1997 Escape from New York (1981)

En el año 1984 el crimen y el pandillaje se apoderaron de las calles de la ciudad de Nueva York sumiéndola en el caos y la barbarie. Al haber perdido el control, las autoridades decidieron cercar completamente la isla de Manhattan, convirtiéndola en una prisión de máxima seguridad controlada por la policía desde su centro de operaciones en Liberty Island, y resguardando el muro de contención que rodea la zona de peligro. Sin embargo, en el año 1997 un secuestro aéreo del avión presidencial lo lleva a estrellarse contra una de las Torres Gemelas. El presidente de los Estados Unidos logra escapar en una cápsula de evasión, y cae en las inmediaciones del World Trade Center, pero es capturado por una de las peligrosas bandas de criminales, quienes exigen un pliego de demandas a cambio de la vida del mandatario. Sin más recursos, el comisario Hauk utiliza a Snake Plissken, ex-teniente de las Fuerzas Especiales, un extraordinario soldado ahora renegado y caido en desgracia al ser capturado en medio del asalto a un banco. Snake posee habilidades que lo convierten en el único hombre capaz de lograr la misión suicida de ingresar al terreno peligroso y rescatar al Presidente. Para ello, tiene 22 horas antes de que una mortal inyección que le ha sido aplicada surta efecto, liberando un detonante que abrirá sus arterias causándole la muerte, por lo que debe cumplir con regresar antes de que el plazo finalice. Solitario en aquel ambiente hostil, acosado por peligrosos asesinos y en medio de un devastado panorama, Snake Plissken debe abrirse paso y luchar por su vida, antes que por la salvación del mundo civilizado.

Durante los convulsionados años 70´s, el pueblo norteamericano fue testigo de la forma en que la corrupción era capaz de alcanzar las más altas esferas de su gobierno, a raíz del llamado escándalo Watergate. El presidente Nixon no tuvo más remedio que renunciar a su cargo ante las pruebas de espionaje telefónico llevado a cabo por la CIA, y que fueron dadas a conocer ampliamente a través de la prensa. La figura del hombre más poderoso del planeta, la que suele atribuirse a un presidente de esta nación, se vino abajo, causando desazón y desconcierto en la gente ante la visión desalentadora del futuro que se imponía. El cine no fue ajeno a la inquietud reinante. Reaparecen ciertas películas donde la idea del héroe clásico se diluye y deja el paso a un personaje cada vez más atractivo para el gran público: el llamado antihéroe. Fue aquí donde una mente creativa como la del director de cine John Carpenter (nacido en la misma Nueva York, en el año 1948) esboza de manera magistral un relato, el cual con el paso del tiempo se ha convertido en un referente de la aventura y la ciencia ficción moderna.

Siguiendo el modelo de aquellos personajes popularizados por actores como Charles Bronson y Clint Eastwood, Carpenter crea un aventurero que responde mucho a las características de los pistoleros del spaguetti western, y más reconociblemente al viejo oficial Harry Callahan, en su convicción a la hora de actuar y enfrentar la violencia de acuerdo a sus propios principios. Para esto, Carpenter buscó el financiamiento para su proyecto tocando muchas puertas, pero la idea extravagante que surgía de aquel guion cinematográfico era rechazada por las productoras. A este paso, trascurrieron alrededor de seis años hasta que los esfuerzos obtuvieron sus resultados. Antes de que esto ocurra, el inquieto director continuó al frente de otros trabajos, y no fue hasta lograr un triunfo resonante con la cinta "Halloween" en el año de 1979, que su propuesta inicial, acerca de una historia donde Nueva York, la llamada capital del mundo, era una cárcel gigantesca, pudo ser tomada en serio por la productora AVCO Embassy. No obstante, se esperaba que el director se hiciera cargo de la película "El Experimento Filadelfia", pero debido a algunos retrasos que postergaron su realización (se llegó a estrenar en 1984, dirigida por Stewart Raffill) se dio luz verde inmediata a lo que Carpenter se traía entre manos desde hacía varios años. Fue asi que en 1981 la pelicula titulada "1997 Escape de Nueva York" logró su estreno, obteniendo un gran éxito en las salas del mundo.

La filmación de esta película llegó a costar 7 millones de dólares, uno de los presupuestos más altos con los que había trabajado John Carpenter. Los exteriores fueron filmados realmente en la ciudad de St Louis, en Missouri, ya que New York resultaba un lugar demasiado caro en el cual trabajar. El equipo técnico pudo disfrazar hábilmente los ambientes a base de escenografías pintadas de tal modo que el paisaje reinante luciera como si se tratase de la ciudad de los rascacielos en sus peores condiciones. Entre los encargados de estos decorados se encontraba el gran James Cameron, llevando a cabo uno de sus primeros trabajos en el mundo del cine. Tanto las calles como el St Louis Stadium fueron utilizados para filmar numerosas secuencias que narran la siniestra aventura concebida por el singular director.

La pelicula empieza de manera muy ilustrativa con las imágenes en pantalla de unos gráficos que nos muestran el caos que se ha apoderado de New York, donde la violencia y el crimen ha alcanzado un incremento del 400% (se supone que con respecto al nivel delincuencial de principios de los años 80´s). Una voz en off nos narra la forma en que el estado toma control de la isla y corta sus accesos, minando la autopista del puente que la une a la costa, mientras que se levanta el gigantesco muro, que es custodiado por las patrullas militares. Para ésta breve introducción quien deja escuchar su voz es la actriz Jamie Lee Curtis, protagonista de la otra gran pelicula de Carpenter, como es "Halloween", sin olvidar su trabajo en "La niebla", otra inolvidable historia de horror en la filmografía carpenteriana.

Lo siguiente, es una secuencia que bien podría hacer notar la manera en que la realidad y la ficción pueden confundirse de manera muy inquietante. El relato nos muestra cómo un grupo terrorista muy radical se apodera del avión presidencial, lanza su mensaje al mundo acerca del precio a pagar por parte del imperialismo norteamericano, y sin temor alguno conduce el avión hacia el centro de New York y lo estrella contra una de las Torres Gemelas, por entonces, simbolos del poder financiero y considerado un monumento al capitalismo de la gran nación. Las imágenes que pueden apreciarse, recreadas por Carpenter y su equipo, vistas hoy resultan muy evocadoras de la terrible tragedia ocurrida hace siete años y conocida por todos, pues la visualización del impacto hecha en el film resulta muy similar, pues del mismo modo, los protagonistas observan lo ocurrido a través de los monitores en su base de control.

La controversia surgida en el año 2001 acerca del nacimiento de aquel maligno plan alcanzó al recuerdo de esta película, y del mismo modo a lo narrado en la novela de Tom Clancy "Deuda de honor", donde un magnate japonés secuestra un avión comercial y en plan kamikaze lo lanza hacia la Casa Blanca, causando una gran tragedia. Sin embargo, la profética fantasía de Carpenter sólo responde a su ánimo de narrar una aventura fantástica, la cual se alimenta de la realidad existente siendo capaz de mostrar cómo la maldad puede llegar a apoderarse de la sociedad, y en qué forma el destino que nos espera puede llegar a ser tan oscuro si el hombre continúa envolviéndose cada vez más en su propia corrupción.

Carpenter quería narrar esta historia de la mejor manera posible, sin dejarse llevar por la conveniencia de los productores. Esta es la razón por la que se empecinó en contar con el protagonismo de un actor al cual consideraba su mejor reflejo en la pantalla. Nos referimos al gran Kurt Russell, quien fue el encargado de dar vida al rudo Snake Plissken de la mejor y única manera posible. Ante la consideración para el rol de actores como Charles Bronson o Tommy Lee Jones, el director mantuvo su decisión de contar con el actor con quien ya había trabajado en su versión para la televisión de la vida de Elvis Presley. Russell no sólo supo convertirse en el personaje que Carpenter había imaginado, con su hablar raspado y de malas maneras, su porte atlético y su destreza con las armas. Asimismo, contribuyó con su imagen mítica al dar la idea del parche en el ojo izquierdo.

De esta manera Snake Plissken se convirtió en uno de los antihéroes más representativos del cine moderno; un aventurero que vive bajo la guía de su instinto, bajo su propio código de conducta, que habiendo sido formado por el propio gobierno finalmente no responde a autoridad alguna, la cual de por sí ya está muy deteriorada en aquel mundo futurista. Plissken observa a cada sujeto que encuentra, mide y evalúa sus actitudes, y obtiene un completo retrato de las personas, a fin de saber si son dignas de su confianza. Demás esta decir que casi nunca confía en nadie. Para él, el hombre es un caso perdido, y la mujer es alguien que resulta casi extraña e inalcanzable (para confirmar lo dicho, vean esta película y su secuela "Escape de Los Ángeles").

En palabras del propio Kurt Russell, la mejor descripción de Snake es la siguiente:

"Creo que él es único. La mayoría de esos personajes que están "al límite" donde se encuentren, y hacen todas esas cosas cuestionables, pueden explicar por qué sus caracteres toman ese rumbo. En otras palabras, ellos tienen un modo de redimirse socialmente. Lo que me gusta de Snake es que él no lo hace. Él es un sociópata, y es un reto hacer que la gente lo entienda, y al mismo tiempo llevar al sujeto en esta forma."

