Labios Ardientes - The Hot Spot (1990)

 Harry Maddox es un aventurero de moralidad cuestionable, el cual llega hasta un pequeño poblado en Texas. Ahí decide instalarse como un vendedor de autos en la agencia local, mientras se mantiene a la espera de una gran oportunidad. Sin embargo, el pueblo guarda secretos, y Harry los va a descubrir. Debido a ello, sus planes cambiarán inesperadamente.

Tenemos que hablar de ... Dennis Hooper.

Dennis Hooper fue un destacado actor y director, sin duda uno de los más emblemáticos del cine norteamericano. Empezó su carrera en los años 50, en el medio televisivo, con alguna incursión oportuna en el largometraje, como ocurre en los dos clásicos del cine protagonizados por la estrella James Dean, como son "Rebel Whitout a Cause" y "Giant". Luego incursiona en el clásico "Gunfight at the OK Corral", y de manera muy especial en dos películas de bajo presupuesto dentro del género fantástico, como son "The Night Tide" y "Queen of Blood", ambas obras del escritor y director Curtis Harrington, recordado por su extraña estética. Hooper gana terreno en el cine, llegando a participar en títulos emblemáticos como "Apocalipse Now", "The Quiet American" o "Rumble Fish". Sin embargo, su carta de presentación como director lo constituye el clásico título "Easy Rider" del año 1969, filme donde además actúa, conformando un elenco que incluye a dos grandes figuras como son Peter Fonda y de Jack Nicholson. 

Su carrera posterior tras las cámaras mantuvo el interés con títulos destacados como "The Last Movie", "Out of the Blue", "Colors", hasta llegar a 1990 con su siguiente obra.

"The Hot Spot" es una película muy bien inscrita en el llamado neo-noir, porque el guion nació en plenos años cincuenta, escrito por el autor Charles Williams, basada en su propia novela del mismo título. La idea fue realizar una película teniendo en mente al actor Robert Mitchum para el rol protagónico. Por distintos motivos, el proyecto quedó encarpetado hasta que, cuarenta años después, este guion llega a manos del actor Dennis Hooper, quien queda encantado con la historia y decide dirigirla. Un proyecto con el mismo título a cargo del director Mike Figgis quedó relegado.

La película es una obra realizada por un Dennis Hooper inspirado en la literatura negra norteamericana, así como nutrido de la experiencia reciente de participar en la magnífica película de David Lynch "Blue Velvet". "The Hot Spot" es visualmente lynchiana, por decirlo de alguna manera: los colores, los escenarios, la fotografía, los personajes singulares que forman parte de esta historia, todo esta filmado con gran estilo y una notable estética, donde la bondad y la inocencia se mezclan con la sordidez, la lujuria y la maldad. Ninguno de sus protagonistas principales está libre de pecado, por mucho que puedan parecerlo. Sin embargo, esa alusión a Lynch no incluye el surrealismo extremo, fantástico, pues, si bien aquí hay momentos donde la realidad también parece distorsionarse con escenarios de ensueño, pero no cruzan un límite, pues la maldad que yace en este pueblo es muy real, tan real como pueda haberlo en cualquier lugar del mundo.

El protagonista Harry Maddox es un delincuente y un inmoral, sin duda. No obstante, el amor que encuentra en este lugar puede lograr un cambio en él. O quizás ya sea muy tarde para ello. El actor Don Johnson encarna a este antihéroe, quien es capaz de cometer maldades, pero tiene un límite, y es evitar víctimas inocentes. Johnson, estrella en ese momento, deja su papel estelar como el detective Sam Crocket de la serie "Miami Vice" y se convierte en un rufián, cínico, frío y calculador, pero que encuentra en el amor su mayor debilidad. No se le puede culpar si el amor tiene el rostro y la figura de la actriz Jennifer Connelly, notable estrella de Hollywood, de larga trayectoria que aún hoy en día se mantiene vigente. El tercer personaje en disputa lo encarna la gran actriz Virginia Madsen, otra belleza que dio glamour al cine de los años ochenta y buena parte de los años noventa. Madsen encarna acertadamente a la mujer fatal clásica, indecente, malvada, y por supuesto muy astuta. Este triangulo pasional funciona muy eficazmente en el desarrollo de los acontecimientos que se desencadenan en este pequeño espacio ajeno a la vida moderna.

La película presenta una atmosfera atemporal, pues por un lado es un retrato de un poblado de los años cincuenta, y, sin embargo, hay detalles que nos recuerdan que estamos en pleno siglo veinte, no hemos viajado en el tiempo como puede parecerlo. Precisamente, todo lo que ahí ocurre parece darle la espalda al resto del mundo, todos ellos están atrapados en ese lugar, y como bien dice el personaje de Virginia Madsen: en esta ciudad sólo hay dos cosas que se pueden hacer, una de ellas es tener un televisor, y la otra es algo que Harry Maddox va a descubrir, si antes no logra escapar.

No olvidemos a los notables actores secundarios que aquí participan, como el gran actor William Sadler dando vida a un ser ruin y malvado, que corrompe todo lo que toca. Jack Nance, el mismo "Eraserhead", habitual de la filmografía de David Lynch, aquí vuelve a interpretar a un singular y pintoresco personaje. Y el buen actor Charles Martin Smith, quien encarna a Lon, un vendedor de autos, un hombre sencillo y alejado de todo lo que le rodea en ese pueblo, Y, sin embargo, acierta con la frase que responde en el siguiente dialogo:

Harry: "En esta vida tienes que coger lo que quieres, porque puedes estar seguro de que nadie te lo va a dar"

Lon: "¿Quieres saber lo que yo siempre digo?: Mira antes de saltar"

Hasta la noche, mi amor - After dark, my sweet (1990)

"¿Qué es la vida?, un frenesí, ¿Qué es la vida?, una ilusión...", y así sigue aquel poema, el cual recordé luego de ver la siguiente película.

