Rollerball (1975)

En el año 2018 los viejos sistemas de gobierno han sido erradicados. El mundo ahora conoce un nuevo poder globalizador que se encuentra en manos de las grandes corporaciones multinacionales. Ellas han establecido un estricto control de la población dirigiendo sus vidas y canalizando sus deseos e inquietudes personales hacia las posibilidades que el sistema les ofrece. Además, ponen a disposición del público el mayor espectáculo deportivo nunca antes visto: el Rollerball. Convertido en el deporte emblema del planeta, el torneo del Rollerball por el campeonato mundial despierta la expectativa de toda la población que disfruta de sus vibrantes encuentros cargados de violencia, sangre y destrucción. En vivo o vía satélite, el implacable enfrentamiento de dos equipos de patinadores y motociclistas al interior de gigantescos estadios permite la distracción general del público y el olvido de sus preocupaciones, absorbiendo sus mentes de otras inquietudes que pudiesen surgir, y sobretodo, dejando muy en claro en sus conciencias la gran enseñanza que se desprende de ésta actividad, como es, la vanalidad que presupone el esfuerzo individual, y por el contrario, lo valioso y significativo que resulta ser el trabajo coordinado en equipo.

Sin embargo, este sistema alimenta en su interior un agente desestabilizador. Jonathan E., campeón mundial y máximo anotador de su equipo, el representativo de Houston, y convertido en la estrella del Rollerball, es llamado a reunión por el señor Bartholomew, dirigente del sponsor de su equipo, la Energy Corporation, la más poderosa corporación empresarial del mundo, y una vez alli es notificado acerca de su separación del equipo y retiro obligatorio de la actividad deportiva. El status de estrella que Jonathan ha adquirido lo convierte en un elemento peligroso para los intereses de la clase gobernante, que busca eliminar la individualidad del ser humano. Extrañado ante la sorpresiva decisión acerca de su carrera, el jugador se resistirá a abandonar su equipo y empezará a indagar acerca de la naturaleza del gobierno ejercido por la Corporación Energy. De este modo, empieza su batalla personal contra todo un sistema, la cual pondrá en peligro su vida y la de sus compañeros; de éste modo, la violencia en su máxima expresión se traslada al estadio del Rollerball y siembra muerte y destrucción, pues la consigna es clara : Jonathan E. debe morir.

La "Tocatta and fugue" de Johan Sebastian Bach abre en forma dramática uno de los relatos futuristas más impactantes de la ciencia ficción. "Rollerball", dirigida por el norteamericano Norman Jewison, se ha convertido con el paso del tiempo en una pelicula de culto gracias a su contundente mensaje y por su impecable estilo visual, muy impactante y espectacular. La historia original fue escrita por William Harrison. El autor recuerda cómo nació su relato. La idea surgió en medio de una simple anécdota, según la cual, al asistir como espectador de un partido de basketball universitario fue testigo de un pleito entre los jugadores el cual enardeció tanto a la gente dentro de la cancha de juego como a aquellos que se encontraban en las tribunas. Mientras la rabia y el odio iba surgiendo en los rostros de la gente, Harrison tomaba nota mentalmente de aquellas reacciones, las cuales posteriormente le harían plantearse la pregunta ¿qué grado de violencia alcanzaría la humanidad en sus manifestaciones deportivas en un futuro no muy lejano?, teniendo en cuenta la forma tan sencilla en que el lado irracional del hombre se apoderaba de sus actos, dejando a un lado el espiritu deportivo, supuesto móvil de estas congregaciones. Tras escribir la historia, fue publicada en la revista Esquire bajo el titulo "Rollerball murders" en el año 1973, y no tardó mucho tiempo para que despertara el entusiasmo de los productores cinematográficos, los cuales le propusieron realizar un guión adaptado para la pantalla grande.

El director Norman Jewison es un hábil realizador, cuya filmografía muestra sus preocupaciones por la defensa de los derechos individuales. Suyas son las películas "Fist", "Justicia para todos" o la simpática comedia "Riqueza ajena" con Danny De Vitto, en ellas el tema central de su historia se encuentra en la reacción del hombre común frente a un sistema considerado desde tramposo hasta opresor y corrupto. En "Fist" el grupo de trabajadores a quienes se les vulneraba sus derechos, conforman una masa que llega a defenderse a pura fuerza, por lo cual el director se valió de la figura de Sylvester Stallone en el papel del lider de aquella resistencia. Incluso Jewison va más allá de ello y entrega al rudo actor varios momentos dramáticos para soltar su discurso reivindicador.

Entonces, no es de extrañar que alguien como Jewison realice una crítica frontal al afán hegemónico y apabullante de las grandes entidades corporativas, las cuales, en nuestra sociedad moderna, influyen decisivamente en el modo de vida del hombre. El relato fantástico recrea un mundo en el cual este poder ha sido alcanzado finalmente en forma absoluta, a base del lavado de cerebros y el control mental, utilizando para tal fin el poder de los medios de comunicación, representado en la constante presencia de monitores o pantallas gigantes, como las que se utilizan en el estadio del Rollerball, en los domicilios, sea en reuniones intimas como la de Jonathan y su pareja, o en bulliciosas fiestas, mostrando imágenes que llaman a la celebración despreocupada y frívola. Pero el uso más siniestro se encuentra en aquellas reuniones a modo de teleconferencias, donde los conspiradores del mundo llegan a acuerdos con respecto al manejo del orden establecido. La pesadilla de todo teórico de las conspiraciones toma forma en esta historia de lucha por la libertad, en una exposición contundente.

Lo grande y maravilloso del cine no es sólo su capacidad para entretener o maravillar, sino también la forma en que puede demostrar una capacidad autocritica impresionante, más teniendo en cuenta que estamos ante una producción millonaria de la United Artist, y que entre sus patrocinadores estuvo la BMW, prestando sus instalaciones en Bavaria, Alemania, para la realización de muchas de sus escenas.