(Tomado del libro "The cinema of John Carpenter" de Ian Conrich y David Woods)

La anécdota cuenta que un viejo amigo de John Carpenter supo de un tal Snake Plissken hace muchos años, del cual se decía que había muerto, cuando en realidad no lo estaba. En la película, son cinco las veces que a Snake le dicen: "escuché que habías muerto".

"Escape de Nueva York" es también una experiencia única al ser capaz de mostrar a un notable elenco de buenos actores, además de su recordado protagonista, sumergidos en una historia delirante. Como un buen western vestido de nuevas ropas, y en una geografía donde las montañas son reemplazadas por gigantescos edificios, los personajes conservan aún el mismo espíritu. La figura del comisario esta encarnada por el mítico actor Lee Van Cleff, figura indiscutible de más de una película de aquel género. El actor logra un personaje inflexible y de enorme convicción en el logro de sus propósitos, aún a costa del propio Snake. Un eficaz elemento que sirve a una autoridad cada vez menos preocupada en el bien común. Mientras tanto, en la ciudad de Nueva York, entre sus olvidados habitantes, encontramos personajes variopintos, como el taxista Cabbie, papel a cargo del entrañable actor Ernest Borgnine, otro de los grandes del viejo cine de Hollywood, y que aqui encarna a un personaje bonachón y colaborador oportuno de Snake.

Del mismo modo, tenemos al actor Harry Dean Stanton, en su rol de "Cerebro", el único capaz de obtener el preciado combustible en toda la ciudad, y por ello mismo, respetado hasta cierto punto, incluso por los más peligrosos forajidos. Su mujer y secuaz es la atractiva Maggie, personaje interpretado por la actriz Adrienne Barbeau, por entonces pareja del director Carpenter. Figura muy recordada del cine ochentero, principalmente por sus trabajos al lado de Carpenter, como en esta obra y en la recordada "La Niebla", Barbeau cuenta además con una larga carrera en el mundo de la televisión en muchas series y producciones televisivas de aquellos años. En cuanto al cine, su presencia prácticamente se redujo a la década del 80, con alguna aparición especial en años recientes. Cierto homenaje tanto a ella como a su participación en ésta película puede apreciarse en el film del año 2,000 titulado "The Convent", realizado por el director Mike Mendez, donde Barbeau nuevamente nos demuestra cómo manejaban las armas las mujeres de aquellos años.

Otro de los notables actores que podemos ver en esta cinta es el recordado Donald Pleseance, el célebre Doctor Loomis de la serie de películas de "Halloween", la obra maestra de Carpenter en el género del terror. Aquí en "Escape de Nueva York" Pleasence tiene a su cargo el rol del presidente de los Estados Unidos, secuestrado y humillado por los peligrosos criminales cuyo líder es "El gran Duque de Nueva York". El actor Isaac Hayes se encarga de dar vida a este personaje, en forma convincente gracias a su fuerte presencia, que nos hace olvidar que se trata de uno de los más célebres artistas del soul de los años 70´s. Hayes falleció hace poco, a los 65 años de edad, habiendo ganado estos ultimos años cierta nueva notoriedad al dar su voz al personaje animado de la serie "South Park", el recordado "Chef". Queda eso como algo casi anecdótico, pues Isaac Hayes debe ser mucho más recordado como un notable artista, actor y cantante de registro único, entre cuyos éxitos más reconocidos figura el tema de la cinta policial "Shaft" de 1971. Descanse en paz el señor Hayes.

La gran aventura del cine de bajo presupuesto que logra llevar a cabo el director Carpenter está plagada de un ambiente bizarro como pocos: escenarios, vestuarios, equipos y vehículos, cada cual más improvisado y al mismo tiempo, impregnado de hostilidad por todos lados. Intensa es la secuencia en la que Snake y compañía atraviesan las calles montados en su vehiculo, en medio de la lluvia de objetos arrojada por los salvajes pandilleros. Ese estilo dejó su marca en un gran número de peliculas que se hicieron bajo la inspiración de esta innovadora aventura fantástica. Vista hoy en día, destaca ante todo su impecable puesta en escena. Sus personajes, los diálogos mantenidos y la notable dirección de Carpenter, mantienen su particular atractivo, sumergiéndonos en una historia cuya lectura, llena de una ironía y un pesimismo contundente, aleja este film del mero entretenimiento consagrándola como una gran película para todo aquel que guste de las fantasías oscuras y desbordantes.

Su mayor lastre es sin duda, el tiempo en el que fue realizado, pues momentos como el tiroteo en la azotea del edificio, o los enfrentamientos en medio de las calles solitarias resultan hoy en día poco convincentes y hasta cercanos a la parodia para el espectador de hoy, que espera la edición rápida, el estilo videoclipero o "el momento Matrix"; la acción que respira "Escape de Nueva York" puede quedar envejecida en varios momentos, con algunas excepciones, como el enfrentamiento en el ring, o la persecución en vehículos y la acción arrolladora en medio del puente. Sin embargo, esta película nos muestra una historia mucha más interesante y cautivante que muchísimas producciones hechas hoy en día, donde la forma vistosa oculta un vacío tremendo de imaginación y de intenciones arriesgadas.

Tras el éxito conseguido, aun a pesar de ello, tuvieron que pasar más de 10 años para la esperada secuela, otro ejemplo del mito carpenteriano que no defrauda, pero del cual hablaremos en otra ocasión. Los más recientes trabajos del director se circunscriben al mundo televisivo. La serie "Masters of horror" ha permitido ver un John Carpenter trabajando en buena forma, como en sus mejores momentos con el episodio "Cigarrete burns", pero luego, llegó bajo en resultados con su siguiente "Prolife". Aun así, estamos alertas. Se ha anunciado la vuelta del director a la gran pantalla con una producción muy esperada. En Carpenter confiamos. Y a ver "Escape de Nueva York" todas las veces que sea posible.

A ver al cine, pues

Búsqueda implacable (2008)

Un hombre cuyo matrimonio fue un fracaso debido a su peligrosa ocupación, la de agente especial del gobierno americano, esta empeñado en recuperar el amor de su hija adolescente, ya que considera que el tiempo perdido en peligrosas misiones le ha alejado demasiado de ella. Sin embargo, un terrible suceso lo precipitará a una inesperada carrera contra la muerte: ella ha sido secuestrada en un pais lejano por una peligrosa organización de criminales. El desesperado padre se traslada hasta allá para desplegar al máximo todas sus habilidades en lo que será su más peligrosa misión: rescatar viva a su hija, aunque para ello deba enfrentarse a los más despiadados asesinos.

Visto este gran thriller lleno de acción y emoción, lo cual nos complace, pues notamos que el cine de acción con personajes hechos al más viejo estilo de aquellos popularizados por Charles Bronson, Steven Seagal, o quien recuerde algunos más, sigue vigente, y puede entregarnos productos muy satisfactorios. Asi lo ha entendido Luc Besson al escribir y producir esta pelicula, dejando la dirección en manos de un hábil realizador, como lo demuestra ser Pierre Morel, director en cuya curricula figura el film "Distrito 13", y antes de ella haciendo labores de director de fotografia en "Danny the dog" y "The Transporter", entre otros titulos. Morel logra que un relato sencillo y hasta trillado en su propuesta tenga por resultado una pelicula sumamente atractiva.

El otro gran acierto del film está en la elección del protagonista, pues no es otro que el gran actor irlandés Liam Nesson, ampliamente reconocido, y quien siempre ha demostrado ser un actor más que competente. "Darkman", "La lista de Schindler", "Kinsey", son peliculas que le deben mucho a su notable participación, caracterizando variados personajes y siempre con absoluta convicción. En este caso, Neeson se convierte en un divorciado padre de familia que deambula buscando el cariño y el reconocimiento de su hija, y esto lo hace en forma poco afortunada. Sin embargo, cuando el peligro acecha la vida de ella, sumergiéndola en un submundo de maldad, el noble y sencillo hombre asume el rol de un implacable justiciero que no duda en acabar con todo aquel que le impida recuperar a su hija. El actor lleva el papel con impecable acierto, demostrando sus cualidades dramáticas y al mismo tiempo realizando harto esfuerzo fisico realmente sorprendente. Sin él, la pelicula hubiese perdido muchisimo. A destacar al resto de actores y actrices, elenco reducido y suficiente, donde es notable la participación de Famke Janssen y la juvenil Maggie Grace, actriz de la serie "Lost".

Que el film lleva algunos puntos negativos, es cierto, básicamente en su endeble guión, que está lleno de tópicos y situaciones poco sorprendentes, donde el héroe resulta a prueba a balas y es imparable en su solitaria búsqueda, además de ahorrarse en detalles que puedan hacer creible la historia, y hasta mostrar algunos personajes para luego desaparecerlos sin más, asi de simple. Todo en aras del despliegue de violencia que el director está dispuesto a mostrarnos como su mayor apuesta. Y en este aspecto luce tan bien que cualquier elemento criticable resulta perdonado y olvidado. La tensión es incesante, el relato de Morel es muy atrapante y nos conduce por cada escenario en espera de la más enérgica acción, bien servida, con escenas de lucha muy bien coreografiadas como pueden apreciarse, lo cual es un gran acierto ya que algunas peliculas de hoy parecen olvidar este aspecto.