James Foley fue un destacado director de Hollywood con cuatro décadas de carrera, siempre con películas muy bien realizadas, desde su inicio con la historia juvenil de "Reckless" del año 1984, que nos muestra el romance entre el rebelde Aidan Quinn y la bella Daryl Hanna, siendo estudiantes en una escuela secundaria, destacando en los años noventa con el celebrado drama "Glengarry Glen Ross", un despliegue de actuaciones muy destacables, cuyo elenco lo encabeza el gran actor Jack Lemmon. También incursionó en los géneros de la acción y el suspenso, de manera correcta y efectiva, destacando la figura del actor Mark Whalberg, en las películas "El Corruptor", haciendo dupla con el actor Chow Yun-Fat, y en la cinta "Fear", acosando a la juvenil Reese Whiterspoon. Ya en los años dos mil lo suyo fue principalmente la televisión, en episodios de la serie "House of Cards", hasta su participación en la trilogía de "Fifty Shades of Grey", partes dos y tres. Fue un realizador muy correcto, cuyo balance de trabajos siempre fue de notable apreciación. Nos dejó en mayo del 2025.

En el año 1990, James Foley incursionó en la literatura del escritor Jim Thompson, un autor cuyas historias nos muestran el rostro de Norteamérica como escenario para la corrupción, el vicio y la pobreza, con personajes que sólo buscan sobrevivir a ello, librando todo tipo de batallas. Resulta mejor citar lo que dijo Stephen King sobre la obra de este autor: "Lo que convierte los libros de Thompson en literatura es su disección clínica de la mente alienada, de la psique trastornada hasta convertirse en una bomba de nitrógeno, de las personas que recuerdan a unas células enfermas y situadas en el intestino de la sociedad estadounidense". Nuff said.

La novela "After Dark, My Sweet" sirve de inspiración para una película sólida y muy destacable. James Foley siempre ha sido un realizador de ejecución clásica, aleccionadora, de mirada sobria y precisa. Del mismo modo, ha sido un buen director de actores, destacando lo mejor de sus intérpretes en las obras que llevó a cabo. De este modo, la obra cuenta con el protagonismo del actor Jason Patric, en uno de sus trabajos más memorables, muy bien acompañado por las insuperables actuaciones de Rachel Ward y Bruce Dern. Una historia que cuenta principalmente con tres personajes, unidos por la ambición, la decadencia y la desesperanza. Así de claro. Mención especial al actor George Dickerson como un médico interesado en el pasado del protagonista, y que resulta clave en el giro del relato.

Jason Patric es Collie, un boxeador que está huyendo de su pasado por motivos que no revela. Debido a ello, llega hasta un poblado en California donde conoce a Fay, una viuda muy atractiva la cual le presenta a Bud, un expolicía, con quien tiene un plan para hacer una fortuna: secuestrar al hijo menor de una familia adinerada y solicitar el rescate millonario. Collie es seducido por Fay, y acepta llevar a cabo el plan. Como es de suponer en este ambiente de corrupción, tanto la mentira, el engaño y la locura se harán presentes, dando paso a situaciones que conducen a un destino incierto, como el paisaje desolador que los rodea.

James Foley nos cuenta esta historia en forma muy eficaz, donde sus personajes se relacionan siempre expectantes ante el engaño y la traición, sin confiar uno del otro. A lo largo del relato se acude a breves flashbacks sobre el pasado del protagonista, para mostrar un completo cuadro de su mente torturada, y la manera en que busca sobrevivir y construir una nueva vida, sin aceptar que quizás ya es tarde para ello. Muy buena la actuación de Jason Patric, en su papel de perdedor total. Un actor cuya trayectoria tuvo un inicio como estrella de cine juvenil, y luego tomó la ruta del cine independiente, con alguna incursión fallida en el cine de acción, pero sin duda donde siempre resulta notable es en el drama y el suspenso, alejado de los grandes estudios. La actriz Rachel Ward luce tan seductora en modo natural, sin ningún alarde, y compone a un personaje de gran personalidad, y, probablemente, la más sincera en este ambiente de mentiras. El notable actor Bruce Dern hace una labor impecable como un expolicía corrupto y metido en problemas, un manipulador que ve en el exboxeador una buena oportunidad para su plan.

"After Dark, My Sweet" es, como dijo Rogert Ebert, una película que eludió al público. Dicho de otro modo, quedó bajo el radar, en medio de un ambiente donde el cine apenas apostaba por el cambio de los luminosos años ochenta hacia una nueva década, la cual disfrutó de grandes títulos dentro del cine de autor, y por ello, una obra con una historia íntima y nada optimista no alcanzó el reconocimiento merecido. De todos modos, es un film hoy mejor apreciado, que ya anticipaba el nuevo cine de la década del noventa.

Secreto Carnal - Flesh and Bone (1993)

 Como en cualquier centro de trabajo, en Hollywood surgen matrimonios en abundancia. Actualmente, tenemos a una joven pareja de esposos protagonizando la película del momento, es decir, a mediados del 2026. Pero, antaño hubo algunas otras parejas de esposos que también decidieron participar de un mismo proyecto fílmico. Ahí está el caso de Tom Cruise y Nicole Kidman en la última película de Stanley Kubrick. O también, como fue el caso de Dennis Quaid y Meg Ryan, una de las parejas de Hollywood más recordadas en el siglo XX, valgan verdades, cuando coincidieron en una película con un drama intenso que se merece destacar.

