anunciada secuela. El resto del elenco cumple sus distintas labores, aunque a niveles más discretos. Sé que Michael Shannon es un actor muy respetado y aquí demuestra salir adelante con el encargo, pero no se puede olvidar al frío y malvado General Zod que interpretó Terence Stamp en su versión ochentera.

Pienso que Zack Snyder en solitario, sin las pretensiones estéticas del productor Christopher Nolan, que se hacen palpables en todo el desarrollo del largometraje, quizás hubiese realizado un trabajo menos solemne y más coherente con su desarrollo narrativo. Fue en el año 1978 cuando Richard Donner dio una clase magistral al respecto, algo que a la fecha aun no ha sido superado.

La última casa a la izquierda (1972)

En el año 1972 dos novatos cineastas se lanzaron hacia la extraña aventura que significaba realizar la película más violenta vista a la fecha. Aquella fue su ambiciosa propuesta, hecha con el fin de conseguir los $90,000 que costó llevarla a cabo. Tras 26 días de duro trabajo, el resultado se convirtió en uno de los pilares del cine de horror independiente, lo cual  además, fue la carta de presentación de éstos dos jóvenes, advenedizos a ojos de la critica especializada de aquellos días, pero, indudablemente, muy entusiastas y hambrientos de experiencias cinematográficas más intensas.

Wes Craven ha conseguido un buen nombre dentro del cine norteamericano más comercial al día de hoy. Ha dado lugar a dos series de películas muy beneficiosas para la taquilla, dentro del difícil género del terror más violento. “Pesadilla en Elm Street (1985)” y “Scream (1996)” fueron dos filmes cuyo éxito inmediato condujo a la explotación de aquellos titulos hasta el hartazgo, y en diferentes épocas, creando una legión de espectadores adeptos muy distintos entre si, por mucho que parezca lo contrario :”Pesadilla…” surge en pleno auge del cine de horror gore ochentero, generoso en dosis de hemoglobina y, sobretodo, visualmente estrepitoso en cuanto al despliegue de efectos visuales, mientras que “Scream” aparece en la década del noventa, bajo otra estética del cine de terror, dentro del slasher, pero menos visceral. Craven ha sabido ser voluble a los cambios del gusto colectivo en lo que al terror se refiere.

Desde sus inicios, el director realizó filmes que hoy resultan mucho más una acumulación de títulos que un conjunto de obras a considerar. En sus primeros años alcanzó el éxito con su segundo trabajo, como fue “Las colinas tienen ojos”, una intensa historia sobre asesinos caníbales  la cual dio paso a una secuela pobrísima. Posteriormente, no conoció mayor logro hasta el lanzamiento de la ya mencionada “Pesadilla en Elm Street”, y luego de ella tampoco alcanzó mayor notoriedad.

Sin embargo, el éxito de Freddy Krueger llevó por lo alto a la entonces emergente New Line Cinema, y con ello Craven se ganó el favor de sus productores, permitiéndole realizar varios proyectos, aunque mayormente no resultaron novedosos, y su alcance terrorífico entre los fanáticos fue discreto, a pesar de su buen aporte al cine de zombies como fue “La serpiente y el arco iris”

De todos modos, Craven ha sabido mantenerse vigente dentro del circuito hollywoodense, que hasta lo llevó a realizar algún trabajo para el cómico Eddie Murphie. Ya en plenos noventas, supo aprovechar la resonancia de “Scream” y su labor al lado de estrellas de la televisión, apareciendo en las premiaciones de MTV, consolidándose como un director reconocido, lo cual ya le hacía falta. Ha probado suerte en otros géneros, como el thriller en “Vuelo siniestro”, con buenos resultados, y también en el drama femenino en “Música para el corazón”, con mucha menos fortuna. Pero sin duda a Wes Craven se le recuerda mucho más por sus bizarros inicios, y precisamente fue su primer esfuerzo el que se ha convertido en una obra de culto por los seguidores del cine violento.

Sean S. Cunningham no goza del mismo renombre mediático que el señor Craven, pero su importancia dentro del cine de horror norteamericano no deja de ser relevante. Siendo un productor de películas de horror de bajísimo presupuesto, Cunningham dio inicio a su carrera como director del modo más auspicioso posible. Logró convertir un sencillo cuento macabro de ambiente rural, tan deudor de filmes como “Psicosis”, “Halloween” o la italiana “Bahia de sangre”, en toda una obra decisiva para el rumbo del cine terrorífico ochentero y fuente de inspiración para muchos otros realizadores.