Y en medio del festin de acción, la pelicula nos muestra la terrible realidad detras del tráfico de mujeres llevado a cabo por peligrosas mafias, hecho realmente monstruoso e inhumano, y que aqui las imágenes de las jovencitas drogadas y cautivas en medio de la más completa crueldad, resultan realmente perturbadoras.

A cintas como "Death sentence" o "The brave one" se suma este nuevo film. Desde ya es uno de mis estrenos favoritos del año. Para verla más de una vez.

El engendro del diablo (1989)

Titulo original: La Chiesa (Italia)
Otros títulos: The Church (USA)

El misterio de una antigua e imponente catedral ha permanecido oculto durante siglos. Su origen se remonta a la Edad Media, tiempo en el cual un grupo de aldeanos acusados de ser seguidores de Satán fueron exterminados por una tropa de Caballeros Teutónicos, representantes y defensores de la fe católica. Los cuerpos de las víctimas se enterraron en una fosa común, y sobre ella se llevó a cabo la construcción del gigantesco templo. En la actualidad, los trabajos de restauración al interior del edificio atraen a muchos especialistas. La llegada de un nuevo bibliotecario, obsesionado con el enigma de aquel lugar, despertará la maldición que se oculta bajo el sello de una gigantesca cruz, en la profundidad de sus pasadizos y corredores. Inmediatamente, un intrincado mecanismo convierte a la catedral en un refugio hermético, que busca impedir la propagación del mal en el mundo, pero condenando a aquellos que se encuentren bajo su techo a un infierno sin fin. Las muertes se suceden, mientras el poder maligno busca extender su oscuridad convirtiendo a sus victimas en zombies, y de este modo el pasado reclama consumar su venganza.

Llegando a finales de la década del 80 el cine italiano dentro de lo que podía llamarse el terror fantástico había marchado un largo trecho, el cual había ubicado por lo alto los nombres de algunos realizadores como Antonio Margheretti, Mario Bava, Lucio Fulci y Dario Argento, sólo por citar a los más representativos. Mientras ello ocurría, otros realizadores surgieron bajo la sombra de éstos artistas, demostrando un particular talento cultivado en éstos terrenos, logrando en algunos casos pequeñas joyas del cine de horror que han sabido perpetuarse a través del tiempo. Uno de éstos casos corresponde al director Michele Soavi, discipulo del director Dario Argento, con quien participó en la realización de filmes como "Tenebre", "Phenomena" y "Opera", y en otras de sus producciones como "Demons", llevando a cabo labores de asistencia e incluso de actuación, si es que en ello se puede considerar el papel de extra o participar en roles sin nombre ni diálogo.

El director realizó en 1985 un documental en honor a su maestro titulado "Mondo dell'orrore di Dario Argento", donde se ocupa de la carrera del director durante los años 1969 a 1985. Luego de ello, Soavi se aventuró a realizar su primer largometraje en el año 1987, al cual tituló "Deliria" (conocido internacionalmente como "Stage Fright" o "Aquarius"), una película muy violenta que muchos inscriben en la escuela del "giallo" italiano, pero que debe mucho más al llamado "slasher" americano, debido al empleo de elementos muy notorios, como el mostrar un asesino enmascarado y silencioso, retratado en buena parte del film, como ocurre con personajes como "Jason Vorhees" o "Michael Myers", célebres asesinos del cine de terror americano. Asimismo, convirtió el festival de sangre en una correría de asesinatos brutalmente gráficos, dejando mayormente de lado la estilización que empleaban en sus relatos las obras de Argento o las de Sergio Martino, perfectos ejemplos del mejor momento del "giallo". El resultado fue una película estimable. El éxito obtenido con dicho film permitió al joven realizador volver un par de años más tarde con una producción más ambiciosa, con un presupuesto muy importante dentro de la típica serie B de horror.

"La chiesa" es una historia escrita por Dario Argento y Franco Ferrini, con la colaboración de Dardano Sachetti, Fabrizio y Lamberto Bava, inspirada en la obra del célebre escritor M.R. James titulada "El tesoro de Abbot Thomas", según los informes (que no la he leído) es una buena historia que tiene por escenario una vieja iglesia que guarda una puerta prohibida de abrir, y hasta ahí llegarían las similitudes. En el film, lo que llama la atención es la continua referencia al misterioso escritor reconocido bajo el seudónimo de Fulcanelli, autor del libro "El misterio de las catedrales", publicado en el año 1929. La leyenda convierte a Fulcanelli en uno de los últimos grandes alquimistas cuya actividad se desarrolló a principios del siglo XX, dentro de esa extraña corriente de pensamiento que los autores Louis Pauwels y Jacques Bergier denominaron "el Retorno de los brujos". De hecho, escribieron y publicaron un libro bajo ese titulo en el año 1960, donde afirman que el pensamiento mágico-religioso permanece vigente y con tanta fuerza como en los primeros tiempos de la humanidad. En este texto, Pauwels y Bergier otorgan un papel destacado a Fulcanelli dentro de este movimiento, y estudian sus escritos en busca de secretos por revelar. Dejando de lado éstos asuntos, nos circunscribimos al tema desarrollado por el alquimista, referido al carácter mágico que le adjudica a los viejos edificios religiosos construidos durante la Edad Media y que sobreviven hasta nuestros días. Se afirma que aquellas estructuras guardan en su interior algunos secretos de muy siniestra concepción. Dentro de lo que cabe la ficción, en este film se cita en más de una ocasión la siguiente frase atribuida a Fulcanelli : "las catedrales góticas forman parte de un diseño cósmico que nosotros ignoramos".

Luego de haber destacado esta interesante premisa argumental (perdónenme, pero para mi resulta interesante), y pasando a lo que corresponde a la pelicula, cabe comentar la brillante secuencia inicial de esta historia. El director Soavi nos muestra a un ejército de Caballeros Teutónicos, atravesando los bosques siguiendo la pista conducida por un personaje algo despreciable hacia el refugio de un grupo de aldeanos, acusados de practicar la magia negra y adorar al demonio. Una vez que se encuentran ante ellos, los caballeros aceptan por prueba fehaciente la extraña marca que luce una bella jóven en la planta de su pie, la cual trató de cubrir (al parecer se trata de una marca de nacimiento). Ella es asesinada cruelmente, al igual que el resto de su grupo. Las imágenes nos muestran en forma muy explicita la cruenta matanza de hombres, mujeres y niños llevada a cabo por los soldados, y la consumación del terrible acto con el sellado de la fosa que contiene la pila de cuerpos con una gigantesca cruz, la cual es dejada caer sobre el terreno con el fin de santificar la aniquilacion y evitar el renacimiento del mal en nuestro mundo. Para ellos, la pesada cruz guarda el umbral de un abismo donde han sido contenidos sus enemigos, diezmados completamente por un ejército que se justifica asimismo como ejecutores de una misión divina, y sin embargo no es más que la tapadera de una feroz carniceria.

Soavi logra recrear este episodio a plena luz del día y asimismo consigue dotarlo de un aura de siniestro misticismo, donde el refugio de los condenados conforma un pequeño paisaje bucólico, mientras que los caballeros son vistos como fríos asesinos que no se detienen ante nadie, ni ante la inocencia que proyectan los rostros de sus víctimas. Enseguida, la cruz se convierte en el centro de atención que nos traslada al presente y vemos que en este mismo lugar se ha levantado una inmensa catedral donde se ha conservado el secretismo con respecto a lo ocurrido hace siglos. Podemos apreciar la grandiosa arquitectura que conforma el edificio, y asimismo, la actividad que se realiza en su interior. Todo ello ajeno a la historia oculta que alli se ha registrado. Sin embargo, como bien se afirma, no importa cuánto tiempo transcurra, todo se puede llegar a saber.

La liberación del mal por obra involuntaria del bibliotecario Evan, papel a cargo del actor Tomás Arana, da inicio a una serie de momentos de horror que el director sabe dosificar en la medida en que el mal se manifiesta, tomando posesión del cuerpo de este intruso, y también implicando a la restauradora Lisa, interpretada por la actriz Barbara Cupisti, en un episodio de lo más apresurado cuando un ser demoniaco aparece en la ventana de su cuarto. Los mejores momentos de horror con toques de efectos gore se aprecian en las alucinaciones que envuelven la mente de Evan, en las cuales su cuerpo es horriblemente castigado. El trucaje visual es obra de Renato Agostini reconocido especialista que había colaborado previamente con Dario Argento en su film "Terror en la Opera".

En medio de ésta historia conocemos a Lotte, la jovencita hija del conserje y su esposa, quienes viven al interior de la catedral. En este papel encontramos el primer trabajo de importancia de la hoy bella actriz Asia Argento, quien ha sabido ganarse un lugar dentro del mundo cinéfilo, más allá del hecho de ser hija del famoso Dario y de la actriz Daria Nicolodi. Asia ha recorrido tanto Europa como América en virtud de su carrera, pues hay que recordar que Hollywood le ha abierto sus puertas en más de una oportunidad. Por encima de ello, la actriz ha formado parte de varios títulos de mucho interés por lo poco convencionales e incluso, por lo bizarros que pueden llegar a ser, dando vida a personajes femeninos muy singulares. A revisar su ficha en Imdb para comprobarlo. Por otro lado, curiosamente Asia debe toda su belleza en forma innegable a la presencia de sus padres; basta verlos en fotos o imágenes de archivo para notarlo sin ninguna duda. En la película que hoy nos ocupa, la entonces niña Asia, de tan solo 13 años de edad, logra un trabajo muy correcto en su papel de la atribulada víctima de una pesadilla diabólica, en cuya inocente curiosidad está la clave para su salvación.