Dennis Quaid es uno de los rostros más reconocidos del cine norteamericano, si bien es cierto, su mayor actividad se produjo durante los años ochenta hasta la primera década de este nuevo siglo. De ahí en adelante sus apariciones en el cine se han hecho más escasas, hasta que en el año 2024 recuperó presencia gracias al éxito internacional que fue la película "The Sustance", en la cual el actor tuvo un rol secundario bastante apreciado por su buen desempeño. Esto no es de extrañar porque Quaid es muy buen actor, sin duda, y con sobrada experiencia. Por su parte, la actriz Meg Ryan fue una de las musas más celebradas de las décadas ochenta y noventa, sobre todo como estrella de la comedia romántica, desde el éxito de "When Harry meet Sally" en el año 1989, si bien ya había llamado la atención en sus apariciones en "Top Gun" y en "Innerspace", donde justamente coincidió con Dennis Quaid, con quien se casó en el año 1991. El matrimonio duró hasta el año 2001.

Pues, para no liarme más en "casos del corazón" respecto de la relación personal-profesional de esta pareja de actores, paso a ver qué fue lo que ha llamado mi atención de esta pequeña película que hoy nos ocupa. Pequeña en cuanto a tamaño de producción, pero muy apreciable.

"Flesh and Bone" es una historia escrita por el guionista y director norteamericano Steve Kloves, quien es mayormente reconocido actualmente por sus guiones adaptados de la serie de novelas de "Harry Potter", con la única excepción del capítulo "La Orden del Fénix". Antes de estos trabajos, Kloves ya mantenía un estatus de respetado guionista por sus obras "The Fabulous Baker Boys", la cual escribe y dirige en 1989, y "Wonder Boys", un guion adaptado de la novela de Michael Chabon, para la película dirigida por el gran realizador Curtis Hanson. También fue uno de los tres guionistas de "The Amazing Spiderman" del año 2012, que dirigió Marc Webb. Tras ver este currículo, cabe destacar que Kloves sólo ha dirigido dos películas, y ambas a partir de historias originales. "Flesh and Bone" es una de ellas.

El relato es un drama íntimo que también cabe dentro de lo que se conoce como "Neo Noir". La historia parte de un hecho terrible acaecido en un pequeño pueblo de Texas, como es la muerte de toda una familia a manos de un hombre malvado. A raíz de ello, dos personas se vieron afectadas durante 25 años, al mantener ese trauma del pasado y al cambiar por completo su futuro de manera incierta. Los protagonistas son Arlis (Dennis Quaid), Kay (Meg Ryan), Ginnie (Gwyneth Paltrow) y Roy (James Caan).

La historia es la siguiente: Roy es un bandolero y criminal que vive cometiendo fechorías y huyendo, esto durante muchos años. Su hijo Arlis, ya adulto, vive en el pueblo, alejado de esa vida terrible que sufrió en su niñez, dedicado al comercio de máquinas de expendio en establecimientos comerciales. Un día de aquellos, llega al lugar Ginnie, una joven ladrona y estafadora, quien le roba su dinero a Kay, una bailarina que también acaba de llegar al poblado, si bien en su caso se trata del regreso al lugar donde nació, y del cual se alejó debido a una historia que está a punto de revelarse. Los cuatro personajes van a conocerse, o reconocerse, van a enfrentarse y tendrán que tomar decisiones para reparar o finalizar lo que ocurrió hace 25 años. Aún si ya es tarde para ello.

La película nos muestra una realización muy sólida en cuanto a desarrollo de la trama, presentación y descripción de los personajes, diálogos ingeniosos y profundos, así como una correcta puesta en escena natural, detallista, de espacios interiores reducidos, y de exteriores bien retratados, en un notable trabajo de dirección. El elenco de actores es sin duda otro gran acierto, con el protagonismo de Dennis Quaid en un personaje apático, serio, distante. Y en el contrapunto tenemos a la notable actriz Meg Ryan, más que un bello rostro, sin duda se trata de una de las mejores actrices del cine de Hollywood: natural, espontanea, encantadora y decidida cuando se requiere, así es su personaje, el cual resulta muy interesante gracias a su caracterización.

Destacar notablemente la participación de la actriz Gwyneth Paltrow, con apenas 20 años cuando se filmó la película. Su trabajo es correcto, como una desenfadada joven embustera y ladrona, quien lleva una relación con un hombre mayor el cual esta caracterizado por James Caan. De este actor poca duda puede haber de que su trabajo es notable, interpretando al despreciable y malvado Roy, la maldad encarnada en esta historia.

El film nos muestra las vidas sin rumbo de dos personajes, atrapados en un pequeño poblado no en forma física sino por la maldad de un hombre, quien les dejó una herida muy grande en el interior, la cual los convierte a ambos en sobrevivientes sin rumbo, que viven el día a día, sin ningún objetivo, y que encuentran en una reunión inesperada la oportunidad de enfrentar el temor y corregir errores. Cuando el mal se hace presente y los vuelve a convocar, mientras este repite el circulo de sus terribles actos.