En 1980, el film de horror “Viernes 13? alcanzó tal repercusión que hoy en día mantiene su vigencia ¡después de casi tres décadas¡. Y no queda duda que pronto veremos más producciones al respecto. La historia del gigante asesino que vive oculto en las inmediaciones del lago Crystal ha cobrado una enorme cantidad de seguidores, convirtiendo la imagen de Jason Vorhees en una figura mítica. Importa poco si las historias son repetitivas, si desbordan ingenuidad o si carecen de algún sentido; lo importante es Jason y la violencia que despliega.

Cunningham no ha logrado superarse a si mismo en cuanto al éxito alcanzado con aquel film. Su labor tras las cámaras ha dejado otros títulos que no han alcanzado la misma notoriedad. Como productor ha seguido de cerca la evolución de su franquicia durante más de diez películas  la cual da la impresión de ser tan inmortal como su monstruoso personaje. Sin embargo, sus inicios fueron tan modestos y esforzados como lo fueron para el señor Craven. De hecho, ambos tuvieron que unir esfuerzos, allá por el año 1971, como primer paso hacia el éxito del cual gozan actualmente.

“La última casa a la izquierda” es la cinta dirigida por Wes Craven  bajo la producción de Sean Cunningham,  considerada en los días de su estreno como una de las cintas de horror más brutales que se hayan filmado. Así lo entendieron muchos críticos y gran parte de la prensa especializada que consideró este filme como un titulo maldito, que mostraba violencia gratuita y maltrato a la condición humana en forma insoportable.

Sin embargo, el efecto “rebote” de sus comentarios negativos y la increíble defensa hecha por el crítico Roger Ebert (fallecido este año), llevó una gran cantidad de espectadores a las salas de cine, sorprendiendo a sus propios realizadores. Craven ha señalado que apenas esperaban una exhibición muy limitada en algunos autocinemas, y que por ello no escatimaron en tomarse la libertad de filmar las mayores crueldades que su mente pudo concebir. Significativamente, uno de los títulos inicialmente propuestos para la película fue “El crimen sexual del siglo”.

A pesar de ello, lo que se aprecia en su versión final no incluye muchas de las perversiones que Craven y Cunningham habían ideado por ser extremadamente insanas, quedando en el tintero porque simplemente el presupuesto no les daba para más. El deseo de experimentar fue la principal motivación al realizar esta historia, y la improvisación fue la regla a seguir durante toda su filmación. Según el propio Sean Cunningham el primer deseo que surgió en ambos fue el mostrar “una película donde se dejará muy en claro lo que era la muerte”, pues según ellos, el cine de entonces empezaba a mostrar el crimen y el asesinato como un asunto muy ligero, según lo visto en tantos westerns y cintas de acción.

Craven toma la premisa argumental de la obra de Ingmar Bergman “El manantial de la doncella”, donde una noble jovencita es atacada por un grupo de rapaces delincuentes, y con ello desarrolla la idea central de su argumento. Este era, nuevamente, el viejo enfrentamiento entre el bien y el mal; pero ¿qué ocurre cuando el bien se corrompe y se convierte en algo tan malvado como su opositor, bajo la vieja idea de que el fuego se combate con el fuego?.  Sólo una situación completamente extrema y dolorosa podía llevar al ser humano a cruzar la línea de lo permitido. La familia norteamericana de clase media vista en esta película se convierte en algo completamente distinto a la visión ejemplar o modelo de conducta que solía asociarse a ella durante los felices años sesenta.

Nos ceñiremos a contar a grandes rasgos el argumento del film : una bella joven que vive con sus padres emprende un pequeño viaje acompañada por su mejor amiga hacia un concierto de rock. En el camino ambas conocen a un proveedor de drogas, perteneciente a una pandilla de criminales los cuales secuestran a ambas jóvenes. Lo que sigue es una serie de situaciones realmente malévolas y enfermizas, cuyo resultado será la búsqueda de la más cruel venganza en su forma más inesperada.

El film conserva su confección amateur y hace gala de ella sin ninguna reserva. No se utilizó script previo alguno, mucho menos storyboards, lo cual queda claro en esos planos dignos de un cruel documento visual, donde la tortura, la humillación y el crimen sanguinario ocupan la mayor parte del metraje. Después de todo, incomodar, perturbar al extremo es la firme intención de toda obra de horror digna de respeto.