Precisamente en su puesta en escena "Rollerball" logra un nivel de aprobacion sorprendente. La dirección de Jewison da por resultado un trabajo impecable, contando con la estupenda fotografia de Douglas Slocombe, que mereció el premio Bafta en dicho rubro. Y es que aquellos momentos en cada uno de los encuentros entre los distintos equipos son impresionantes, al resultar convincentes en cada uno de sus detalles, mostrando un extraño deporte, imaginario, pero tan real al mismo tiempo en su crudeza y violencia, ello frente a un público entusiasta y enfervorizado como puede apreciarse, con carteles, banderas, y con las barras que claman por sus equipos. Y lo mejor de todo está en lo que sucede en aquellas pistas de juego. Dispuestas en forma circular por donde los jugadores, tanto los siete patinadores con los tres motociclistas que componen cada equipo, se desplazan a toda velocidad tras una bola metálica, que tiene apenas el tamaño de una mano, lanzada a través de un canal lateral automatica y velozmente por el observador que controla la torre ubicada al centro del circuito. Para ello se utilizó el estadio Olympic de Munich, el cual sirvió para representar a más de un campo de juego, pues según el relato el campeonato se desarrolla en Madrid, como en Roma y Pittsburgh.

Los jugadores de ambos bandos, equipados con un uniforme especial, e implementos como rodilleras, coderas, guantes y un casco que recuerdan al fooball norteamericano, se lanzan velozmente tras su objetivo, apoyándose mutuamente en contra de sus adversarios, a quienes no dudan en frenar a punta de golpes, patadas y empujones, pues se trata de un deporte de contacto total, llegando incluso a ponerse en peligro la vida de los participantes debido a los feroces ataques de sus oponentes. La violencia que supuestamente el nuevo orden ha extirpado de las calles y ciudades para el bienestar de los ciudadanos, ha sido implantada en éstos campos de juego para deleite del morbo más enfermizo del público espectador. El entretenimiento para la población les asegura una estabilidad en su control de la población y su perpetuidad en el poder. Los jugadores, como Jonathan, se convierten en piezas utilizadas para tales fines. A ellos se les asegura una vida a todo lujo, e incluso compañia femenina escogida previamente por el sistema para su satisfacción y tranquilidad al sentrise elementos importantes dentro de ésta extraña sociedad.

Mas allá del campo de juego los edificios de la gran ciudad presentan un estilo futurista, tanto en sus exteriores como en sus diseños interiores. El director Jewison tomó como fuente de inspiración la visión mostrada en la cinta de Stanley Kubrick "La naranja mecánica", con una arquitectura donde destacan el vidrio y el concreto. La dirección artistica recibió mas de una mención honrosa, a cargo del especialista John Box, en un notable trabajo.

Teniendo una buena historia, y contando con todo un aspecto técnico y equipo de primer nivel, el director Jewison completó esta gran obra con la participación de un reparto inolvidable de actores. El peso de la cinta sin duda recae en el personaje de Jonathan realizado en una brillante caracterización a cargo del gran James Caan. El actor fue elegido por el director luego de ser visto en la cinta "Brian´s song", donde interpretaba al jugador de los Chicago Bears Brian Piccolo, en lo que constituye un drama ambientado en el mundo del deporte. Caan da vida a su personaje, la estrella del Rollerball, que repentinamente es convertido en la amenaza para todo un sistema. Su destreza, su posterior desconcierto, su inquietud ante lo que va descubriendo y finalmente su decisión y coraje para enfrentar los violentos partidos por el campeonato mundial son registrados en una brillante actuación que convierte este papel en uno de sus mejores trabajos de su extensa carrera, aun en vigencia. James Caan es uno de mejores actores del cine norteamericano que brilló también en películas como "El padrino" de Francis Ford Copolla, hasta sus recientes apariciones tanto en el cine como en la televisión.

Otra de las actuaciones destacables es la que realiza el actor John Houseman, visto con frecuencia en aquellos años en varias peliculas y tambien en la T.V. como el recordado profesor Kingsley de la serie "Paper Chase", conocida en nuestro medio como "Alma mater". Su fria actitud y distinguida presencia son perfectas para el papel del siniestro señor Bartholomew, amo y señor de aquel gobierno totalitario. En otros roles vemos tambien al actor John Beck como Moonpie, el compañero de juego de Jonathan, y a la bella actriz Maud Adams, uno de los bellos rostros del cine de la decada del 70.

"Rollerball" logra ser una producción muy estimable, tanto por su argumento como por su impecable realización, cuidadosa en cada detalle, logrando transmitir su mensaje de lucha por la libertad individual y su rechazo a la violencia, señalado esto como la intención del director, a pesar de lo atractivo que resultan sus secuencias de acción y la tensión transmitida en aquellos memorables partidos. Y es que el ser humano difícilmente abandona su lado violento, el cual lo acompaña desde que surgió de la tierra. Ojalá el futuro descrito en esta película quede en la ficción y no se convierta en una terrible realidad, a pesar de lo cerca que nos encontremos de ella.

Breve Off-topic: blog del dia y otros menesteres ¡¡¡¡

Pues que me ha llegado éste premio sorpresivamente, y por ello debo agradecer al blog amigo "¡Que grandes son las pelis cutres¡¡¡", por la mención a éste pequeño espacio : http://peliscutres.wordpress.com/2008/03/14/off-blog-premios-blog-solidario-blog-del-dia-y-%c2%a1el-nunca-lo-haria/#comment-736

Y bueno, dado que no soy muy entendido en ésto de los mecanismos de los blogs, y si es que he comprendido bien las reglas, la premiacion ha sido la de "Blog del dia", "Blog solidario" y "El nunca lo haría". Esta es una buena forma de afianzar los lazos entre la comunidad de blogeros que a estas alturas somos muchos, y de este modo lograr una mejor interaccion entre nosotros. Definitivamente es una estupenda idea de la cual espero participar mas aun en el futuro, y no solo por el premio sino por apoyar y contribuir lo mas posible a mantener nuestra actividad en estos espacios, que hacemos con mucha dedicación, al menos en lo posible, por mi parte ya quisiera actualizar mas seguido, pero asi es la vida pues, no importa, seguiremos. Asi qe me toca mencionar los siguientes premiados a continuación bajo mi consideración :

Blogs del dia, Blog solidario :

Psychotronic Cult Video :
- http://psychotronickultvideo.blogspot.com/
Otros clásicos :
- http://otrosclasicos.blogspot.com/
El extraño vicio del dr. Hitchcok :
- http://stranovizio.blogspot.com/
CinemaScope :
- http://fantomas-cinemascope.blogspot.com/
Matamoscas y sapos :
- http://matamoscasysapos.blogspot.com/
Plano Cenital :
- http://planocenital.blogspot.com/
Lucas Robledo Cine :
- http://lucasrobledocine.blogspot.com/
The Devils Rides Out :
- http://thedevilridesout.blogspot.com/

El criterio como se señala es la mayor participación en los blogs, por mi quisiera incluir a todos los que alguna vez hayan caido por aqui, pero reglas son reglas. Lo importante es seguir descubriendo mas informacion gracias a la constante actividad que nos ocupa. Asi que, saludos a todos, y nos seguimos leyendo...