Una película con una narración muy íntima, con un reducido grupo de actores y muy bien realizada. Que nos cuenta una historia violenta de manera muy sobria, con lo mínimo en cuanto a estallidos, mostrando mayor interés en el perfil de sus protagonistas, todos ellos a cargo de notables actores y actrices que pertenecen a la lista de figuras más destacables que ha dado el cine norteamericano de finales del siglo veinte. Con un realizador que merece sin duda más trabajos detrás de cámaras, a ver si se anima con alguna historia que esté cocinando en el papel.

Un Paso en Falso - One False Move (1992)

 ¿Cuáles son los seis grados de separación entre el director Sam Raimi y el director británico estadounidense Christopher Nolan? Pues, a ver:

Sam Raimi trabajó con los actores Bill Paxton y Billy Bob Thorton en su película del año 1998, "A simple plan", como ya vimos en el post anterior.

Bill Paxton y Billy Bob Thorton trabajaron juntos durante los años 1990 y 1991 en la película del gran director norteamericano Carl Franklin titulada "One False Move"

"One False Move" es una de las películas favoritas del director Christopher Nolan

En realidad, fueron muchos menos grados. O algo así.

"One False Move" es una pequeña gran película, que parte de un guion escrito por el actor Billy Bob Thorton y su colega Tom Epperson. Una historia de intriga policial dura y sin concesiones, cuyo proyecto fílmico fue financiado por I.R.S. Media, división del sello discográfico I.R.S., que en los ochenta produjo álbumes para músicos como Belinda Carlisle, R.E.M., Timbuk 3, The Bangles, Iggy Pop, Fine Young Cannibals y otros. En cuanto a su producción fílmica, su catálogo presenta una serie de películas de bajo presupuesto pero que mantienen mucho interés, siendo mayormente dramas, historias de suspenso, con sólido reparto de actores, muchos de los cuales brillaron en los ochenta, pero en los noventa encontraron lugar en estas producciones de menor presupuesto; del mismo modo, hubo actores que empezaban una carrera prometedora, y encontraban en estas producciones un buen punto de partida. Sin duda, un listado del cual me atrae revisar varios títulos. Como ocurrió con gran parte de su filmografía, la película en cuestión se iba a destinar al mercado del video doméstico. Pero la realización a cargo del director Carl Franklin fue tan elogiada en su paso por festivales, y por críticos especializados, como Roger Ebert, que ello motivó su estreno en salas, casi dos años después de su filmación.

De todos modos, se trata de una obra poco revalorada que merece toda atención.

En este caso tenemos una historia con un protagonismo coral, pues desarrolla una serie de acontecimientos en las vidas de un grupo de personajes, ubicados a ambos lados de la ley. Así, tenemos a dos desalmados delincuentes, Ray y Pluto, acompañados por Fantasía, la novia de uno de ellos, los cuales realizan un recorrido por las carreteras de Norteamérica, huyendo de las autoridades tras una matanza sin igual que han cometido para realizar el robo de dinero y mercancía a otro malhechor. Las autoridades son alertadas, y esto convoca a Dude Cole y John McFeely, dos oficiales de larga trayectoria, quienes se trasladan a Star City, ciudad en la mira de los fugitivos, Allí conocen a Dale "Huracán" Dixon, el jefe de policía local, quien se suma a la persecución, la cual va a desatar una serie de situaciones reveladoras, hasta su violento enfrentamiento final.

La película trata con duro realismo la violencia desatada por la maldad humana, la frialdad con la cual los villanos de turno ejecutan sus acciones, motivados por la más fría ambición. Esto sin dejar de ser el retrato de tres personajes sin rumbo, atrapados por sus bajos instintos, a pesar de la frialdad con la que cometen sus terribles crímenes. Por su parte, la justicia a cargo de su detención queda en manos de tres policías, dos de la gran ciudad y el tercero, el oficial de pueblo, donde todos ellos son oficiales curtidos en la experiencia profesional de defender la ley. A pesar de ello, con sus propios males, como el racismo que vive en el ambiente, el prejuicio y la discriminación. Estos caminos se cruzarán, mientras se desata la violencia y se revelan secretos muy íntimos en la vida de estos personajes.

Una historia dura, implacable, muy reveladora de la condición humana en cada uno de sus personajes, lo que requiere un elenco de actores solventes. Así pues, tenemos el protagonismo de Bill Paxton, excelente y notable actor, y sin duda uno de los rostros favoritos de nuestra cinefilia más clásica. Paxton se luce con una actuación de agente del orden en un pequeño pueblo, alguien sencillo, desenvuelto, honesto y al mismo tiempo muy listo. Siempre dispuesto a cumplir con su deber.

Los actores Jim Metzler y Earl Billing interpretan a los detectives de la ciudad. Metzler es otro buen actor, muy prolífico en el cine de bajo presupuesto y la televisión, de presencia reconocible. Mientras que Billing ha ocupado su carrera principalmente en la televisión norteamericana.

Los adversarios son interpretados por un elenco excepcional de actores. Billy Bob Thorton es sin duda uno de los rostros más destacados dentro del cine de los años noventa. Alcanzó el estrellato a principios del milenio en la cinta multipremiada de los hermanos Coen "El Hombre que nunca estuvo". Sin embargo, esto duró poco, hasta verlo cada vez menos, lo cual no impide verlo en producciones actuales luego del prestigio ganado, no sólo como actor sino también como guionista. En esta película Thorton realiza su primer rol protagónico destacado, de manera muy convincente. Junto a él se encuentra el excelente actor Michael Beach, en un rol de gran presencia, muy cerebral, frío y calculador, y al mismo tiempo, de feroz actitud. Notable trabajo realizado por este interprete, de larga trayectoria sobre todo en la televisión norteamericana donde se mantiene activo y vigente.