Una vez que los hechos congregan a un grupo de personajes anónimos al interior de la catedral, es cuando da inicio la segunda parte del relato. Y es aquí donde, lamentablemente, nuestra apreciación encuentra algunos problemas. La situación de encierro, a causa del mecanismo de preservación que contiene el edificio, lleva a la película por los mismos caminos de otros filmes de horror del cine italiano, sin ir muy lejos, a la ya citada "Aquarius", donde Soavi supo mantener la tensión en buena parte del metraje de manera muy eficaz al interior de un edificio, para el caso, un teatro. Otro buen ejemplo, y aun mucho mejor, resulta la pelicula del realizador Lamberto Bava titulada"Demons", un clásico del terror hecho en Italia, al igual que su secuela. Sin embargo, en "La Chiesa", los siguientes episodios desmerecen la buena labor realizada hasta entonces, sucediéndose algunas muertes poco elaboradas, con la excepción del ataque al portón principal, reduciendo el nivel de horror visual al mínimo, contra lo que se esperaba. Por ello, el terror visceral apenas propuesto al inicio luego brilla por su ausencia. Para mayor tropiezo, llegamos al momento en que se realiza un "homenaje" (o plagio) a la cinta "El bebé de Rosmery" en una serie de imágenes muy similares a lo visto en la película de Roman Polansky. Sin embargo, aquí no se logra el mismo nivel de inquietud, por mucho que se deje ver el vulgar ente demoniaco. La atmosfera que se distingue en los distintos rincones del edificio es lo que otorga a esta película un encanto muy especial, pues hay muchos momentos donde destaca el buen aprovechamiento de aquellos espacios.

Soavi sorprende en el inicial recorrido histórico, y además consigue mostrarnos momentos muy cautivantes al interior de aquella catedral, realizando recorridos cual si fuera un laberinto, desde su profundos túneles, sus ocultos pasajes, yendo luego por cada una de las partes principales como las naves y el altar, hasta lo más alto en el campanario lleno de sombras, y los corredores, donde sucede una secuencia muy intensa entre el padre Gus y el Reverendo, interpretados por los actores Hugh Quarshie y Giovanni Lombardo, respectivamente, la cual resulta muy reveladora. Pero sin duda, visualmente es más impresionante el lugar en el cual encontramos el mecanismo principal de todo el condenado edificio; entiéndase este último adjetivo muy literalmente. Otro buen logro del film lo constituye la estupenda orquestación de un buen grupo de músicos, como lo son Keith Emerson, Phillip Glass y la entrañable banda Goblin, la cual fortalece la fascinante ambientación de tan terrible cuento gótico.

"El engendro del diablo" es una película de mucho interés, a pesar de su debilitamiento en su segunda mitad, pero que recupera el brío en su desenlace apocalíptico, donde nuevamente Soavi resalta las grandes cualidades de su potente puesta en escena, enigmática, cautivante y aterradora, al proponernos la ficción de una serie de terribles secretos ocultos dentro de lo que el hombre considera lo más sagrado de su civilización.

Hellraiser : Puerta al Infierno (1987)

El forajido de nombre Frank Cotton llega hasta un rincón apartado en el mundo, donde finalmente encuentra lo que tanto anduvo buscando. La caja de Lemarchand es un extraño cubo que apenas cabe en la palma de una mano, y que, a pesar de ello, oculta el acceso secreto a una dimensión donde el placer y el dolor están unidos más allá de los límites humanos. De regreso a la gran ciudad, Frank se atreve con ella, atraído por su oscura búsqueda de sensaciones. Sin embargo, a diferencia de lo que esperaba aparecen frente a él los Cenobitas: extraños seres convocados por la caja, quienes lo someten a un sufrimiento sin límites. Su cuerpo es destruido por completo mientras su alma queda atrapada en un infierno indescriptible. La casa queda abandonada, hasta que Larry, hermano de Frank, junto a su esposa Julia se mudan al lugar, sin saber que allí se encuentra oculta una esencia maligna en espera de víctimas que le permitan revivir su cuerpo corrupto, y con ello, lograr huir del infierno.

Bueno, cabe hacer la presentación de un artista de mucho renombre, alguien cuya actividad ha abarcado distintos campos de expresión, como son principalmente la novela y el cine, pero también ha hecho lo suyo en el teatro, la pintura, el cómic, los cuentos infantiles, y hasta en los juegos en red. Nos referimos al británico Clive Barker. Su obra mereció la frase hecha por el célebre Stephen King, y utilizada frecuentemente en las portadas de sus publicaciones, lo dicho fue lo siguiente:

"He visto el futuro del terror, y su nombre es Clive Barker"

Particularmente, me encanta hablar y escribir acerca de este autor. Lastimosamente su obra apenas ha sido editada en nuestro idioma. Las primeras ediciones realizadas por Planeta, Plaza y Janés y Ed. Martínez Roca datan de principios de los años 90. Aquellos ejemplares hoy en día se han convertido en inubicables, al menos así ha ocurrido por mis lares, lo cual me ha dificultado en cierto modo el mayor acceso a sus novelas. Fue recién hace un par de años, más o menos, en que se produjo la más reciente reedición de sus textos, bajo el sello editorial La Factoría de las Ideas, lo cual ha podido satisfacer en algo el interés que llevaba ya muchos años en espera. En mi caso, no es mucho lo que he podido leer de este escritor, sin embargo, esto ha sido suficiente para considerarlo uno de mis favoritos. Su carrera tuvo comienzo en pequeñas obras de teatro donde la influencia del "Gran Guinol" francés era muy evidente, según se señala. Al mismo tiempo, el escritor iba acumulando gran cantidad de relatos cortos, todos ellos dirigidos a explorar los límites de la imaginación, en un tono muy terrorifico y bizarro, como nunca se había hecho hasta entonces. La mayor parte de los escritores del género del terror solia detallar la atención de sus pesadillas en la presencia del mal proveniente de otras dimensiones, la cual hacía aparición repentinamente para corromper la naturaleza de nuestro mundo. Por el contrario, Barker prefirió poner más atención a lo cotidiano, y para ello el ser humano que habita en sus relatos es muy capaz de desplegar una maldad sin par, y llevarla a niveles de verdadero terror. El lado oscuro que resulta inherente en todos nosotros, con todos sus más perversos deseos, es el terreno donde el autor despliega toda su capacidad narrativa, convirtiéndola en la verdadera fuente de toda maldad y horror que pueda desatarse en cualquier pesadilla.

El sexo corrupto, los deseos más enfermizos, y la crueldad más visceral, forman parte de sus más famosos relatos, gran parte de ellos contenidos en los volúmenes convertidos en un clásico del género, de nombre "Los Libros Sangrientos", cuya primera publicación tuvo lugar en el año 1984. Historias como "El tren de la carne de la medianoche", "El terror", "Jaqueline Ess", "Lo prohibido", "Rex el hombre lobo", "En persona", y muchas otras, resultan impresionantes e inolvidables para cualquier lector, sin duda. Además, la prosa de Barker destaca como una de las más elegantes y hermosas realizadas en la literatura del género, dejando claro la cultivada erudición del escritor, que actualmente cuenta con 57 años de edad. Tras convulsionar el panorama de la literatura de horror moderna, Barker llegó a un nivel tan alto con "Los Libros Sangrientos", que sencillamente no pudo superar tal impacto, y esto aun a la fecha, lo cual no significa que su obra posterior sea de poco interés. Nada de eso. Dejando de lado los relatos cortos, el escritor dio inicio a la publicación de novelas de mayor volúmen, todas ellas dotadas de su singular estilo. Sin embargo, ocurre en estas historias una especie de transmutación a otro tipo de fantasia. La brillantez del terror cultivado en sus inicios no fue alcanzada. Incluso buena parte de esta obra podria inscribirse dentro del género fantástico, como ocurre con "El ladrón de días" y "Sortilegio", relatos que por ahora tengo pendientes, pero que se muestran como fantásticas aventuras que implican viajes dimensionales llenos de extraños personajes; "Imajica" es otra fantástica historia, esta vez en dos volúmenes, donde nuevamente asistimos a la revelación de una verdad trascendental a encontrarse en otra realidad, en medio de una historia donde vuelve algo de la perversidad de sus viejos escritos.

En lo que cabe dentro del terror, que es la vertiente por la cual he preferido decantar mi atención, podemos encontrar la primera de sus novelas, titulada "El juego de las maldiciones", una buena puesta al dia del relato de "Fausto" donde se aprecia gran parte de la imaginería enfermiza de su autor, quizás por haber sido escrita inmediatamente después del éxito de "Los Libros Sangrientos". A esta publicación se sumaron otras novelas. Una de ellas es "Cabal", un relato donde una raza de monstruos se convierte en la protagonista de una lucha contra la maldad del hombre. Esta novela tuvo su adaptación cinematográfica en el año 1990. Justo aqui entramos en el terreno del llamado sétimo arte. Pero es adecuado y más conveniente comentar el caso más sonado de los encuentros de Barker con la gran pantalla.