El asesinato se convierte en el principal móvil de esta historia, y se puede apreciar tanto en espacios abiertos como en aquellos interiores donde se desarrolla una nueva intriga que desemboca en otro festival de sangre y mutilaciones. Estos momentos marcaron la obra posterior de ambos realizadores, tanto de Sean Cunningham cuando en “Viernes 13? convierte a los distintos crímenes ocurridos en aquel campamento en el plato fuerte de su espectáculo, mientras que Wes Craven hizo de las persecuciones del asesino a su victima, a través de corredores y habitaciones, el elemento común de muchas de sus películas.

Los actores componen las distintas situaciones dictadas e improvisadas por Craven, a medida que el rodaje se llevaba a cabo. Sin tratarse de intérpretes de renombre o de cierta trayectoria, el elenco cumple en forma eficaz su cometido, dando vida a momentos enfermizos plasmados en pantalla en forma convincente, sobretodo por parte del actor David Hess, quien se encarga de interpretar al  líder de la pandilla criminal. Hess logró notoriedad con este papel, lo cual lo llevó a producciones similares dentro de este género, curiosamente con mayor fortuna en el cine italiano. Titulos suyos de digno recuerdo son "Trampa para un violador" del italiano Ruggiero Deodato o "Hitch Hike" de Pasquale Festa Campanila. Pero pocos saben que Hess fue un exitoso compositor de hits musicales como "All shook up" de Elvis Presley, y "Speedy Gonzales" para el cantante Pat Boone.

Es notable que el tiempo ha pasado su factura a esta producción, pues vista hoy en día, cuando se puede decir que mucho ha llovido dentro del cine de horror, el film pierde parte de su fuerza visual ante la cantidad de arranques violentos mostrados en otras producciones que casi resultan innumerables. De todos modos, ese aire enfermizo y malsano que se aprecia en el clima de estas imágenes, al cual contribuye su acabado doméstico y su bizarrismo amateur, hacen de esta película una experiencia impactante y difícil de olvidar.

“La última casa a la izquierda” es una obra que es parte de un culto al cine de horror hecho con pocos medios pero con sobrada audacia. Como prueba de ello, actualmente existe una nueva versión de esta historia, realizada con mayores recursos de producción y con mucho más oficio, la cual finalmente se convierte en un producto digno del esfuerzo puesto en su versión original, no tanto en su acabado, sino más bien en sus más oscuras intenciones.

La Matanza de Texas (1974): re-visitando un clásico

(Hace algunos años escribí este articulo para otra web sobre este film que no me canso de ver. Ahora decidí recuperar el texto, con algunas correcciones y mejoras hechas, según mi parecer. No tarda en llegar un nuevo escrito a razón de la próxima y más reciente actualización de este clásico del terror, y dicen que en 3D)

Era el año de 1974. Muchos jóvenes norteamericanos se sentían atraídos por temas profanos y ciencias ocultas, y daban cuenta de un extraño fenómeno, el cual, desde los principios de aquella década fue conocido como el inicio de la era de Acuario: considerada como un periodo de progresión en la conciencia humana, un cambio hacia nuevas perspectivas en la civilización y en la vida en nuestro planeta. Pero esto mismo llevaba a algunos a concebir el surgimiento de un nuevo temor: era el inicio de una edad oscura. Esta extraña percepción del mundo se veía apoyada en la desconcertante realidad vista a través de las noticias, con las terribles imágenes del conflicto bélico en Vietnam, y la pérdida de vidas que en su mayor parte eran jóvenes combatientes. Duro golpe a la conciencia del pueblo norteamericano, el cual produce un destacado matiz en aquel entorno: el del desencanto.

El cine de horror es, en nuestra opinión, el mejor medio para expresar el innegable lado oscuro de la mente humana. En aquellos días  lo terrorífico abandona su condición de espectro, de ilusión intrusa ajena a este mundo, donde el monstruo de escenarios góticos hacía su aparición como pesadillas nocturnas. Por el contrario, el terror dejaba los mitos clásicos y empezaba a alimentarse del lado más cruel de la realidad. Entonces, surge un notable caso donde el horror se hace perturbador y posible.