Un párrafo aparte para la actriz Cynda Williams. quien realiza un trabajo muy destacable, y sorprende que posteriormente no haya logrado una filmografía extensa y sólida, pues su talento para la actuación aquí queda bien demostrado. Su presencia en escena es total, así como su excelente interpretación.

El director Carl Franklin hace un notable trabajo, con una narración muy fluida, una puesta en escena muy dinámica, desde interiores reducidos bajo una eficaz iluminación, un trabajo en exteriores muy destacable, con esos paisajes de la Norteamérica profunda, alejada de las grandes urbes, y una dirección de actores muy acertada. La labor del director luce muy inspirada, y es así como este film y sus siguientes trabajos, el clásico "El Demonio vestido de azul" ("Devil in a blue dress") y el drama "Cosas que importan" ("One true thing"), donde dirigió a la gran actriz Meryl Streep, llegaron a ser los puntos más memorables de su carrera cinematográfica, la cual con los años se ha hecho cada vez más reducida, En el nuevo milenio, Franklin se ha dedicado por completo a la televisión, regresando al medio donde empezó su carrera.

"One False Move" es un clásico del llamado cine neo noir, que brilló notablemente en la década del noventa de manera muy especial, con relatos bastante atractivos e inquietantes, en la manera en que muestran al ser humano tal cual, con toda aspereza, en la cara de todo espectador.

Un plan sencillo - A simple plan (1998)

 Tres doritos después del estreno de su película "The Quick and the Dead" en el año 1995, el director de cine Sam Raimi sorprendió al público con una obra distinta a todo lo que había realizado hasta entonces. Por aquellos años ya era conocida la relación del director con los hermanos Coen, Ethan y Joel, hoy en día celebrados cineastas quienes colaboraron en sus primeros años como parte del equipo de dos de las obras más memorables de Raimi, como son "Evil Dead" del año 1981 y "Darkman" del año 1990.

Ya en plena década de los noventa el cine de los Coen había alcanzado el reconocimiento de público y crítica, con títulos muy valorados como "Raising Arizona", "Barton Fink" o "Miller´s Crossing". Además, Sam Raimi había colaborado con ellos, tanto delante como detrás de las cámaras; como breve aparición en "Miller´s Crossing", o en la segunda unidad de "The Hudsucker Proxy". Por ello, una vez que llegó a las pantallas de cine en el año 1998 el drama criminal "A Simple Plan", y se descubre que está dirigido por Sam Raimi, la comparación con la gran obra de los hermanos Coen, la multipremiada "Fargo" del año 1996, se hizo inevitable. Pero no, amigos. "A Simple Plan" es una obra singular, un drama intimo sobre un pequeño grupo de personas en un pueblo remoto de la América Profunda, cuyas vidas cambian por un hecho inesperado. Por su parte, la película de los Coen es el relato de una investigación realizada por una oficial de policía más hábil que su entorno. Es decir, son muy distintas en tono y en trama, más allá del escenario de un pequeño poblado norteamericano, en pleno invierno nevado y de convertirse en radiografías de un grupo de personas y sus reacciones, cuando son consumidos por sus instintos más primarios.

El escritor Scott B. Smith, autor de la novela de horror "Las Ruinas", que fue adaptada para el cine en el año 2008, también es el autor de "Un Plan Sencillo", la novela que inspira esta película. Además, realizó el guion que adapta el relato. De hecho, se afirma que desde un inicio el autor lo concibió para su posterior adaptación cinematográfica, allá en el año 1993, lo cual le tomó cinco años cuando el proyecto finalmente cayó en las manos de Sam Raimi, luego de varios intentos previos con distintos equipos de realizadores.

La sinopsis podría detallarse como sigue: un día cualquiera, en un pequeño pueblo, Hank, su hermano Jacob y Lou, amigo de este último, van de cacería al bosque cercano. Pero, en medio del profundo paisaje descubren un avión estrellado. Al interior del aparato encuentran un cadáver y una bolsa llena de dinero. Tras la sorpresa inicial, surge la propuesta inesperada de Lou, de guardar el dinero y repartirlo entre ellos, pues nadie va a reclamarlo. La tentación derrota cualquier sano juicio, así que Hank, contador de profesión, decide resguardar el dinero hasta encontrar un momento oportuno para el reparto. Esa decisión es el pistoletazo para dar inicio a una serie de infortunios, desgracias y muertes que asolan el apacible poblado, donde los cuervos sobre los viejos arboles parecen anunciar la llegada del mal sobre sus habitantes.

Para esta película, Raimi cuenta con un pequeño elenco de actores, los cuales llevan a cabo un trabajo formidable. Encabezando el reparto tenemos al gran actor Bill Paxton, quien ya nos dejó en el año 2017, aportando una carrera cinematográfica excepcional, sin duda. Siempre cumplió a cabalidad sus distintos roles, demostrando una amplia gama de registros dramáticos, desde la comedia juvenil, la acción, el terror, y en este caso el drama más profundo, al encarnar a Hank, un ciudadano modelo seducido por la tentación del mal. Su actuación muestra a un personaje de maneras correctas y de expresión contenida, el cual empieza a revelar una fascinación por la codicia y la planificación para proteger su hallazgo, así como demostrar una habilidad para librarse de situaciones cada vez más complicadas. Un sólido trabajo que nos deja una actuación inolvidable que merece verse más de una vez.