En el año 1986, Barker escribe y publica una novela corta de horror a la cual titula "Hellbound heart". Para entonces, el cine había reparado en su obra previa adaptando algunas de sus historias, como fueron "Transmutations" y luego "Rawhead Rex", ambas dirigidas por el desconocido realizador George Pavlou. La poca relevancia de estos filmes dan la razón al autor inglés, quien se lamentó de ellas y del maltrato a su obra. Pero el cine no resultaba algo muy ajeno a su labor. Durante los años 70 Barker realizó dos cortometrajes dentro de la más pura experimentación visual, pues sus resultados resultan ser poco convencionales. El autor llamó a sus obras "Salomé" (1973) y "Lo prohibido"(1978), a pesar de la poca relación que pueda hallarse con argumento alguno, luego de verlas. De todos modos, esta experiencia estimulante le dio la suficiente fuerza para asumir un mayor reto: la adaptación de aquella pequeña novela que apenas había publicado, una historia corta pero muy efectiva. Barker logra financiamiento para su película gracias al productor Christopher Figg, de la New World Pictures, y tras rodearse de viejos amigos y fieles colaboradores de su labor previa, se ubica en la silla del director en lo que sería su más dura experiencia de aprendizaje. El relato "Hellbound Heart" se convirtió en el guion escrito por él mismo, y que tituló simplemente "Hellraiser".

La historia conocida en nuestro idioma como "La Puerta al Infierno", más allá de la alusión a uno de los terrores más antiguos del ser humano, nos narra los extraños sucesos que surgen alrededor de una relación prohibida entre Julia y su amante Frank, nada menos que el hermano de su esposo. El amor es lo que menos se aprecia en cada encuentro de esta pareja, siendo realmente el deseo sexual más intenso lo que motiva a estos personajes, de manera irrefrenable, más allá de la muerte física, y a costa de cualquiera que se interponga entre ellos. La sangre y la carne de cuánta victima caiga en sus manos les sirve para renovar su vieja pasión, que fue interrumpida por la perversión extrema de Frank, el amante, al traspasar los límites de nuestra realidad y penetrar en los monstruosos dominios de los Cenobitas, descritos como "exploradores de los confines más lejanos de la experiencia, ángeles para unos, demonios para otros".

Este grupo de seres tienen un lider, a quien luego se le adjudicaría el nombre de "Pinhead", obviamente debido a su perturbadora imágen la cual se ha convertido en la presencia más emblematica de la serie de peliculas. Acompañan a este personaje otras tres figuras, tan extrañas como su líder, a quienes se les designa como "Chatterer": horrible ser de labios descarnados, "Butterball": una forma obesa y nauseabunda que usa unos lentes oscuros, y la llamada "Female", andrógino ser caracterizado por Grace Kirby, prima del director. La alusión al placer corporal más extremo queda graficada de manera impresionante en las horribles heridas, las profundas incisiones hechas con objetos metálicos y las monstruosas deformaciones que lucen en la piel estas entidades demoniacas. Según alguna vez ha dicho el propio Clive Barker, la apariencia de los Cenobitas dió lugar a una mayor proliferación de la moda por el "piercing" y las perforaciones en la piel con fines estéticos. Los Cenobitas proporcionan a Frank una experiencia desgarradora, dicho esto literalmente, convirtiendo su cuerpo en puro despojo, y llevando su esencia a los más profundos rincones del Averno. Sin embargo, un simple accidente sufrido por su hermano Larry, le permite al condenado abrigar una siniestra esperanza en su regreso al mundo, aun si esto costará la vida de los suyos. De este modo busca ayuda en la enfermiza pasión de Julia, quien no ha olvidado las noches de lujuria compartidas. Larry y su hija Kirsty se convierten en víctimas de un plan maligno, y que además tiene al infierno como telón de fondo que abre sus puertas en espera de sus almas.

Como es de esperarse, el guion cinematográfico cumple con ser fiel a la novela original, con la excepción de algunos cambios muy puntuales en cuanto a algunos personajes. Kirsty es presentada en la novela como una amiga de la pareja, mientras que en la pelicula se convierte en la hija de Larry e hijastra de Julia. En cualquiera de los dos casos el personaje resulta convincente dentro del marco de los sucesos narrados. El otro cambio se relaciona con la presencia de los Cenobitas. En la novela, se deja entrever que el lider de ellos es un misterioso personaje llamado "El Ingeniero". Sin embargo en el filme esto no esta claro, y su presencia es la de un monstruo que acecha en el portal infernal y que persigue a Kirsty en un momento de horror memorable. El misterioso personaje que asume la forma de un vagabundo fue creado para la pelicula, y del mismo modo sus escenas. Filmada en Londres, Inglaterra, usando practicamente una sola locación como fue el 187 de Dollis Hills Lane, convertida en la casa 55 de la calle Ludovico, el escenario de la historia según detalla la novela. El estudio fue The Production Village, en el barrio de Criklewood. Allí, prácticamente entre cuatro paredes y reducidos espacios, el director se dio maña para filmar la tensión que surge entre sus personajes, y las más intensas escenas de horror vistas en mucho tiempo, ahora convertidas en momentos de culto cinéfilo. Siendo su primera experiencia en el largometraje, Barker reconoce haber llevado suerte al contar con destacados profesionales en los distintos aspectos del filme. Dentro del reparto, podemos encontrar al recordado actor Andrew Robinson, el asesino del clásico imperdible de Clint Eastwood, "Harry el sucio". Comprometido en su labor, Robinson realiza un buen trabajo en lo que finalmente se convierte en un doble papel, y todo ello con absoluta eficacia. En el papel de Julia, la actriz Claire Higgins se lleva las palmas gracias a su notable actuación, dando un carácter atormentado a su personaje, para luego expresar su lado siniestro como cómplice del mal.

Asimismo, esta película fue el debut de la actriz Ashley Laurence, en su rol de Kirsty, la hija de Larry, virtual protagonista y heroína de la historia. Podemos decir que, sin tener una labor dramática muy virtuosa, logra hacerse del personaje en forma suficiente, gracias a su singular belleza la cual puede expresar el terror y sobresalto requerido ante el horror del cual ella es testigo. Clive Barker en su rol de director sorprende a todos con una pelicula que logra el más puro horror, como pocas veces se ha logrado, aún en manos de realizadores de mucha trayectoria. La visión que logra transmitirnos en este filme contiene momentos de impactante terror, influenciado por el cine de autores como Dario Argento o David Cronenberg, siendo de este modo una obra que nuevamente elevó el género del terror por todo lo alto. Aun así debe reconocerse que la cinta contiene algunos momentos de débil planteamiento propios de una "opera prima", como ocurre en el encuentro y diálogo inicial entre Kirsty y Julia, o también otros momentos donde el empleo de actores no profesionales se deja notar mucho. Asimismo, la persecución de Frank dentro de la casa resulta alargada, ya que Kirsty parece jugar al escondite con un torpe asesino. Y en el aspecto técnico, los sicodélicos efectos visuales desplegados en la secuencia final son dignos de una serie B de los años 50.

Afortunadamente estos puntos en contra se pierden en medio de brillantes momentos de horror que nada han envejecido y hoy resultan memorables. De este modo tenemos la resurrección de Frank en medio del cuarto abandonado, derramando sangre y vísceras gracias al trabajo impecable de Bob Keen y su equipo de especialistas; la pesadilla que sufre Kirsty, vista en una inquietante secuencia donde la tenue iluminación y el sonido de un perturbador llanto se cuelan en aquella atmosfera para atormentar a la protagonista; el pequeño recorrido realizado al traspasar el umbral del Infierno; y por supuesto, las apariciones de los Cenobitas, las cuales forman parte de lo más celebrado del cine de horror moderno, con la terrible majestuosidad de éstos seres, donde destaca la absoluta caracterización del actor inglés Doug Bradley como "Pinhead", el notable líder de voz intensa y amenazadora.

El ingreso de los Cenobitas a nuestro mundo se aprecia bajo la maravillosa orquestación del autor Christopher Young, un gran músico que hoy en día triunfa dentro del cine de Hollywood más comercial. Pero más allá del terror, Barker sabe mostrarnos la complicidad de los amantes, fraguando planes y acciones a seguir, comprometiéndose en derrotar al mismo infierno. Las miradas entre ambos, los recuerdos de Julia y su vieja pasión son momentos de curiosa intensidad dramática, que demuestran un especial énfasis en narrar este terrible crimen pasional llevado a un nivel de horror impresionante. Solamente nos queda decir que "Hellraiser" es la maravillosa obra de culto realizada por Clive Barker que marcó uno de los momentos más inolvidables del cine de horror a fines de los años 80, donde más que la experiencia de un director es el deseo de narrar una gran historia lo que convirtió a esta propuesta visual en una gran joya del género. Como otro viejo sueño queda el deseo de ver nuevamente a Clive Barker firmando otra película con su nombre en el rubro del director para que nos regale otra gran pesadilla como alguna vez supo concebir.

La Posesión (1981)

Mark regresa al hogar en busca de su esposa Anna y de su pequeño hijo. El encuentro en plena calle en una fria mañana resulta distante y a todas luces desalentador. Anna se comporta de manera extraña, lo cual provoca en él un profundo desconcierto, hasta que sus sospechas son confirmadas por ella misma a través de una llamada telefónica. Alguien ha irrumpido en la vida de ambos, y ha desatado en Anna una gran pasión según confiesa a su esposo con escuetas palabras. Al borde de la desesperación, Mark da inicio a la búsqueda de aquel extraño y misterioso amante que se ha apoderado de la voluntad de su mujer. Sin embargo, el camino hacia el corazón de esta intriga estará lleno de extraños personajes, terribles muertes y situaciones que bordean el limite de la comprensión humana, todo lo cual, finalmente, desenvocará en el más puro terror debido a la monstruosidad que se oculta en el rincón más oscuro de una habitación, ante la complaciente mirada de una hermosa mujer.

A veces, el matrimonio puede llegar a convertirse en un pequeño infierno. Una lástima cuando algo asi ocurre, pero, por lo menos, esperemos que nunca alcance las dimensiones del relato de ficción que vamos a comentar, donde dicha expresión cobra un sentido más literal y, por ello mismo, más terrible. Muy pocas veces una relación entre un hombre y una mujer ha sido vista envuelta en medio de una atmosfera tan enrarecida como la que puede verse aquí, en cada uno de los escenarios por donde ambos personajes transitan a modo de muertos en vida, o de marionetas de una terrible maldad.

Se sabe que el realizador de éste interesante film, el polaco Andrzej Zulawski, utilizó su experiencia personal a raiz de su proceso de divorcio para dar forma y escribir el relato que se convirtió en el guión liberador de su oscura fantasia, con un resultado muy atractivo y cautivante, por su perturbadora y siniestra metáfora de un hecho tan conflictivo y al mismo tiempo tan humano.

El doloroso proceso de deterioro que sufre la relación entre la joven pareja compuesta por Mark y Anna empieza en forma tajante, con la fría recepción que sufre el infeliz esposo en medio de la calle, en una desolada y gris calle de Berlín, de inicios de los años 80. Si bien, parecería que estamos ante el inicio de un melodrama como suele haber muchos, ciertos detalles, como que el esposo descuide a su familia no por ser un hombre muy absorbido por un trabajo normal, sino que se trata de un agente especial miembro de una misteriosa organización, nos permite percibir un cierto carácter poco común. Prepárense para lo que viene.

Advertencia: spoilers

A partir de aquí, la historia desarrolla un relato íntimo, el cual aprovecha los espacios al interior de aquellos desolados edificios, donde suelen mostrarse los momentos más intensos y de mayor dramatismo sufridos por la pareja. Por el contrario, en el exterior tenemos un mundo surrealista, con calles abandonadas, semejantes a un moderno pueblo fantasma, que incluye el imponente muro de Berlín aún en pie en aquellos dias.

El conflicto que tiene lugar en la pareja resulta muy perturbador; la discusión que se produce por el desconcierto de Mark, conduce la frustración hacia la violencia doméstica, la cual, en este caso, no escatima en mostrarse tan cruel como puede serlo: forcejeos que buscan maniatar a su victima, bofetadas que arrancan hilos de sangre del rostro de su mujer y además, intentos de suicidio y castigo corporal con profundos cortes, autoinfligidos por ambos, todo esto conforma el cuadro de desesperación que compone el hombre engañado y la mujer sumida en un cuadro de histeria a causa de un profundo sentimiento de culpa. La aparición de un pintoresco amante, un sujeto proveniente del pasado, no hace sino agregar un personaje mas a la galeria de hombres en este film que sufren un tremendo infortunio. Porque aqui los hombres realmente la llevan muy mal.

Anna no solo es capaz de desatar aquellas pasiones, tanto en su esposo Mark como en Enrique, su antiguo amante, sino que ademas lleva la delantera en medio de aquel conflicto resolviendo cualquier amenaza para su actual objeto del deseo, y a cualquier precio. Sin embargo, ella tambien recorre un camino poco afortunado. Aqui damos con el detalle más delirante de esta historia y que nos conduce a la total pesadilla: el amante, quien podría ser un nuevo y misterioso personaje, en realidad se trata de una impresionante criatura de aspecto grotesco, bien servida por el especialista italiano Carlo Rambaldi, quien ha colaborado en afamadas peliculas como "Dune", "Alien" y la recordada "E.T.". La aparición de este perturbador elemento fantástico no hace sino confirmarnos que estamos ante una historia nada convencional, un relato que llega a ser extremo y bizarro, como se aprecia en una intensa secuencia en el metro de la ciudad donde se despliega un momento de horror muy impresionante que hasta puede resultar nauseabundo. En principio, ya existe cierta complejidad de situaciones y caracteres que incluye a un personaje como Helen, la maestra de danza, quien es idéntica a Anna con la sola excepción de unos intensos ojos azules, y una atmosfera enrarecida que se puede apreciar en todo el metraje; sin embargo, el film adquiere un tono aún mas siniestro a partir del momento en que el terror en las sombras se muestra tal cual es para satisfacer una curiosidad que resulta mortal.

Cabe hacer un comentario con respecto al detalle de la aparición de la misteriosa doble de cuerpo. Es un asunto que nos conduce directamente al mito del "doppelganger", una leyenda de origen germánica según la cual toda persona posee un doble maligno, y cuyo encuentro en algún momento de la vida resulta fatídico.

La gran pregunta es ¿de dónde proviene esta abominación que es capaz de apoderarse de una bella mujer como Anna?. Ante las múltiples interpretaciones que se pueden obtener a partir de lo que nos es sugerido en imágenes, una respuesta podría ser que una desconocida dimensión se ha abierto en aquel frio y hermético lugar, que le ha permitido a la joven esposa aquella posibilidad de remodelar vilmente su entorno. La oportuna aparición del doble no es más que una maquinación proveniente del más alla, donde se ofrece a Anna el poder concebir sus deseos más profundos, y ocurre tambien en cierto modo cuando Mark logra acercarse a la frágil y bella maestra de danza; todo ello, por el contrario, no sería mas que un hábil plan para conseguir la suplantación en este mundo de estos desafortunados seres por parte de aquellas misteriosas entidades. Estaríamos ante otra "invasión de usurpadores de cuerpos", y de nuevo, a recordar la presencia del gran muro. Para la joven pareja, la búsqueda del amante concluye con el deseo definitivo, el cual se abre paso en la vida de éstos protagonistas por encima de la razón.

Pero, sin llegar a ser tan alucinados o dementes, podría decirse que esta historia es toda una métafora acerca de la terrible circunstancia que atraviesa una pareja ante una crisis provocada por la infidelidad. Esta es una situación que, sin duda, desata desconcierto, temor y odio, donde se crean fantasmas o terribles monstruos que acechan la vida familiar, una situación que lo corrompe todo, sobretodo al ser amado, convirtiéndose en alguien completamente distinto, si bien hay que reconocer que es algo que se forja desde dentro, y donde la propia pareja deberá aceptar su responsabilidad, por muy dura que sea.

El resultado de esta impresionante experiencia visual obtuvo premios, como en el festival de Cannes, a la mejor actriz otorgado a la bella y talentosa Isabel Adjani, cuya doble labor como Anna y Helen resulta inolvidable. Zulawski debió conformarse con la nominación a mejor director, lo que sin duda ya es todo un logro. Asimismo, el premio Cesar fue concedido a Adjani, asi como el reconocimiento en el Fantasporto, donde Zuwlaski si obtuvo el premio a su trabajo.

Isabel Adjani, la bella actriz francesa, no sólo realiza una destacadisima actuación; su presencia se convierte en lo más bello y al mismo tiempo en lo más desconcertante del film. Asimismo, no hay que olvidar el gran trabajo hecho por el actor Sam Neill, en su papel de esposo engañado. Nacido en Irlanda del Norte en 1947, pero habiendo desarrollado su carrera entre Nueva Zelandia y Australia, antes de llegar a Hollywood, Neill es reconocido por muchos gracias a su extensa filmografía, que acumula titulos de culto como pocos actores han logrado. Aqui logra momentos muy brillantes en medio de aquel ambiente de misterio. Destaca tambien el actor Heinz Bennet por su histrionismo al caracterizar al personaje de Enrique, aportando su gran presencia.

El director Zulawski realiza una propuesta muy personal en esta pelicula, alejandola de cualquier convencionalismo. Abundan los primeros planos, pues visualmente resulta muy descriptiva. Es violenta en extremo, es muy exigida a nivel de actuaciones, resulta terrorifica cuando tiene que serlo, y cuenta una historia que concluye con un final abierto e intrigante como pocos. La bella fotografía estuvo a cargo de Bruno Nuytten, quien por entonces era pareja de Isabel Adjani, lo que incluso los llevó a trabajar juntos posteriormente, cuando ya como director realizó la pelicula "Camile claudel", en 1988. La pelicula casi prescinde de la música, pero esta presente por obra del compositor Adrzej Korzynski.

"La Posesión" es una muy intensa película que merece ser apreciada. Y luego, a reflexionar sobre ella.

10 peliculas raras, según creo

Bueno, el amigo Igor Von Slaughterstein, del blog Haunted House http://hauntedfilms.blogspot.com/ , nos ha hecho el honor de hacernos participar en la elaboración de una lista acerca de las 10 peliculas más raras que hayamos visto. Para esto creo que puedo tomar en cuenta dos cosas, primero, que una "pelicula rara" bien puede ser aquella que contenga un argumento poco convencional y sujeto a diversas interpretaciones, según se mire, o quizás pueda resultar visualmente muy particular y estilizada, lo cual tambien la convertiría en lo que se diría una rara avis. Al mismo tiempo, tambien podemos entender como "pelicula rara" a aquella que ha resultado poco comentada, vista o quizas se haya convertido en olvidada e inubicable, a medida que ha transcurrido el tiempo. De ésto último diria que es muy poco lo que podría aportar, pues no creo haber realizado un hallazgo de aquellos, a la fecha. La mayoria de las peliculas que he visto son mas o menos reconocidas. Tal vez haya peliculas un poco dejadas de lado, y en ese caso comento algo sobre ello. (A propósito, me he enterado via Pasadizo que al parecer se ha encontrado por fin "London after midnight" con Lon Chaney¡¡¡ :http://www.pasadizo.com/foros/viewtopic.php?t=10971. Bueno, ya veremos si es asi). El fin de semana estuve pensando qué peliculas podría incluir en ésta lista, y a medida que lo pensaba la lista iba variando cada vez más. Eso si, he quitado a Lynch y a Cronenberg, que son capaces de ocuparme toda la lista. Al final, es mejor que de una vez postee lo que tengo actualmente, ya que de lo contrario nunca me voy a decidir. La preferencia la tiene la temática del blog, es decir, cine fantástico y de terror, salvo ciertas excepciones. Esto no es un ranking, pensaba hacerlo asi, pero me decidí a que mejor no, no es necesario. Y quizas, lo que para mi sea raro no lo sea para otros, pero es lo que recuerdo y considero por ahora. Va como sigue:

La reina del espacio sideral (1958)

Frikada. Pelicula curiosa, ciencia ficción cincuentera de bajo presupuesto. Tiene una pinta pobrisima y los actores están pésimos. Lo bueno es que las chicas son guapisimas, usan minifalda y ¡¡son extraterrestres¡¡¡. Las chicas rebeldes del planeta Venus son lideradas nada menos que por Zsa Zsa Gabor¡¡¡, bellísima¡¡¡. Me parece que es parodiada por John Landis en su filme "Amazonas en la Luna". Es rara por ser como es...rara.

Matadero 5 (1972)

La adaptación de la novela de Kurt Vonnegut, dirigida por George Roy Hill. No he leído la novela aún, pero la pelicula es de interés ya que es la historia de un hombre que se encuentra en plena segunda guerra mundial, pero que a la vez recorre distintas épocas y lugares, gracias a que unos extraterrestres lo obligan a viajar a través del tiempo. Ello le va a permitir reflexionar acerca de las consecuencias de la guerra sobre su vida, la cual quisiera que sea tan simple, tranquila y sencilla, y deseando compartirla con la mujer de sus sueños, una bella actriz vista en una pelicula; pero el fantasma de la guerra no quiere abandonarlo. Un drama con toques de fantasia que no desentonan. Lo raro es que poco se haya comentado sobre ella.

El topo (1968)

Clásica cinta de los cine clubs, un western atípico influenciado por la estética del cómic, para una historia alucinada. Escribe, dirige y actúa Alejandro Jodorowski. Demás esta decir por qué resulta rara. Su fama lo precede.

Fantasma del paraiso (1974)

Clásico de Brian De Palma, impresionante puesta en escena de una fábula terrorifica al ritmo de la música más impactante, obra del compositor Paul Williams. Setentera al 100 por 100. Estrambótica y maravillosa al mismo tiempo, delirante y fascinante.

The devils (1971)

Aterradora. Y no es del género del terror. Es un drama que narra un episodio histórico terrible y monstruoso. Gran dirección de Ken Russell, director que ha pasado por Cannes y todo eso, formidable trabajo de sus actores (increibles Oliver Reed y Vanessa Redgrave), una puesta en escena impecable. Pero, eso si, hay momentos que pueden, qué digo pueden, hieren la susceptibilidad moral y religiosa del espectador, mejor abstenerse si pueden sentirse ofendidos. En serio, no es un decir, es lo peor que se ha visto en una pelicula, aunque no he visto muchas peliculas de eso que llaman "nun-explotaition" eso es lo que se puede decir hay aqui. Advertidos.

Killer party (1986)

Tipica pelicula de terror adolescente ochentero, que mezcla el terror de las peliculas slasher con algo de "El exorcista", pues un ser maligno posee a una de las jovencitas miembro de una hermandad Alfa, Beta o Gama, una de esas, y la obliga a matar a sus compañeros. Vista hace años, re-vista hace unos pocos, hoy da risa lo mala que es, que hasta entretiene. Rara por lo poco comentada.

Six string samurai (1998)

Rareza que gusta a pocos, pero que a mi me resulta muy interesante. Debe ser porque soy casi incondicional del rollo post-apocaliptico. En un mundo devastado, alguien se proclama el rey, pero del rock and roll.... Asi que este samurai, que maneja muy bien el sable y la guitarra eléctrica, emprende un viaje a lo que queda de Las Vegas a reclamar su reino. En el camino encuentra mas de una amenaza. Rara, rarisima.

Down (2001)

Remake de un clásico ochentero del cine holandes llamado "El ascensor" sobre un ascensor asesino (¿?); es una máquina que se activa por si sola y mata a sus ocupantes. El mismo director Dick Maas dirige esta nueva versión para el mercado USA, con un reparto de actores que incluye a Naomi Watts y a Michael Ironside. Recien me entero que este remake no ha sido muy visto que digamos, hasta es dificil de hallar. Mal, muy mal. No es gran cosa pero entretiene, lo que ya es bueno.

Dust Devil (1992)

Terror que suelta elementos metafisicos por obra de su escritor y director Richard Stanley, el mismo de "Hardware". Algo incomprensible, pero visualmente interesante. Tambien es raro que Stanley no haya vuelto a laborar desde entonces. A ver cuando vuelve con algo de interés.

Starcrash (1978)

Delirio espacial del director italiano Luigi Cozzi. "Explotatition" del éxito de ciencia ficción de Hollywood "Star Wars", pero baratisima y con un acabado de risa. Rara por lo pobre y ridicula que resulta en varios momentos, donde lo mejor es ver a la bella Caroline Munro en su ceñido traje espacial. Tambien está David Hasselhof, en su etapa pre-"Auto fantástico".

Y bueno, debo proponer a alguien mas para seguir con las listas (EDITO : YA ESTAN HECHOS ). Ahi van :

- Tindalos : http://tindalos7.blogspot.com/2008/08/10-rarezas-filmicas.html

- The devils rides out : http://thedevilridesout.blogspot.com/2008/08/10-pelculas-raras-segn-mi-opinin.html

GRACIAS POR PARTICIPAR¡¡¡

Es todo por hoy. Saludos.

El Manitú (1978)

Titulo original: The Manitou (USA)

Otro título: Retorno desde la Quinta Dimensión (España)

Al interior de un hospital dos médicos observan desconcertados las radiografías pertenecientes a Karen Tandy, una mujer que presenta una extraña malformación ubicada en su espalda la cual crece día a día en forma inexplicable. Ella es amiga de Harry Erskine, un adivinador de poca monta que se gana la vida embaucando a su clientela conformada por señoras muy mayores de edad, quienes ven en él a un sabio y encantador consejero. Ambos personajes han mantenido una relación sentimental en el pasado, y deciden encontrarse nuevamente debido a las dudas de Karen sobre la operación quirúrgica a la que será sometida para extirparle el tumor en su espalda. 

Llegado el día en que la intervención se va a llevar a cabo, un evento sobrenatural dará inicio a los extraños sucesos que están a punto de ocurrir. En el consultorio de Harry, una anciana empieza a proferir palabras en un dialecto desconocido, y sale levitando de la habitación para caer por las escaleras y estrellarse en el primer piso. Desconcertado por lo ocurrido y con una extraña sensación, Harry acude al hospital, donde descubre que la operación no se ha realizado pues una fuerza maligna impide a los médicos acercarse al cuerpo de Karen.

Convencido de estar tratando con poderes inexplicables, empieza una investigación que lo conduce hasta un médico brujo descendiente de una tribu india, llamado John Singing Rock, el cual es su única esperanza para detener al espíritu demoniaco, el Manitú, que está a punto de llegar a nuestro mundo a través de Karen, lo cual desatará un terror cósmico sin precedentes.

A fines de los años 70`s, el cine de horror norteamericano continuaba explotando a mas no poder la temática sobrenatural, especialmente en lo referente a las posesiones demoniacas, echando mano a toda fuente posible. Nuevamente, la literatura se presentó en forma oportuna, esta vez por obra del escritor Graham Masterton, al publicar en 1975 su novela titulada "El Manitu", un relato que debe mucho a la mitología desarrollada por el gran Howard Phillips Lovecraft, aquella que nos habla de los seres llamados "los Primordiales", quienes habitaron este mundo en tiempos remotos, y que, una vez desterrados, ahora se esconden en dimensiones invisibles, mientras acechan esta existencia buscando la forma de volver y dar fin a la humanidad.

El tema central del regreso del mal, la venganza sobre el usurpador, la lucha dimensional, los rituales ancestrales y las ceremonias profanas, son las notas terroríficas más saltantes del mito lovecraftiano, y se encuentran en muchos de sus relatos, y en forma muy especial en su breve novela "El que acecha en el umbral". Esta impresionante historia de horror, que sabe incluir elementos propios de las leyendas indígenas de Norteamérica, recrea escenarios convertidos en bosques encantados, donde predomina la inquietud a causa de una maldad pura y estremecedora, cuya presencia corrompe la realidad en forma monstruosa. Es precisamente este relato el cual sirvió de inspiración al escritor Masterton para realizar su citada novela. El autor hace uso de la figura del médico brujo conocido como Misquamacus, y de la amenaza que representa su regreso del pasado; asimismo, la fuerza del mal que se invoca en el clímax terrorífico es, indudablemente, uno de los seres primordiales lovecraftianos. Según señala el escritor Charles P. Mitchell en su libro "The complete Lovecraft filmography", correspondería a Ithaqua, el monstruo de los hielos.

Como podemos notar, se trata de un relato de horror muy serio. Sin embargo, como ha ocurrido muchas veces, una cosa es la novela escrita y otra muy distinta es lo que puede resultar la adaptación cinematográfica, como veremos a continuación. Hablemos acerca del director William Girdler. Nacido en Norteamerica en el año de 1947, fue sin duda uno de los realizadores mas destacados del cine de terror de serie B surgidos en la década del 70, lo cual se deduce al tener en cuenta su productiva filmografía merecedora de una singular atención.

Su carrera dio inicio con el film "Three of a meathlock", una historia de horror escrita por él mismo, en el año de 1972. Volvería con otro título del género como es "El asilo de Satán" en el año 1975. Logró el apoyo del productor Samuel Arkoff, fundador de la mítica productora AIP, para la cual realizó las peliculas "Zebra killer" y "Abby", ésta última, una black-exploitation de la reconocida "El exorcista", que incluye a actores como William Marshall, el recordado "Blácula", Terry Carter, actor del film "Foxy Brown" y la morena Carol Speed. Su nombra ganaría aun mayor notoriedad gracias a otros titulos como "Grizzly, garras de la muerte", lanzada en el año 1976, en plena moda de animales monstruosos gracias a "Tiburon" de Steven Spielberg, y "El dia de los animales" en 1977. Más alla de considerar la dudosa calidad artistica de algunas de sus obras, era innegable el éxito economico que éstas habían logrado, lo cual fue suficiente para sus productores.

Embarcado en su nuevo trabajo, la adaptación de la novela de Graham Masterton, Girdler escribió su guion junto a John Cedar y Thomas Pope en tan sólo tres dias. Ubicado en la silla de director, dio rienda suelta a toda una experiencia visual muy particular, cuyo resultado se ha ganado un sinfín de críticas, pero al mismo tiempo ha logrado atraer a todo un grupo de cinéfilos cautivados por su desternillante puesta en escena, para quienes lo bizarro, lo torpe y lo irreverente constituyen todo un encanto digno de ser admirado. El relato puede dividirse básicamente en dos partes bien diferenciadas. La primera la constituyen tanto la presentación de los personajes protagónicos, así como el dar a conocer la intriga sobrenatural existente. Esto es desarrollado dentro de un contexto real, en exteriores del medio urbano, o al interior de espacios cerrados como el departamento de Harry Erskine, y en otros lugares donde la investigación es llevada a cabo. En estos momentos puede apreciarse el tono predominante del film: la intención por desarrollar una historia de horror que pretende ser muy seria, pero, contrariamente, se muestra desenfadada. Estos elementos irrumpen en forma delirante en ciertos momentos, como ocurre en la muerte de la clienta de Harry y su levitación con una extraña expresión en su rostro, o la secuencia de espiritismo donde el monstruo del más alla asoma su cabeza en medio de una mesa. El momento más logrado en base a un adecuado suspenso es el que se desarrolla en el hospital al dar inicio a la operacion del tumor en la joven protagonista. El resto de la investigación es narrada en forma ligera, donde lo más llamativo es la presentación de otros personajes para completar la peculiar galeria, en medio de diálogos explicativos sobre la extraña naturaleza del mal al cual se enfrentan. El encuentro con el indio John Singing Rock permite el inicio de la segunda parte del film.

En esta segunda parte la pelicula trasciende, hasta llegar a lo más representativo del cine bizarro moderno. Los hechos se desarrollan al interior del hospital en el cual la joven Karen se encuentra recluida por las fuerzas del mal a la espera del renacimiento de aquel ente maligno. Los esfuerzos de Harry Erskine y John, el brujo indio, al lado de los médicos para controlar aquella amenaza, se ven enfrentados al poder cósmico de Misquamacus, el médico brujo de 400 años, que revive del cuerpo mortal de Karen, en una escena que hace uso de efectos visuales poco convincentes técnicamente, pero suficientemente atractivos. La atmosfera opresiva y el toque sanguinario se aprecia en algunas escenas, mientras que los efectos de maquillaje sobre el inquietante huésped del más allá revelan a un actor de bajísima estatura en su intención por representar a un ser maligno de otra dimensión.

El caos que se desata al interior del hospital, que incluso llega a envolver en una ola de frio todo un piso del edificio, llega a su punto más alto con una extraña representación cósmica que irrumpe en la habitación, llenándola de estrellas y rayos luminosos, que hoy bien podrían verse en una discoteca. La otra dimensión es representada en forma alucinógena, con tuneles de luces al estilo "2001 odisea espacial" lo cual pretende emular, extraños efectos de sonido y para mayor delirio, un despliegue de poder cósmico que parece sacado de la ciencia ficción de bajo presupuesto, que finalmente muestra el singular despropósito de éste film. Sin embargo, a pesar de sus evidentes fallos, la pelicula logra lo que toda obra filmica busca: concitar la atención del espectador de principio a fin en base a un buen ritmo narrativo que no decae. Y en el mejor de los casos, logra la satisfacción de haber visto una experiencia visual llena de tropiezos y cierto mal gusto, pero divertida en su osadia.

Por si fuera poco, el filme cuenta con un interesante reparto de actores, como vamos a ver a continuación. En primer lugar, teniendo a su cargo el rol protagónico encontramos al recordado actor norteamericano Tony Curtis, considerado uno de los mejores actores de su generación y asimismo toda una estrella de Hollywood, que pudo ser visto en grandes producciones de primer nivel durante los años 50´s y 60´s, llegando al año 1969 con su destacada actuación en el filme "El estrangulador de Boston". En la década del 70 su aparición en la gran pantalla empezó a hacerse cada vez más escasa, por lo que su carrera encontró refugio en el medio televisivo. Allí se le recuerda por su participación en varios telefilmes, y protagonizando al lado del británico Roger Moore la serie "The Persuaders". Según esto, no resulta extraño verlo participando en una producción como la que nos ocupa, pero sin duda podemos afirmar que su labor no decepciona, ya que Curtis aporta suficiente credibilidad a su caracterización de Harry Erskine, incluso con ciertos toques de humor como se puede ver en las primeras secuencias, y lleva sobre sus hombros el desarrollo del relato.

Completando el reparto de actores, debemos mencionar la participación de Susan Strasberg, actriz que es más recordada por ser hija de Lee Strasberg, actor que fue maestro en el Actors Studio, e impulsor del método de actuación que adaptó de Konstantin Stanislavski, forjando actores como Al Pacino o Dustin Hoffman. Volviendo a la actriz, su rol resulta discreto en cuanto a su personaje, además de desaparecer durante buena parte del metraje de acuerdo al guion. Michael Ansara es el actor que encarna al indio John Singing Rock; Stella Stevens es Amelia Crusoe, quien ayuda en algún momento a Harry Erskine en su investigación. Y finalmente, destacamos la presencia de Burguess Meredith, veterano actor ya fallecido, de amplia trayectoria que incluya la saga "Rocky" con Sylvester Stallone. Aquí, el señor Meredith es un experto antropólogo que encuentra muchas explicaciones al misterio del Manitou. Cabe mencionar al actor que encarna al maléfico Misquamacus: se trata del actor de baja estatura Félix Silla, quien cuenta con una lista interesante de apariciones en muchas producciones, desde la serie "Los Locos Adams", donde es nada menos que "El tío Cosa", hasta ser el robot Twiki de la serie "Buck Rogers en el siglo XXV"; en cuanto a largometrajes, se le puede encontrar en rarezas como "The Brood" del canadiense David Cronenberg, y hasta en "Batman Returns" de Tim Burton, como un simpático pingüino de las alcantarillas.

El apartado técnico estuvo a cargo del especialista Richard Edlund, cuya trayectoria incluye filmes como "Star Wars" y "Battlestar Galactica", y posteriormente otros como "Poltergeist" y "Die Hard", hasta trabajos más recientes como "Air force one". La música corresponde a Lalo Schifrin, sin duda la banda sonora más mala que debe haber realizado en su vida, pues su sonido parece sacado de alguna producción televisiva de aquellos años. Por último, mencionamos que, con respecto a su director, el recordado William Girdler, falleció lamentablemente en un desafortunado accidente aéreo, al estrellarse el helicóptero en el que viajaba por las islas Filipinas, en busca de locaciones para su siguiente filme titulado "The Overlords", el cual, por lo que se sabe, iba a ser su incursión en el tema de los ovnis. Algo digno de verse, qué duda cabe, pero el destino no lo quiso. Así es la vida.