El cineasta Tobe Hooper nació en Austin, Texas, en el año de 1,943. Empezó en la realización de largometrajes con “Down friday streets”, trabajo fílmico que nunca llegó a cine alguno; poco tiempo después, su siguiente obra, un relato de ciencia ficción, se tituló “Eggshells”, la cual logró exhibirse en salas de Texas y Oklahoma. De este modo, afincado en las historias fantásticas, Hooper se embarcó en la realización de lo que es al día de hoy el mayor de sus logros. Un buen día  el joven director realizó una visita monótona a una de esas tiendas por departamento. Fue allí que su mente tuvo una inspiración única con tan sólo ver un simple artefacto: una bien equipada motosierra puesta a la venta. Si a ello añadimos el creciente interés de Hooper por la terrible historia de un asesino como Ed Gein, conocido como “el monstruo de Wisconsin”, es fácil deducir la rapidez con la cual su imaginación empezó a concebir una idea muy extraña. Junto al escritor Kim Henkel, se dio inicio a la confección de un relato realmente espeluznante.

Suele decirse que para todo aspirante a narrador creativo es siempre conveniente empezar utilizando aquello que nos resulta muy familiar, muy cercano o ampliamente conocido. Tobe Hooper situó su historia en su natal Texas, un punto lejano dentro de la gran Norteamérica  el Estado que llegó a tener hasta seis banderas y que logró finalmente su independencia de México y su anexión a los EE.UU en el año 1846. Durante el siglo XX, Texas adquiere una gran importancia debido a su floreciente riqueza petrolífera, logrando de este modo una mayor aproximación a los intereses de la nación. De todos modos, la imágen de un territorio remoto y casi olvidado por la civilización no dejó de ser cautivante para buena parte del público norteamericano. Hooper sabía de ello y explotó al máximo esa visión dentro de su buenhacer cinéfilo, imprimiendo un carácter inhóspito a esos poblados y a las desoladas carreteras, donde incluso la mascota del Estado, el pequeño armadillo, es un cuerpo triturado en el asfalto. Todo puede pasar en estos lugares olvidados, sea de día bajo un sol radiante o en medio de la más profunda noche; para la victima hay un total desamparo y para el victimario no existe ojo alguno que lo juzgue. Esta es la obra que Tobe Hooper logra convertir en un film clave dentro de la historia del cine de horror: "La Matanza de Texas".

El inicio de la película no puede ser más revelador. Bajo una siniestra oscuridad, el flash de una cámara es lo único que permite apreciar con horror el macabro espectáculo de una serie de restos humanos en descomposición, donde los cráneos desollados y sus dentaduras nos revelan la existencia de una monstruosidad que parece impregnar aquellos rincones y la atmósfera misma. Afuera, bajo la luz de un sol abrasador que asemeja un clima infernal, un cuerpo nauseabundo se aferra a una estatua, irguiéndose en medio del cementerio local como emblema de un reino de maldad. Esta presentación constituye la apertura perfecta para este clásico de la cinefilia terrorífica. En plenos años 70′s, con el compromiso hacia el post-modernismo que se hacia relevante en todas las artes, Tobe Hooper demuestra que también sabe romper esquemas, no sólo presentando un típico film de horror, sino apostando por una propuesta que emplea un formato realista muy efectivo. La primera expresión en pantalla es el frío texto a modo de un reporte policíaco  que nos narra el caso de las misteriosas muertes ocurridas en el terrible incidente que a continuación vamos a conocer. La sola introducción de este informe, con fecha exacta de los hechos y con su aguda descripción que hasta le otorga un nombre propio al caso, llama la atención del espectador en ese juego que involucra su certeza acerca del grado de ficción de lo que está a punto de ver.

El aparente realismo que logra este film se hace visualmente significativo en el empleo de un formato de carácter semi-documental, filmada en 16 mm., y algunos encuadres poco convencionales que la acercan a un trabajo improvisado. Sea esto menos intencional y más fortuito, el asunto es que funciona eficazmente en su cometido. Esta es la filmación del recorrido iniciado en camioneta de un grupo de protagonistas, quienes involucran al espectador en su sorpresa ante cada uno de los extraños sucesos que gradualmente se desencadenan. Las secuencias que sirven de preludio al tema central de la película reflejan ese ambiente desconcertante y enfermizo con la avidez de un documentalista lleno de frialdad. El episodio con el enfermizo auto-stopista; los habitantes hallados en una parada, algunos sumidos en el completo abandono y locura; el malsano panorama de la fábrica de embutidos y sus nefastos ambientes; o las desoladas inmediaciones de la gran casona y su densa vegetación. Estos son momentos que conforman un extraño panorama con un sólo objetivo: conducirnos por los caminos de la locura y el horror en su estado más delirante. Lo que sigue es una ruptura de esa seudo-realidad descrita; una visión de pesadilla que irrumpe violentamente, sin concesiones y dentro de la más completa perversión y crueldad.