El elenco incluye a dos magníficos actores de reparto. Jacob, el hermano menor del protagonista, es interpretado por el actor Billy Bob Thornton, quien venía de ganar el premio Oscar por su guion adaptado por la película "Sling Blade", además de una nominación al mismo premio en la categoría de actor principal, que no ganó por el triunfo de Geoffrey Rush. En "Un Plan Sencillo" Thornton realiza un trabajo magistral como un sencillo hombre desempleado, que no posee una mente brillante, quien, tras un inicial entusiasmo, empieza a cuestionar sus acciones y su propia vida al sentirse arrastrado por los acontecimientos, por la fidelidad a su hermano lo cual se convierte en su mayor debilidad. Por su parte, la esposa de Hank es encarnada por la notable actriz Bridget Fonda. Su papel se vuelve esencial cual personaje en las sombras, que activa cada uno de los acontecimientos que se desarrollan, con catastróficas consecuencias. También podemos destacar al actor Brent Briscoe, quien hace un muy correcto trabajo encarnando a Lou, un personaje de vulgares maneras, odioso, y tan ingenuo como su amigo Jacob. Este actor también nos dejó en el año 2017.

Raimi se apoya en las actuaciones de su elenco, y los expone en detalle. El director demuestra su habilidad para presentar a sus personajes de manera concreta, con algunos diálogos y escenas que no requieren demasiado texto ni mayor explicación, con la mayor naturalidad posible. Porque la película es un drama y sin embargo es muy dinámica. Cada situación funciona y desarrolla a los personajes a manera de un estudio psicológico: los enfrenta a los acontecimientos, muestra sus reacciones, su actitud ante el hecho inesperado que termina describiéndolos de una sola pieza. Así como la manera en que esto les afecta personalmente y en sus relaciones, detallando el accionar de todos ellos, y lo que va a liberar cada estallido de violencia.

Danny Elfman se encuentra en la partitura musical y realiza un trabajo singular, nada parecido a su reconocible registro habitual, lo cual es muy acertado en esta atmosfera enrarecida y fatalista.

La película logró dos nominaciones a los premios Oscar, una para el guion adaptado de Scott B. Smith y otra para la gran actuación de Billy Bob Thorton. Por fin una película de Sam Raimi alcanzaba estas menciones.

"Un Plan Sencillo" es una de las grandes películas de la década del noventa, probablemente una de las décadas más interesantes y novedosas que se hayan visto en el cine norteamericano, junto a los años setenta. La actividad de muchos realizadores se hizo muy prolífica, lo cual enriqueció el panorama del cine a nivel mundial, con títulos bastante destacados y vigentes hasta hoy en día. Y esta pequeña película de Sam Raimi es una de ellas.

Spiderman (2002)

 A día de hoy, la película "Spiderman" del año 2002 dirigida por Sam Raimi es la mejor adaptación cinematográfica del cómic creado por los autores Stan Lee y Steve Ditko en el año 1962, para la emblemática editora Marvel Comics. Como buen lector del cómic clásico, Raimi toma como principal referencia la legendaria primera etapa del héroe, y pone en imágenes el inspirado guion del gran David Koepp, que respeta en gran medida no sólo la apariencia física de los personajes, sino también aquello que los distingue y los define, como ocurre con Peter Parker: un joven estudiante de secundaria que brilla en el campo de la ciencia, pero que socialmente no logra encajar con los demás alumnos debido al rechazo a su actitud reservada, por lo cual se mantiene apartado y frustrado. El destino lo conduce al encuentro con una pequeña araña expuesta a experimentos, radioactivos en el cómic, de mutación biológica en el film. La picadura lo convierte en un ser de poder extraordinario, por lo cual asume la identidad del personaje más fascinante y popular del llamado Universo Marvel.

Como hemos dicho, la película toma como referencia la primera etapa de Spiderman, y nos presenta a la maravillosa galería de personajes que conforman esta serie de historias y que fueron definidos en estos números publicados allá en los años sesenta. Lo hace de manera respetuosa, y de la forma más fiel posible. Tanto los tíos de Peter, el interés amoroso, el mejor amigo, sus empleadores en el diario El Clarín, incluso la secretaria Betty Brant y el bravucón de la escuela Flash Thompson están presentes de manera lograda. Una vez puesto el marco adecuado, la historia que nos narra la película desarrolla la intriga del villano a partir de los acontecimientos narrados en la segunda temporada de la publicación, que empieza tras la marcha de Steve Ditko por diferencias creativas con Stan Lee, y da la bienvenida al dibujante John Romita Sr. El Duende Verde, el villano más representativo de Spiderman, con permiso del Doctor Octopus, entra en escena, y a pesar de su apariencia de traje experimental y casco de diseño, distinta a la figura más siniestra y digna de Halloween en las viñetas, cumple la papeleta gracias a la buena puesta en escena realizada. El tramo final pega un salto cualitativo hacia el célebre episodio de la etapa firmada en los cómics por el escritor Gerry Conway y el dibujante Gil Kane, lo que concluye el relato fílmico de manera contundente.

Sam Raimi, talentoso director que surgió del cine independiente de horror, como ya vimos en el post anterior, alcanzó relevancia de manera gradual gracias a su constancia y a su gran trabajo dentro de la mayor industria del cine como es Hollywood, con producciones cada vez más logradas: desde un trabajo tan personal como lo es "Darkman" en el año 1990, hasta su labor como hábil artesano para producciones hechas a la medida de las estrellas del cine de aquellos años, como son Sharon Stone en "The Quick and the Dead", Kevin Costner en "For love of the game", o el reparto estelar encabezado por la gran actriz Cate Blanchet en "The Gift". Llegado el nuevo milenio, Raimi ya no era sólo el director de culto de una trilogía de horror, sino que además había demostrado ser un realizador muy competente y un todo terreno. Columbia Pictures llevó a cabo la búsqueda de su director ideal para la gran producción de la película de Spiderman, que se llevaba acariciando desde hace años, y tras muchos nombres de realizadores barajados en las noticias de aquellos años, como Ron Howard, David Fincher o Chris Columbus, finalmente se anunció a Raimi como el director ideal para esta adaptación.

Y definitivamente Raimi fue el director ideal. La película consigue narrar un singular drama juvenil, pero sin caer en la inocencia de lo convencional en este tipo de historias, ya que sus protagonistas se encuentran en ese tortuoso camino hacia la adultez y los problemas de la vida moderna, con detalles que la vuelven muy creíble gracias a un desarrollo inspirado. Pero, sobre todo, el relato no escatima en la dureza de una aventura como esta, pues aquí el mal es perverso, cínico e implacable, y sobre todo, es capaz de cobrar vidas inocentes. El héroe enmascarado es la perfecta contraposición, pero para ello debe recorrer el camino del duro aprendizaje de la consecuencia de sus actos. Raimi tiene a su cargo un elenco de actores único, brillante, eficazmente elegido, donde cada artista cumple su rol de manera acertada, razón por la cual se han convertido en icónicos. Toby Maguire es el perfecto Peter Parker de la era Lee-Ditko: noble pero inseguro, incluso cargado de resentimientos los cuales debe ir abandonando a medida que alcanza a comprender el valor de la vida y el papel que lleva a cuestas. La bondad de Peter supera al miedo, y lo convierte en el héroe que la ciudad de New York necesita. Maguire es uno de los mejores actores de su generación, a pesar de ello su carrera no ha podido desligarse de este su más celebrado rol.

El elenco que acompaña al protagonista es perfecto. Mary Jane Watson con el rostro de la actriz Kirsten Dunst se ha hecho inolvidable. J.K. Simons como J.J. Jameson es el personaje del papel convertido en carne y hueso, no solo en apariencia sino también en actitud y maneras. Ben y May Parker, los entrañables tíos de Peter lucen encarnados con solvencia por los actores Cliff Robertson y Rosemary Harris. Betty Brant es la encantadora actriz Elizabeth Banks, y Joe Robbie Robertson es el actor Bill Nunn, estrella de la gran pelicula de Spike Lee "Do the right thing". El mejor amigo de Peter es Harry Osborn, papel a cargo del actor James Franco, quien últimamente da que hablar en redes sociales con su regreso a la actividad luego de años de desaparición.

Finalmente, el gran villano como lo es Norman Osborn, el Duende Verde, está a cargo del gran actor Willen Dafoe. Una figura de larga trayectoria, repleta de roles memorables de gran nivel. Al llegar a "Spiderman" ya era una figura consagrada debido a sus tremendas actuaciones en películas como "Streets of fire", "Live or die in L.A.", "Platton", "Last temptation of Christ", "Wild at heart", "Mississippi burning", y un largo etcétera. Dafoe debe lidiar con la histriónica maldad de su personaje, incluso bajo una máscara y un traje completo, pero los recursos del actor son magistrales para dar vida a ese ser lleno de locura y maldad oculto bajo una falsa etiqueta de distinción.

"Spiderman" de Sam Raimi desarrolla secuencias de acción perfectas, una edición imparable, una fotografía luminosa, y una narrativa que no desmaya, incluso en los momentos más íntimos de sus protagonistas, con diálogos creíbles, muy atinados para sus caracteres, lo que permite al espectador ganar aprecio por esto personajes, y seguirlos en la cadena de acontecimientos cada vez más explosivos. El trabajo de los actores es totalmente acertado, porque transmiten convincentemente el crecimiento de todos ellos en medio de la amenaza que los rodea.

La música de Danny Elfman es la mejor partitura de todas las películas de Spiderman a la fecha. Es memorable, distinguible, y está a la altura del gran personaje que es el admirado trepamuros. Es de extrañar que no se siga empleando para los demás filmes realizados, lo que debe obedecer a asuntos de los distintos reinicios que se han hecho del gran héroe.

Tras ver nuevamente este filme, considero que "Spiderman" de Sam Raimi es la mejor película de superhéroes que se ha realizado, por encima de "Superman" de Richard Donner porque esta película tiene dos asuntos memorables: la imagen icónica de Christopher Reeves como Superman, y el hecho de demostrar que los comics de superhéroes podían dar material para una superproducción de Hollywood, y por otro lado, mejor que "Batman the Dark Knight" de Christopher Nolan, porque, si bien esta es una gran obra, es una película donde la estrella es el villano, mientras Christian Bale no califica suficiente como el mejor Batman cinematográfico, siendo opacado por su antagonista. Por su parte "Spiderman" tiene en Tobey Maguire el más fiel retrato del personaje nacido en los comics, y es el absoluto protagonista del film. Esto sin desmerecer a los actores posteriores del héroe, quienes hacen un buen trabajo, pero en otra línea de relato, bajo otra relectura particular en cada caso, sobre todo en la más reciente versión del llamado UCM.

Sólo hay una película que puede competir con la calidad de esta entrega, y esa es "Spiderman 2" del año 2004. Pero esa es otra historia.

Muerte diabólica - Evil Dead (1981)

 Vista nuevamente "Evil Dead" de Sam Raimi, es evidente que esta obra es una magistral lección de cinematografía de principio a fin, en sus escasos ochenta y pocos minutos de duración.

La historia es concebida por su director Sam Raimi como un sencillo cuento de horror, convertido poco después en uno de sus primeros cortometrajes, muchos de los cuales comenzó a rodar antes de cumplir los dieciocho años. El corto en cuestión es titulado "Within the Woods" del año 1978. Inspirado plenamente por los relatos contenidos en "Los Mitos de Cthulu", esa catedral de las pesadillas escrita por el autor Howard Phillip Lovecraft en compañía de otros autores, y que sigue siendo fuente de las más inspiradas concepciones del llamado horror cósmico. Este trabajo fílmico se convierte en el correcto aperitivo de la obra mayor que da inicio a la brillante filmografía de Raimi, nacido en Michigan, EEUU, en el año 1959.

A día de hoy no me queda duda que "Evil Dead" es de aquellas películas que se encuentra a la altura de títulos como "Night of the Living Dead", "Texas Chainsaw Massacre" o "Halloween", en la manera en que cambiaron el género del cine de terror, en la influencia que ha ejercido en posteriores producciones y en la trascendencia alcanzada luego de cuarenta y cinco años, durante los cuales aún se sigue discutiendo y recordando sin ningún signo de agotamiento. Que los estudios de cine hoy en día la hayan convertido en otra de sus lucrativas marcas no evita que se reconozca que esta primera película y su magistral secuela pertenezcan al salón de la fama del horror más espectacular e ingenioso que se haya producido.

Como hemos dicho, "Evil Dead" es toda una lección de cine para quienes se atrevan a iniciar sus pasos en el camino de la realización fílmica. Con apenas 21 años, Sam Raimi controla totalmente la puesta en escena de su relato; hace un trabajo formidable con su elenco de actores, casi todos sin mayor experiencia en el cine, incluido su protagonista y socio del director, el gran actor Bruce Campbell, quien entonces apenas registraba una filmografía plena en cortometrajes. A su vez, tanto las cámaras, la iluminación, el ambiente, el sonido, y todos los demás aspectos son coordinados y puestos al servicio de la visión del realizador para dar vida a su terrible cuento.

Lo que hace Sam Raimi es construir una pesadilla en pantalla: con su elenco de actores, con su equipo técnico, en apenas algunos sets de filmación, la realidad tal cual la conocemos desaparece dejando en su lugar una serie de imágenes sacadas del más terrible festival de horrores. Donde un bosque cobra vida de la manera más artesanal, y aun así en forma muy efectiva; la pequeña cabaña se convierte en un espacio reducido donde seres demoniacos cobran vida en forma espectacular, dentro de sus cuatro paredes gracias a una cámara inquieta y muy invasiva en todos los espacios, por muy reducidos que sean. 

El director inicia su relato presentando a sus personajes en medio de diálogos bastante sencillos, lo suficiente para describirlos de manera puntual. No hay mayor énfasis dramático pues no lo requiere. Porque el punto de inflexión llega con el descubrimiento de una vieja grabadora, al lado de un libro y una daga: el llamado Libro de los Muertos y una reliquia antigua en la forma de una daga ceremonial. La grabación puesta en marcha deja oír la voz de un experto estudioso y su lectura de ciertos pasajes de un texto ominoso hallado en unas ruinas sumerias. Estas extrañas circunstancias desatan la maldad que acecha desde algún lugar oculto en el espacio y el tiempo.

De manera puntual, cada integrante del grupo de intrusos en esta cabaña es víctima de ataques sobrenaturales que se desarrollan sin piedad alguna. Hay una escalada gradual del horror, pero esta da inicio en un nivel bastante alto, a diferencia de las películas de terror más convencionales. Los personajes alcanzan un mayor protagonismo a medida que sufren los mayores infortunios como producto de la maldición desatada, y es ahí cuando los conocemos realmente. Bruce Campbell, en el rol de Ashley, o Ash para sus amigos, es quien pasa del total desconcierto que inmoviliza hasta el protagonismo que asume ante el horror que se presenta, como única manera de salvar la vida. Su actuación pasa de la discreción y pasividad a la violencia desatada más expresiva. Como suele ocurrir en los relatos lovecraftianos, el protagonista conjura la amenaza y alcanza una victoria de sabor amargo, o, en su defecto, falla en su intento y el mundo cae bajo la fatalidad de una maldad inconmensurable. Ese es el grado de la amenaza que se cierne sobre los protagonistas de "Evil Dead".

Como hemos dicho, el relato no tiene piedad, y desata la violencia sobre los cuerpos con mucho horror visceral, gore del más grotesco, maquillajes de pesadilla, y ataques de violencia que incluso no escatiman en algunas connotaciones sexuales, lo cual realmente sorprende por su desenfado. Raimi sabe mostrar el terror en el ambiente adecuado, con un trabajo de iluminación y sonidos muy efectivos. El llamado efecto "jumpscare", hoy en día tan usado y abusado hasta el cansancio, es empleado aquí por el director de manera ejemplar: directo, ingenioso, oportuno y sin tregua.

A estas alturas de la vida, queda claro que no habrá otra película como "Evil Dead" de 1981. Así como no hay otra película como "Evil Dead 2", casualmente porque el propio Raimi propuso una vuelta de tuerca donde el humor negro cobra el principal protagonismo, que ya asomaba en esta su primera obra. Asimismo, el director y escritor conduce la historia hacia ese otro mundo terrorífico apenas propuesto, abriendo la puerta hacia una dimensión donde la creatividad alcanza su mayor nota. Pero esa es otra historia.