Un muchacho y su perro (1975)

Titulo original: A Boy and his Dog (USA)

Otro título: 2,024 Apocalipsis nuclear (España)

Vic es un vagabundo que recorre un paisaje devastado y lleno de peligros, en el cual se ha convertido todo el planeta tras un holocausto nuclear ocurrido en el año 2024. Acompaña al inquieto aventurero un astuto y simpático perro de nombre Blood, el cual posee un poder telepático a través del cual ambos pueden comunicarse y mantener divertidos diálogos. Ellos realizan un recorrido en busca de alimentos y provisiones, pero al mismo tiempo, Vic está siempre a la expectativa de poder encontrar a una mujer con la cual satisfacer su ímpetu sexual, lo cual resulta difícil y arriesgado, pues en estos días los viajeros y delincuentes que recorren los distintos lugares inhóspitos secuestran y ultrajan a las mujeres que encuentran a su paso. Al llegar hasta una extraña construcción en medio del desierto, Vic y Blood se sumergen en el interior de la tierra, hasta una villa subterránea llamada Topeka, un lugar donde sus habitantes mantienen las costumbres y modo de vida de los viejos pobladores de la América rural. Ellos, detrás de su aspecto pintoresco, ocultan siniestros planes con respecto a Vic. Sin embargo, la bella joven Quilla June y un grupo de rebeldes, quienes operan clandestinamente en aquel lugar, conspiran contra sus dirigentes. Mientras tanto, el perro Blood, el cual ha desaparecido misteriosamente.

Basado en un relato del escritor de ciencia ficción Harlan Ellison, el director y también actor L.Q.Jones realizó esta película que resulta ser una buena muestra de la serie B de aventuras, de la que cabe advertir que es una película sin mucho brillo, sin mucha espectacularidad, pero que recrea en forma sencilla una singular historia. En medio de un paisaje postapocalíptico logrado a base de escenarios de aspecto decadente que será recreado años después en más de una ocasión por muchas otras películas, podemos apreciar el recorrido de un par de personajes, que mantienen una simpática relación. Vic y Blood son dos habitantes de la Tierra luego de un holocausto nuclear que arrasó con el planeta. Este nuevo mundo ha permitido que se desarrollen extrañas mutaciones en algunos seres vivos por causa de continuos experimentos, por ello el perro Blood tiene un gran poder mental que les permite a ambos seres errantes eludir más de un peligro. Su apariencia de amo y mascota resulta engañosa. En realidad, Vic resulta ser un sujeto impulsivo y hasta en cierto modo ingenuo, mientras que Blood se convierte en el cerebro de ambos, pues es quien suele tomar las mejores decisiones, advertir del peligro que pueda acechar en aquellos territorios, y también es capaz de aconsejar la mejor forma de enfrentar al enemigo, es decir, es el manual de supervivencia de Vic, y sin él, ya hubiese desaparecido en aquellos caminos poblado de ladrones y asesinos.

Sin embargo, el descubrimiento de un extraño lugar como es Topeka, y la presencia de la bella Quilla June, hija de uno de los miembros del comité dirigente de aquel lugar, pone en peligro esta relación. Vic se siente atraído por ella, desoyendo los consejos del fiel perro acerca del peligro que parece encerrar esta comunidad. Y es que, en ella, sus habitantes buscan donantes de semen, con lo cual esperan reproducirse en aquel lugar escondido. Dicha donación no es realizada en buenos términos, y, por el contrario, implica una violenta extracción que costaría la vida. Es decir, si en el exterior tenemos una constante búsqueda de mujeres por parte de los hombres a modo de secuestros y violaciones, aquí ocurre lo mismo con los desafortunados varones que se pongan a su alcance.

Si bien los hechos pueden darnos la idea de un mundo bastante violento, por el contrario, la narración de la película mantiene un tono más ligado al humor negro. De hecho, la presencia de un perro parlante ya es muy significativa. La violencia y la acción en el mundo exterior se reducen a lo necesario, pues en su mayor parte lo que predomina son las extrañas situaciones en las que se involucran los protagonistas. Luego, la mayor parte del metraje lo ocupa la excursión por Topeka; aquí empieza el delirio. La puesta en escena nos muestra una comunidad muy estrambótica, sumida en una noche perpetua, como sumergida en un mal sueño, donde habitan personajes estrafalarios, desde los veteranos miembros del comité maquillados como mimos, un cyborg que lleva ropas de granjero, y un conjunto de enajenados que se regocijan con extrañas celebraciones, juegos y realizan grotescos experimentos. Es una sociedad demencial que recuerda lejanamente a los "2000 maniacos" de Hershell Gordon Lewis, pero sin el impactante gore visual de aquella vieja película.

En el rol protagónico tenemos al actor Don Johnson, el recordado detective Tucker de la serie "Miami vice", pero aquí con muchos años menos. Johnson hace un trabajo correcto, no muy exigido pero cumple con lo suyo. Según el director L.Q. Jones, gracias a esta película Johnson obtuvo su buena trayectoria posterior.

Dentro del grupo de habitantes de Topeka, hay que señalar la presencia del actor Jason Robards, veterano y respetado actor, de larga trayectoria, ya fallecido en el año 2,000. Robards fue convencido por las ideas del director Jones, llegando a cobrar muy poco a pesar de su reconocimiento. Antes del rodaje, el actor sufrió un accidente que le marcó el rostro, lo cual fue disimulado gracias al maquillaje que utilizó en sus escenas.

Por otro lado, tenemos al perro Blood. El verdadero nombre de este animal era Tiger, el cual fue escogido porque desde un primer momento, la impresión que causó fue la de ser un perro con mucha personalidad. Según cuenta el director, el perro era muy listo, muy disciplinado, y a la hora de filmar seguía paso a paso todas las indicaciones del guion. Muchas veces los perros actores suelen seguir las pautas que le marcan sus entrenadores ubicados detrás de las cámaras, pero en este caso, Blood, o Tiger, ignoraba su presencia y llevaba a cabo su trabajo dando la impresión de saber su guion de memoria. La voz del perro que se escucha es la del actor Tim McIntire, de voz gruesa, muy acorde al personaje.

El director Jones señaló en una entrevista que su relación con el autor Harlan Ellison prácticamente no existió. El escritor no quiso involucrarse en la realización. Tan solo fue a una proyección antes de su estreno, y al finalizar fue donde Jones y le estrechó su mano diciéndole: "esta es la película del relato que escribí", y se retiró.

Como bien señala el director, esta historia contiene elementos del western, del cine de horror, y también una historia de amor, pero de amor paternal, entre el hombre y el perro, considerando que el animal se preocupa y cuida del incauto humano, por muchos insultos que le suelte, y éste a su vez, ve en el perro lo más parecido a una figura paterna, un guía en aquel mundo hostil. Esto explica el final de la historia, quizás es muy difícil que en los tiempos actuales se pueda hacer una película con un final similar a éste, que en su tiempo fue acusado de misógino, por su maltrato a la figura femenina. Esto fue rechazado por el director pues no era esa la intención pues, por el contrario, fue una muestra de aprecio contundente entre sus personajes. Finalmente debo decir que, quizá se puede encontrar en esta película un ritmo algo lento en su narración, pero, una vez metidos en el juego propuesto resulta digna de verse.

La carrera de la muerte del año 2000 - Death Race 2000 (1975)

El espectáculo más visto en el año 2000 es la llamada Carrera Trans Continental, una veloz competencia automovilística que tiene inicio en la ciudad de Nueva York y finaliza en Nueva Los Angeles. El Presidente de las Provincias Unidas de América, nuevo nombre de los USA, convertido ahora en un gran estado fascista, asiste a la ceremonia de inicio, donde llama la atención del público para que se deleiten con la exhibición de velocidad y pericia de los bravos conductores. Entre ellos, el más destacado y convertido en héroe nacional es el llamado Dr. Frankenstein, un cyborg que es operado tras cada carrera debido a sus lesiones, pero que se ha convertido en el campeón imbatible.

Es la forma en que mayormente el gran público se mantiene entretenido, atendiendo los pormenores de la violenta competencia. Pues si, es muy violenta, pues una forma de acumular mayor puntaje decisivo para los corredores es atravesar los caminos atropellando a todo transeunte que encuentren a su paso de acuerdo a distintas valoraciones: 50 puntos si atropellan niños, 70 si es a ancianos, 100 si es a inválidos en sillas de ruedas, etc. La exhibición de sadismo y crueldad hace el deleite del público espectador, tanto en vivo como desde sus casas, via sus televisores. Sin embargo, en medio de esa locura, un grupo de rebeldes está a punto de dar un golpe que busca poner fin a la dictadura del Presidente y a su vil régimen. Y en ella, Dr. Frankenstein y Annie, su bella copiloto, se verán envueltos y convertidos en un elemento clave para el fín de la barbarie.

Bueno, ya había comentado anteriormente ésta pelicula, pero he conseguido algunos datos que pueden ser de interés.

Debo recordar que se trata de una de tantas producciones de Roger Corman, infatigable propulsor del cine de serie B más recordable, y a quien el cine norteamericano le debe muchísimo. No sólo ha sido el productor de peliculas inolvidables y director de muchas de ellas, sino que sus producciones fueron semillero de verdaderas estrellas del cine actual, como Robert De Niro ("Máma sangrienta"), o Jack Nicholson ("El terror"), y tambien directores de primer orden como Peter Bogdanovich o Francis Ford Copolla. Y no vale decir que asi son los inicios, haciendo cine barato. No señor. Aquellos primeros trabajos distan mucho de ser poca cosa y por el contrario, son indispensables a la hora de revisar sus filmografías. Corman tiene producidas muchas peliculas para el mero entretenimiento, pero al mismo tiempo obtuvo buenas y grandes obras que tomará su tiempo reseñar. Bueno, volviendo al tema, aqui nos encontramos con una producción dirigida por el realizador Paul Bartel, la cual con el paso de los años se ha convertido en una pelicula de culto para mucho público.

La historia original es obra de Ib Melchor, escritor que participó en los guiones de algunos clásicos de la ciencia ficción como "Robinson Crusoe en Marte" o "El Planeta de los vampiros", y dirigió algunas cintas como "La furia del planeta rojo", cuyo guión el mismo realizó. Respecto a "La carrera de la muerte del año 2000", el relato de Melchor quedó muy corto para el señor Corman, quien se decidió a reescribir la historia, manteniendo sólo la premisa inicial de una gran carrera futurista, pero cambió a sus personajes y añadió un caracter principal como es el Dr. Frankestein. Escribió una nueva intriga que incluye a un presidente de los USA del futuro, quien ha impuesto un régimen totalitario. Las nuevas situaciones tenían un tono bastante oscuro, según el propio Corman.

Decidido a reducir ese aspecto siniestro, contrata al guionista Robert Thom, quien le dio un toque más humoristico. El productor quería basicamente una pelicula de acción con ligeros momentos de humor, pero el encargado de realizarla, el señor Bartel, tenía en mente una comedia negra donde por añadidura se dieran secuencias de acción automovilistica. Sin demasiada acción, Corman renegó de ese resultado, asi que quitó los muchos gags de la pelicula y los remplazó con secuencias de violencia más intensa que se filmaron para tal fin. A pesar de ello, la pelicula mantiene esa dosis de humor excéntrico que la caracteriza y por la cual se le recuerda, a pesar de sus crueles momentos de muerte en la autopista. A Bartel, lo hecho por Corman no le causó mucha gracia, además de haber obtenido solamente USD 5,000 por la pelicula, en un trabajo que se prolongó demasiado. Por ello, inmediatamente se embarcó en la realización de un clásico de aquellos años, el filme "Cannonball".

En cuanto a su realización, revisando los créditos de la pelicula, notamos en el equipo técnico dos nombres muy reconocidos :

- Chuck Russell, como segundo asistente del director. Russell sería un director que obtuvo buenos resultados con el remake de "The blob" en los 80´s. En los 90´s se haría de cierta fama por su trabajo con Jim Carey en "La máscara".

- Lewis Teague, director de segunda unidad. Luego sería un buen director de cintas de acción, y en el terror destacó en los 80´s con titulos como "Cujo" y "Terror bajo el asfalto".

Recordemos ahora a sus protagonistas:

David Carradine llegó a éste proyecto luego de la negativa del actor Peter Fonda, que consideró esta producción una ridiculez. A Carradine no le importó en absoluto la pinta de tal historia, y hasta se sintió muy satisfecho de haber participado en ella. Sin duda, éste actor ha ocupado un lugar muy especial en el cine de bajo presupuesto hasta convertirse en una figura entrañable dentro del mundo del cine en general. Valgan verdades, lo merece.

Silvester Stallone merece tambien otro apartado. Este actor se sabe que nació pobre en el Hell´s Kitchen de Nueva York, y que creció luego en Filadelfia, habiendo sido expulsado de 14 colegios en tan sólo 11 años. Esa mala aptitud para su desarrollo educativo era superada con creces por su buena disposición para el deporte, llegando en una ocasión a formar parte del equipo de atletismo de su escuela. Con los años, el joven Sly tomó clases de actuación, pues había descubierto que realmente lo que quería era ser actor de cine. Con empeño, a pesar de su escaso talento dramático, logró pequeños roles en peliculas de bajo presupuesto, como "The lord of flatbush", "Farewell my lovely", "Capone", hasta que llega donde Roger Corman y éste lo incluye en "La carrera de la muerte del año 2000". A pesar de su trabajo, el actor necesitaba ganar más dinero; ya tenia una esposa embarazada, asi que, muy decidido, escribe su propio guión y logra su resonante éxito. Ello lo dejamos para otra ocasión. Aprovecharé este espacio sólo para agregar lo siguiente : ¡¡RAMBO 4 ES UN PELICULON¡¡¡¡ .Sigamos con el tema.

Del resto de actores, la bella Mary Woronov, quien tiene el papel de la piloto Calamity Jane, fue en su juventud discipula del artista Andy Warhol, y muy vinculada a su entorno. No sabía conducir, asi que en sus escenas era reemplazada por su doble y en sus primeros planos se usaba fondo falso. Tambien notamos la presencia de Martin Kove, otro actor afincado en la serie B, que tuvo su mayor popularidad como el instructor villano de la saga de "Karate Kid". Como Annie Smith, la rebelde y seductora copiloto, tenemos a la bella actriz Simone Griffeth, de amplia carrera televisiva.

Finalizando, puedo decir que "La carrera de la muerte del año 2000" es una aventura con buenos toques de humor negro, que incluye situaciones irreverentes, con violencia gráfica que no se puede tomar en serio, y que cuenta con personajes que parecen sacados de un comic bizarro, tanto sus héroes como sus villanos, y para mayor deleite, chicas buenas y malas, con algunos infaltables destapes totales, siempre de agradecer por el público masculino. Sus actores hacen lo suyo y cumplen con sus desenfadados roles, desde Stallone, con ese personaje hecho a su medida en éste caso, y con un David Carradine que se ve aqui como pez en el agua, y de los demás actores, ni que decir en contrario. Un entretenimiento ágil, con veloces carreras en estrambóticos vehículos, que sin duda influenciarían posteriormente en la saga "Mad Max" de George Miller. Además, su argumento a pesar de su ya superado detalle respecto del año 2000, no deja de ser endiabladamente ilustrativo acerca del poder de los medios de comunicación y la forma en que pueden aferrarse a las faldas del poder político de turno, y crear un control de las masas que demuestra cómo el hombre se puede aborregar en medio de una dictadura. Una buena muestra de aquellos clásicos de la ciencia ficción de Serie B que tanto fanatismo han generado al dia de hoy, y que constituyen propuestas delirantes y llenas de imaginación, como se pide, pues.

Zardoz (1974)

En el año 2293, La Tierra es un planeta devastado. Todo el territorio ha quedado bajo el control de un grupo de seres humanos conocidos como los Exterminadores, quienes imponen por la fuerza el dominio y la supremacía de un sólo ídolo: el gran Zardoz, una cabeza de piedra flotante que suele aparecer en medio del cielo, y luego desciende en el terreno en el cual sus devotos se congregan y se humillan ante su insólita presencia. Con voz atronadora e imponente, la cabeza de piedra se deja escuchar en un monólogo en el cual llama a la obediencia a los hombres, y luego, deja caer gran cantidad de armas a ser usadas por los exterminadores en su lucha contra los infieles y bárbaros, dejando claro que el único camino a seguir es el de la violencia. Uno de éstos soldados es Zed, quien luego de una misteriosa revelación, se introduce sagazmente en el interior de la gran cabeza de Zardoz. Una vez allí, Zed es conducido a un apartado lugar llamado el Vortex, y empieza a descubrir una serie de secretos que son los que rigen el estado del mundo. Para poner fin al sometimiento existente, el guerrero inicia una astuta lucha contra los Eternos, un grupo de personas muy especiales, quienes descubrirán que se enfrentan a un ser predestinado a cambiar el curso de sus vidas.

"Zardoz" es un curioso film dirigido por John Boorman, un director cuyo estilo visual resulta muy particular y le ha valido ganarse tantos admiradores como detractores. Su filmografía incluye interesantes títulos como "Point Black", "Deliverance", "Excalibur", "La selva esmeralda" y otros tantos. Para esta película, Boorman escribe una historia que, según el mismo señala, fue pensada más como una novela que como un guion cinematográfico. Una vez que obtuvo el apoyo para su realización inició su rodaje en Irlanda, donde el director inglés se ha establecido hasta la fecha.

A grandes rasgos, se puede decir que esta película nos muestra la lucha de un grupo de oprimidos en contra de sus opresores, quienes hacen uso de un conocimiento científico el cual les permite convertirse en seres de vida eterna con poderes especiales, y que alrededor de ello construyen un culto religioso por el cual someten a la población, a la cual consideran completamente inferior y salvaje, a base del engaño y el aprovechamiento, ocultos tras la gigantesca imagen de un ídolo de piedra. Ello les ha permitido vivir cómodamente en aquella zona apartada del resto del mundo, protegida por un campo de fuerza invisible, organizados en base a una junta de sabios que incluya más mujeres que hombres, entregados a sus estudios y meditaciones, y al desarrollo de poderes mentales extraordinarios. Esto sin importarles que el resto del mundo vuelva a las condiciones de vida propias de la Edad Antigua. Este resulta ser un relato muy interesante, que nos recuerda las historias acerca de la explotación realizada a muchos pueblos por parte de grupos opresores a lo largo de la existencia humana, y que no sorprendería que en un futuro postapocalíptico vuelvan a repetirse, o se mantengan, según lo apreciemos.

A pesar de este ambiente de ensoñación, la inquietud del espíritu humano parece no ser capaz de vivir en un estado de gracia, al menos no en este mundo material. Zed se convierte en el elemento perturbador de aquella situación. El bárbaro que despierta el instinto sexual en aquellas mujeres, lo cual buscan disfrazar como objeto de un experimento. Buena parte del recorrido de Zed en aquel lugar es una recreación alucinógena por parte del director Boorman , tanto en los distintos rincones habitados por ésos singulares personajes, desde una cámara de experimentación a cargo de un par de científicas, hasta el ambiente hacia el cual son llevados los ancianos, convertidos prácticamente en muertos vivientes; y también, en su delirante indagación hecha en la mente de su protagonista, donde apreciamos sus sueños y sus deseos más carnales.

Sin embargo, apreciar esta película cuesta algo de trabajo. Boorman desarrolla su argumento con una abundancia de diálogos. Pone especial énfasis en describir el interior del Vortex, su naturaleza y los conflictos internos de sus habitantes tras la repentina aparición de Zed. En ese sentido, la cinta tiene un interesante inicio, pero pierde ritmo, al menos hasta que nos muestra la revelación del sujeto llamado Arthur Frayn, quien aparece al inicio de la película haciendo la presentación de la historia, dejando clara su condición de elemento clave en los hechos posteriores. También se extraña un mayor despliegue de acción el cual parecía prometer apenas iniciada la película, con la incursión violenta de los Exterminadores en medio de aquellas praderas irlandesas, así que no engañe la imagen de Zed con revólver en mano, que de esto hay poco.

Por el contrario, hay que destacar aquella simpática ambientación del Vortex, similar a un paraíso escondido, que nos remite a una imagen del Jardín del Edén, en tiempos de la psicodelia setentera, hecho por el director para confrontarlo con nuestra idea acerca de lo divino. Del mismo modo, hay otros momentos en los cuales la película resulta ser un atractivo tour visual, con sus escenas alucinadas o imágenes de ensoñación, así como el uso de los flashbacks que dan detalles acerca del secreto a descubrir por Zed y que se encuentra oculto en su memoria, que, entre otras cosas, nos presenta una sombría biblioteca en la cual reside la raíz del asunto, un recuerdo del pasado de la humanidad que resulta sorprendente.

Por otro lado, es muy destacable el trabajo actoral, ya que es probable que sin ellos no sería posible engancharse completamente a la película, a decir verdad.

La actuación de Sean Connery es correcta, más allá de su extraña apariencia, con su larga cabellera atada y sus ligeras ropas que se supone son de un guerrero. Connery participa en ésta singular producción, un proyecto personal del director Boorman, luego de dejar el papel del agente 007, y tras su trabajo en la película "La Ofensa" del director Sydney Lumet. El actor escocés no niega ser un fanático del género fantástico, habiendo participado en películas como "Los Inmortales" y su secuela, o hasta su reciente trabajo en "La Liga de los Hombres Extraordinarios", pero siempre cuidando mantener su identidad de aventurero británico.

Acompaña a Connery la bella actriz Charlotte Rampling, quien encarna a Consuella, lideresa del Vortex. Su actuación está dentro de lo mejor y más apreciable. Su personaje es una mujer que inicialmente expresa frialdad y desprecio hacia el intruso, hasta que vemos la forma en que va cediendo irremediablemente a la atracción que siente por él, a pesar de anteponer hasta el último momento, antes del desenlace de los acontecimientos, su deseo de salvar a toda costa su pequeño refugio y dominio.

La historia de "Zardoz" nos muestra un hecho muy interesante. El elixir de la juventud, tan deseado y perseguido en viejas leyendas, ha sido desarrollado por los Eternos, lo cual les otorga una perpetua vitalidad. Sin embargo, es un triunfo vano, pues el deseo oculto de sus integrantes desencadena la corrupción del sistema establecido. La interrogante que encuentra Zed en estas condiciones tras su encuentro con Friend, uno de los insatisfechos Eternos (rol para el actor John Alderton), es sin duda ¿Qué tanto puede resistir el hombre la eternidad?, y, por el contrario, ¿Cuánto puede añorar su condición humana, experimentar el amor, el placer, el dolor y finalmente, desear con locura el abrazo de la muerte y rechazar de esta forma su condición divina? Su vida carente de emociones hace que estos personajes acepten a Zed como aquel que puede cambiar el estado del mundo, darles la libertad a los suyos, y hasta ser capaz de enseñarle a la líder de esa especie de matriarcado, el camino hacia la felicidad humana, asunto mostrado en la cinta en forma convincente en sus imágenes finales. Sus protagonistas, los actores Sean Connery y Charlotte Rampling conforman en esta película una buena pareja, sin duda.

Cuando el destino nos alcance (1973)

Titulo original : "Soylent green"

El año es 2022. La ciudad es Nueva York. El ambiente reinante es el caos.

Existe en el mundo una crisis generalizada debido a una alarmante escasez de recursos naturales, provocada por el efecto invernadero que afecta el clima del planeta. La falta de alimentos y servicios básicos en las grandes ciudades está provocando una conmoción en toda la población civil, al sufrir los efectos que se desatan tras esta situación, como son el hambre, las enfermedades que se extienden ante la falta de medicinas, la carencia de recursos, el vandalismo y la delincuencia. Aquellos que tienen una simple habitación bajo un modesto techo pueden considerarse afortunados. La mayor cantidad de personas vive en las calles, sin cobijo decente alguno, convertidos en desposeídos o vagabundos, que duermen en todo pequeño rincón que encuentren a su alcance en medio de la noche. El número de habitantes, que se calcula en 35 millones, ha desbordado tanto la ciudad como sus posibilidades. A raíz de esto han surgido siniestros intereses cuyo fin es prácticamente el de asegurar su sobrevivencia y un modo de vida que recuerda tiempos mejores.

De éste modo, un misterioso asesinato es llevado a cabo al interior de un exclusivo edificio. El detective Richard Thorne es asignado al caso, y descubre que al parecer la victima preparó el terreno para su propia ejecución. Inmerso en la investigación, Thorne empieza a recibir constantes presiones de sus superiores con respecto a su trabajo: altos grupos de poder que controlan la gran ciudad están interesados en lo que pueda ser descubierto. Mientras tanto, los medios de comunicación anuncian el lanzamiento de un nuevo producto que está por convertirse en el alimento básico de la población. Ante esto, y tras la revelación de ciertos hechos inquietantes, el detective Thorne se preguntará: ¿cuál es el secreto de Soylent Green?.

Este es el planteamiento central que nos narra esta gran película, dirigida por el eficiente realizador Richard Fleisher. El guion fue escrito por Stanley R. Greenberg, y se basa en la novela corta "Hagan sitio, hagan sitio", una de las obras más reconocidas del escritor de ciencia ficción, el norteamericano Harry Harrison. Con respecto a ella, puedo decir que resulta ser un libro muy bien escrito, con un estilo que atrapa al lector, sin duda, y que puede leerse como se dice, de un tirón, siendo además una novela de poca extensión, que logra plantear en sus páginas la interrogante acerca del futuro del hombre ante su pobre reacción frente a la devastación hecha del medio ambiente y de sus recursos naturales, ello a partir de una discreta historia detectivesca. En estos tiempos de mucha actividad por la toma de conciencia respecto al problema de la ecología, esta historia cobra mucha actualidad, habiendo sido escrita hace más de cuarenta años atrás, pues su primera publicación fue hecha en el año de 1966. La idea referida a una crisis desatada en el futuro de la Tierra es asumida en esta película y mostrada en forma brillante y efectiva por la puesta en escena del realizador, sin un mayor despliegue espectacular de recursos.

Sin embargo, con respecto a la historia original, el guion realiza profundos cambios en cuanto a los hechos narrados, pues el crimen, que en la novela resulta un hecho fortuito realizado por un desadaptado, y que sirve para describir el estado del mundo en el año 1999 (?) ante el final del siglo XX, los conflictos que deben afrontar sus habitantes y la situación extrema de lucha por la sobrevivencia, en la película éste hecho adquiere un tono más siniestro, ya que el asesinato es realizado para ocultar una gran conspiración llevada a cabo por quienes detentan el poder. Esos planes ocultos resultan ser más terribles de lo que uno pueda imaginar. En este aspecto pienso que la película acierta, pues la novela es ilustrativamente correcta y hasta muy crítica textualmente, pero la versión fílmica muestra un elemento de mayor impacto, y el camino tomado es muy adecuado para este medio de expresión. Después de todo, una vez visto el final, no deja de resultar tan severo su pesimismo sobre el futuro como lo es su fuente original.

En cuanto a su exposición acerca de un mundo consumido y desabastecido, y la forma en que ello vulnera la civilización hasta devolverla a la barbarie, estas consideraciones están presentes a lo largo de todo el metraje, en forma concreta y muy clara. Ello a través de una ambientación opresiva y tenebrosa en las calles, durante las escenas nocturnas, donde la luz artificial casi no existe, y que oculta un conglomerado de vagabundos y gente humilde hasta lo peor, que duerme en las escaleras de los viejos edificios, o en el interior de las iglesias, tanto hombres, mujeres, niños y ancianos. En estos momentos, el director aprovecha la intensa luz del sol para recrear una mayor situación de agobio y opresión, donde el calor insoportable afecta aún más a la gente, mal vestida, sin aseo, y recorriendo lugares donde el comercio informal y las aglomeraciones ocupan cada calle. La desesperación se apodera de ellos y realizan actos de violencia como se puede apreciar en esa estupenda secuencia de acción y suspenso, donde la turba de indigentes se lanza sobre las fuerzas del orden, hasta que una pala mecánica arremete contra ellos, convirtiéndolos en simples objetos a tirar y desechar. 

De otro lado, tenemos unos escenarios interiores de lujo, propio de quienes pueden gozar de un considerable buen status. En ellos, la decoración no oculta el toque pop de la década del setenta en la que se realizó esta película, pero muestra también cierto modernismo, muy discreto, que podemos aceptar como propio del futuro, hagamos el esfuerzo que no es mucho. Entre ellos, tenemos un curioso momento en el cual una bella joven juega en la pantalla de un sofisticado computador, que en realidad no deja de ser un precursor del Atari, pero que para la ocasión sirve. En estos ambientes se puede observar a bellas jóvenes, quienes son consideradas "mujeres-accesorios", o parte de los modernos apartamentos, pues su alquiler las incluye. Ello resulta ser una de las situaciones que surgen ante la falta de oportunidades, un reflejo de la deshumanización que se lleva a cabo en esta sociedad en crisis, asunto controvertido sin duda, pero audaz en una realización de este tipo.

Por otro lado, con respecto al buen reparto de actores, esta película es una interesante oportunidad de ver juntos a dos artistas de gran reconocimiento, y que ya habían trabajado juntos nada menos que en el clásico de Cecil B.De Mille, "Los Diez Mandamientos".

En el rol protagónico tenemos al gran Charlton Heston, convertido ya en una estrella tras los resonantes éxitos de su carrera que está de más enumerar. Heston, admirador de la novela de Harry Harrison, fue uno de los impulsores de la producción de esta película, lo cual le tomó varios años hasta conseguir su realización. Su trabajo actoral aquí es notable. Convertido en el detective Thorne, un rudo investigador de malas maneras, el cual llega a descubrir una terrible verdad, con fríos métodos de investigación y con tendencia a la violencia, en realidad ello oculta a un personaje que siente un gran aprecio por su anciano compañero de cuarto, y que también muestra desconcierto al reconocer y aceptar el amor de una bella mujer. Por último, el detective Thorne se siente horrorizado ante lo que descubre, en un final de suspenso y acción que incluye una intensa persecución nocturna, y que finaliza con la frase más recordada por los admiradores de esta cinta, y que no voy a revelar pensando en aquellos que no la hayan visto aún. Charlton Heston es el héroe favorito de aquellos años, y no hay razón para dudarlo.

Asimismo, tenemos al señor Edward G. Robinson, uno de los mejores actores que ha tenido el cine norteamericano. Su participación en esta película resulta ser su último trabajo ante las cámaras. El señor Robinson sufría de cáncer, ya diagnosticado antes del rodaje, por lo que todos sabían que ésta era su despedida. A pesar de lo difícil que resultó el rodaje con el actor debido a su débil condición, el director Fleisher le dio el protagonismo de uno de los momentos más intensos y memorables de toda la cinta. Es una impresionante experiencia visual y sonora a la cual su personaje, el viejo Sol Roth, compañero de cuarto del detective Thorne, se somete voluntariamente antes de morir. Para Sol, éste es un gran final, donde el recuerdo y el ensueño de una visión paradisiaca de la Tierra, y la naturaleza se muestra a plenitud bajo la impresionante sinfonía de Tchaikovsky, es el deseo cumplido de este anciano, con lo que borra de su mente la imagen de la dura realidad, donde reina la agonía y el sufrimiento producidos por la propia mano del hombre, más aún, teniendo en cuenta que Sol descubre, antes que el detective, el secreto que esconde Soylent Green, un producto que se muestra hecho en base a soya y lentejas, pero que en realidad es el símbolo de nuestro fin.

Con respecto al resto del reparto, se incluye a actores como Joseph Cotten, de gran trayectoria tanto en el cine como en la televisión, la bellísima actriz Leigh Taylor Young, quien luego de esta película desarrolló una larga carrera televisiva, y que aquí tiene a su cargo el papel de Shirl, la bella mujer-accesorio que se enamora de Thorne. Y también tenemos al recordado Chuck Connors, un actor de reconocible presencia, muy famoso en aquellos años por su participación en westerns y películas de acción, y que en el terror es muy recordado por su actuación en "Trampa para turistas (Tourist Trap)", y que aquí en "Cuando el destino nos alcance" se convierte en un peligroso enemigo.

Finamente, podemos decir que "Cuando el destino nos alcance" es una película con una historia de mucho interés, realizada en forma efectiva y notable, que destaca una estupenda realización, así como muy buenas actuaciones. De visión imprescindible.

El futuro es tan brillante, que hay que usar lentes oscuros

Pues ahora vamos a recordar algunas peliculas ambientadas en un supuesto futuro de la humanidad, no muy esperanzador, al menos en apariencia. Este tipo de historias particularmente me resultan muy atractivas; por lo general suelen ser aventuras en las cuales el protagonista, o héroe de ocasión, es puesto a prueba en medio de una realidad hostil y desconocida, donde sólo existen vestigios de lo que fue la sociedad humana que conocemos, de la cual sólo se guarda borrosos recuerdos. En unos casos, para sobrevivir en este nuevo territorio sin ley, se debe enfrentar una serie de obstáculos y convivir con la violencia, lo que exige la mayor fortaleza que el carácter pueda mostrar. Del mismo modo, podemos ver en éstos escenarios la forma en que se ponen de manifiesto los defectos y las virtudes de la sociedad que actualmente hemos construido, pero en una mayor dimensión, en la cual, tanto el odio, la intolerancia, el sadismo, la corrupción, etc., etc., es decir, males que conocemos de sobra, están presentes como nunca. Una manera en que la fantasia nos permite reflexionar al respecto, y de ésto hay mucho.

Con respecto al asunto aventurero, me ha entusiasmado lo publicado tanto en el Blog Ausente : http://absencito.blogspot.com/2008/01/smbologa-de-destruccin.html , quien a su vez remite al blog Con C de Arte : http://concdearte.blogspot.com/, y a su punto de origen, el articulo de el blog de Gerry Canavan : http://gerrycanavan.blogspot.com/2008/01/look-on-my-works-ye-mighty-and-despair.html. Revisenlo y verán que es impresionante, bueno, me ha resultado asi. De ello, me quedo con esta imágen, mitica obra del inmortal Jack Kirby :

Cómic de aventuras el cual espero revisar. Por lo pronto, recuerdo su inspiración notoria en la gran saga de "El planeta de los Simios", del cual invito a revisar este tremendo post de Otro blog de Cine, que sin duda una obra como esa se lo merece : http://otroms.blogspot.com/2007/08/planet-of-apes-tiene-que-haber-algo.html .

Y bueno, para la ocasion, incluyo este viejo tema ochentero que me ha servido para el titulo del post. El grupo es Timbuk 3, y el tema se titula "The future´s so bright, i gotta wear shades", una canción poco recordado en la radios, o practicamente olvidada, pero que tuvo cierta repercusión en el ranking Billboard del año 1986, llegó a estar entre las 20 primeras en cierta semana, cuando estar entre las 20 primeras del ranking era todo un logro. Ahora, ni idea. Un tema que se toma el futuro con humor e ironia :



Bueno, empezamos en breve.