“La matanza de Texas”, o tomando literalmente su titulo original “la masacre con motosierra de Texas” es un film realmente impresionante. Es usual comentar acerca de su importancia fundamental para el posterior desarrollo del cine de horror norteamericano, el cual con el paso del tiempo empezó a ser cada vez más visceral y sanguinario. Sin embargo, cualquiera puede apreciar que esta película apenas contiene estos elementos gráficos extremos y artificiales en cualquiera de sus momentos. La poderosa sensación perturbadora y decadente que reina muy especialmente al interior del matadero oculto es producto de un efectivo empleo de distintos elementos visuales: la escasa iluminación en las habitaciones, el ambiente de suciedad y degradación de sus rincones, la diversidad de objetos herrumbrosos, cortantes, y multiples desechos que sobrecargan el ambiente dentro del taller del matarife, los restos de vacas muertas que cuelgan en gran número y, por supuesto, la presencia del gigante asesino cuyo rostro deformado se cubre con un pedazo de piel muerta, la imagen que se hizo muy representativa del cine de horror de los años 70′s, al lado de niños demoníacos o jovencitas poseídas.

“Leatherface”, o “Cara de cuero” en nuestro idioma, ocupa un lugar especial en esa galería de personajes siniestros del cine de horror más emblemático. Gunner Hassen, el actor que lo encarnó, empleó mucho tiempo practicando el manejo de la motosierra, y aún así se autoinflingió varias heridas accidentalmente. Algo similar le ocurrió a la joven y novel actriz Marilyn Burns, quien también sufrió considerablemente las condiciones del rodaje. En principio, la misma ficción no cabe en respeto alguno por el cuerpo humano, al cual muestra en forma impresentable (a los muertos, desollados, y a los vivos, despatarrados por los suelos en algunos casos), lo maltrata ferozmente y lo humilla al extremo en una secuencia realmente enfermiza, como es la famosa cena familiar, encabezada por ese abuelo que es un digno nosferatu, secundado por el padre de familia, otro loco de antología. Compartimos la desesperante visión de la joven cautiva en su desconcierto absoluto ante el grado de maldad que tiene ante sus ojos.

Esta película de horror alcanzó gran relevancia, logrando su aprecio en el Festival de Cannes y en el Festival de cine de Londres, ocupando un lugar muy especial dentro del Museo de Arte Moderno en los EE.UU. Atrás quedó la durísima experiencia de su filmación, los problemas de dinero que enfrentaron, el esfuerzo agotador realizado para llevar a buen puerto el proyecto, donde Tobe Hooper, su equipo técnico y el conjunto de actores, primerizos y de escasa experiencia, donde, como suele ocurrir en estos filmes, lo importante es la credibilidad que aportan a los momentos de mayor tensión. Este grupo puso todo su empeño, dentro de sus limitaciones. Casi cuarenta años después, la fascinación que ejerce este filme continúa vigente, pues un par de nuevas versiones en ésta década no han hecho más que mantener la memoria de este clásico, importante impulsor de una nueva etapa del cine de horror. A la espera de su próximo tercer renacimiento en las salas de cine y dentro del formato 3D. Leatherface y su motosierra resultaron imparables.

Avances de "You´re next" de Adam Wingard

Finalmente llega el trailer de la nueva pelicula de Adam Wingard, el mismo de "A horrible way to die" que se ha hecho esperar bastante. Se trata de "You´re next", una pelicula que ha cosechado buenas criticas y mucho entusiasmo en sus proyecciones previas en festivales especializados. La ola de comentarios y opiniones en internet me hicieron recordar el caso de la francesa "Martires", muy comentada en su momento pero durante un buen tiempo anduvo sin publicidad oficial. Bueno, el jueves santo nos trajo una alegria en lo que esperamos sea una de las mejores peliculas de horror del año, teniendo en cuenta que el año pasado estuvo algo flojito. Ojala el panorama mejore: