Meme cinéfilo

Gracias a la invitacion de Pliskeen del blog Amazing Movies vamos a responder la cadena dedicada a las peliculas de distintos géneros que alguna vez pudieran conmovernos. Por supuesto, se trata de una elección totalmente subjetiva de mi parte, asi que sin duda las peliculas que menciono no necesariamente son las mejores de su rubro pero si están entre las que más recuerdo, salvo excepciones más certeras a falta de donde elegir. Siempre es complicado elegir un sólo titulo pues hay diferentes opciones, y en cada cual se me hace mas complicado e injusto no mencionar otras peliculas, pero no hay lugar para señalar dos o diez de cada género, digamos, asi que tuve que tomar duras decisiones en muchos casos, sobretodo en el terror, en la sci-fi y en la de mejor pelicula de todos los tiempos, la cual por cierto es eleccion muy personal. Lo otro es que notarán que casi el 99% corresponde al cine norteamericano, inevitable de mi parte por la sobreexposición a su cine por todos lados. No dudo que si más adelante se hiciese otro meme parecido algunos titulos pudieran cambiar, pero de momento esta es mi selección. Aqui vamos :

Las reglas
•Decir quién me ha nominado al juego: Amazing Movies

Mejor película de todos los tiempos pasados, presentes y futuros del mundo conocido, por conocer y hasta de mundos paralelos: Darkman, el rostro de la venganza, de Sam Raimi

Mejor película de acción: Duro de Matar (Die Hard), de John McTiernan

Mejor película de aventuras: La Pandilla Alucinante (The monster squad), de Fred Dekker

Mejor película bélica: Pelotón (Platoon), de Oliver Stone

Mejor película biográfica: El Lunático (Man on the moon), de Milos Forman

Mejor película cómica: Mallrats, de Kevin Smith

Mejor película de ciencia ficción: Ciudad Tenebrosa (Dark City), de Alex Proyas

Mejor película deportiva: Rocky, de John G. Avildsen

Mejor película dramática: Golpes del Destino (Million dollar baby), de Clint Eastwood

Mejor película de gánster: Buenos Muchachos (Goodfellas), de Martin Scorsese

Mejor película histórica: The Devils, de Ken Russell

Mejor película independiente: Brick, de Rian Johnson

Mejor película de juicios: JFK, de Oliver Stone

Mejor película musical: Grease, de Randal Kleiser

Mejor película basada en un cómic o novela gráfica: Mundo Fantasma (Ghost world), de Terry Zwigoff

Mejor película basada en una obra de teatro: Casablanca, de Michael Curtiz

Mejor película romántica: Los Puentes de Madison (The Bridges of Madison County), de Clint Eastwood

Mejor película de terror: La Matanza de Texas (The Texas Chainsaw Massacre), de Tobe Hooper

Mejor película thriller: El Camino de los Sueños (Mulholland drive), de David Lynch

Mejor película de cine negro: Bésame Mortalmente (Kiss me deadly), de Robert Aldrich

Mejor película western: Los Imperdonables (The unforgiven), de Clint Eastwood

Mejor película animada: Metrópolis, de Rintaro

•Nominar a personas o blogs : Esperando que se animen a participar propongo a los siguientes blogs

Tíndalos
Devil rides out
Now and then, dear
El Glamour de Margo
Madhouse, casa de locos

Saludos¡¡¡¡

Criatura de la noche (2008)

Titulo original: Låt den rätte komma in (Suecia)
Otros títulos : Let the right one in (USA)
Déjame entrar (México, España)

"Criatura de la noche" es la mejor película de vampiros de la década pasada y con diferencia. Surgida en medio del furor de aquella saga vampírica de películas basadas en best sellers, que han puesto de moda los colores rojo y negro en las portadas de los libros, este filme también tiene una fuente literaria, aunque de remota procedencia y de austera presentación. Sin embargo, sus páginas contienen uno de los relatos fantásticos más estimulantes que se hayan escrito en los últimos años. La obra del escritor sueco John Ajvide Lindqvist es una cautivante historia acerca de la niñez incomprendida, del mundo particular que se aprecia a través de los ojos de un niño de 12 años con dificultades para relacionarse con su entorno. Haríamos bien en recordar aquellos días, esa simpleza con que se asume la vida, el poder de la imaginación que nos inunda, la pureza de los sentimientos que surgen en uno en base a cada nueva experiencia. De otro lado, también nos sirve para recordarnos el origen de nuestros temores, aquellos que probablemente marcaron nuestras vidas y que luego superamos en base al crecimiento, o que tal vez aún nos acompañan, cual cicatriz en el rostro.

Desde el punto de vista cinematográfico, "Criatura de la noche" es un ejemplar traslado de la literatura al celuloide, pues, al provenir de una brillante novela, se ha obtenido un guion maravilloso, que respeta y mantiene la esencia de su origen y que aún se enriquece para sus mejores posibilidades fílmicas, eliminando algún personaje y del mismo modo algunas situaciones. No en vano es obra del propio Ajvide, quien logra un feliz acuerdo con el director encargado de convertir la palabra en imagen.

Tomas Alfredson es un director nacido en Suecia, quien empezó su carrera en el medio televisivo. Su primer largometraje lo realizó en el año 1995 y sus trabajos anteriores se vinculan al género de la comedia y el drama, por lo que su incursión en el género fantástico ha sido más que sorprendente (quien desee, puede ver aqui un cortometraje suyo "Dear Mr. Barroso" del año 2005 en inglés : http://vimeo.com/9275678 ). El director ocupó tres años de su vida en la realización de esta historia de vampiros al quedar prendado de su inquietante fábula. Todo su esfuerzo ha sido recompensado con creces tras recibir el reconocimiento en numerosos festivales y el aprecio del público y la crítica internacional.

La pelicula es, ante todo, un notable cuadro acerca de la niñez en su aspecto más intimo y sombrío. Oskar (papel a cargo del notable niño actor Kare Hedebrandt) es un niño solitario y un introvertido estudiante, el cual es acosado por un grupo de niños perversos de su misma edad quienes se aprovechan de su timidez y de su paralizante temor para burlarse de él y agredirlo físicamente con total impunidad; ello produce en Oskar un temor al día a día, al mismo tiempo que germina en él un odio que quiere estallar. De ahi que conserve una pequeña daga con la cual imagina agredir a sus adversarios. En estas circunstancias llega al vecindario la misteriosa Eli: a primera vista, una niña de cabellos oscuros, quien llega a entablar una singular amistad con Oskar con la facilidad y la sintonía propia de los seres que guardan mucha afinidad. Porque Oskar y Eli a simple vista son polos opuestos, sin embargo, esencialmente guardan sentimientos comunes en sus soledades y en su esperanza por un giro a sus vidas.

Alfredson describe eficazmente la personalidad solitaria de Oskar: un hijo único de una pareja de padres separados, viviendo él con su madre, mientras que su padre mantiene un nuevo compromiso. La intimidad de su habitación y la soledad del frío patio de juegos son los escenarios en los cuales el niño da rienda suelta a su imaginación, en busca de dar forma a su propio mundo, donde prescinde de sus padres y es capaz de derrotar a sus enemigos. El director logra una atmósfera intimista en base a una habitación apenas iluminada, con un amplio ventanal que refleja la imagen de Oskar y su fragilidad en un mundo oscuro y tenebroso. Del mismo modo, el exterior del edificio de departamentos es un gélido paisaje nocturno cubierto de nieve donde las siluetas de los dos niños protagonistas se encuentran en medio de un completo aislamiento; es el instante en el tiempo y espacio hecho sólo para ellos.

El cuadro descrito respecto de Eli (la inquietante pequeña actriz Lina Leandersson) corresponde al de una niña especialmente singular. Posee una delicada presencia que irrumpe en la monotonía del pueblo, al cual llega acompañada de un extraño sujeto (un adulto de retorcidas manías, descritas al detalle en la novela, en la cual, incluso, llega a mayor brutalidad; aqui Alfredson prefiere sugerirlo en forma sucinta). Eli representa la fantasia terrorífica; el ser extraño que luce una juventud de pálido semblante como producto de la maldición eterna que la obliga a consumir sangre humana cada noche para poder sobrevivir. Es, por supuesto, un vampiro, cuyo apetito pondrá fin a la paz y quietud del pequeño poblado. No obstante, la pequeña Eli, tras su fantástica dimensión, no deja de representar un drama muy humano: vive absorta en su soledad y encerrada en su mundo, en medio de su infancia perpetua, física, que no mental. Atraída por Oskar, se convierte en su complemento perfecto, aquel quien le ayuda a reconocerse sin temor y que le permite revivir su humanidad, en lo que antes fueron noches solitarias y eternas. En retribución, ella le enseña a superar sus temores, a valorar la amistad y, también, a descubrir los diversos caminos de la sexualidad. Nuevamente, el director muestra estos elementos en su filme de manera sutil, en alguna línea de diálogo, en un cautivador encuentro nocturno y en una fugaz imagen.

"Criatura de la noche" es capaz de captar la simpatía del espectador hacia la pareja de niños protagonistas, la que nos hace olvidar las vidas de inocentes que cobra el apetito de la pequeña vampiresa, que se corresponde al de una fiera que caza porque no tiene otra alternativa. También podría interpretarse como la manera en que una vida monótona y sin aspiraciones sucumbe ante la vitalidad de la juventud, hambrienta de nuevas experiencias. Asimismo, la película presenta una nueva lectura del mito vampírico, donde el espectro no representa para el niño el monstruo de sus pesadillas, siendo este más bien el entorno que lo rodea. La mente abierta de Oskar es capaz de aceptar todo lo referente a Eli, tanto en lo humano como en lo inhumano: es acaso la mente progresista frente a la reaccionaria, aquella que aún duerme en el pasado, en su rutina diaria y en sus viejos rencores (como la rivalidad ruso-sueca, tema tratado en la conversación de vecinos).

En cuanto a sus técnicas, el filme se apoya en una puesta en escena de amplias tomas en exteriores, cuya duración se prolonga mientras se aprecia la tensión en la distancia; esto no afecta su ritmo, pues la narración se hace aún más cautivante en la profundidad de cada situación y en la limpieza de cada imagen. También es el trabajo que privilegia los rostros de sus protagonistas, en planos reveladores en medio del silencio, únicos y compartidos, empleando las técnicas cinematográficas más sabias, sin efectismos redundantes. Es una reivindicación del plano fijo, en estos tiempos en que proliferan dentro del cine de horror más comercial las tomas de pulso nervioso en su afán documentalista, cuando sabemos que lo más importante que un film muestra se construye en la medida de su coherencia; en esto Alfredson da una lección de cátedra, si bien es cierto que el cine sueco es tradicionalmente contemplativo y atmosférico. Por ello, el director logra reflejar la humanidad de sus personajes en forma conmovedora, dentro de una historia convincente.

Al mismo tiempo, la película es un relato fantástico con notables elementos terroríficos, en lo cual el director también sale triunfante, dotando de vitalidad a la fantasía (esos movimientos ágiles de Eli y sus "vuelos"), y logrando plasmar la sangre, la muerte y el horror con suficiente y justo poder de impacto (los ataques de la vampira en la nieve, el degollamiento de la primera víctima, la cama que arde en llamas y otros momentos), con logrados maquillajes, trucajes tradicionales e incluso efectos digitales bastante atenuados. Es notable ese trabajo que sabe mostrar el horror necesario, dejando a la imaginación las mayores impresiones, como ocurra al ocultar el horror con una puerta entreabierta.

El desenlace de este maravilloso filme es la consecuencia del pacto asumido: un horizonte de amplias posibilidades que nos deja deseando ver más de estos inolvidables personajes. No se pierda "Criatura de la noche", desde ya un clásico eterno del cine, en su más amplio sentido.

Thriller: a cruel picture (1974)

Titulo original : Thriller: en grym film (Suecia)

Otros titulos : They call her One eye (USA)

Madeleine (Frigga en el doblaje al inglés) es una jovencita que vive con un terrible trauma de abuso durante su infancia. Desde entonces, ella perdió el habla, y hoy vive protegida por sus parientes en una modesta casa dedicada a las labores del campo. Lamentablemente, su vida recae en la desgracia cuando encuentra en su camino a Tony, un proxeneta inescrupuloso el cual la engaña fácilmente para secuestrarla y convertirla en una adicta. Atacada, con un ojo menos al ser extraído por su secuestrador, y sometida a brutales sesiones con distintos sujetos, Madeleine decide llevar a cabo un plan para liberarse y asesinar a quienes destruyeron su vida. La frágil y humilde muchacha se ha convertido en un ser oscuro, un perfecto ángel vengador.

El director sueco Bo Arne Vibenius inició labores en el medio cinematográfico como ayudante del cineasta Ingmar Bergman, compatriota suyo y considerado el más importante representante de su cinematografía nacional. Se acredita como asistente del director en el film "Persona" y como director de unidad en "La hora del lobo". Del mismo modo, Vibenius apoyó a otros directores y realizó labores de producción, hasta que a fines de los 60´s realizó su primer largometraje titulado "Hur Marie träffade Fredrik"(¿), que el imdb cataloga como una "fantasía familiar". Ya en plena década de los 70´s, el realizador se desliga completamente de la temática de aquel primer trabajo y se enrumba por caminos mucho más tortuosos. Pese a ello, la figura de Bergman parece estar presente cuando se recuerda que el célebre cineasta es el autor de "El manantial de la doncella", obra inspiradora para el cine setentero del "rape and revenge"; y Bo Arne Vibenius cumple con un aporte importante en este tipo de historias, como diciéndonos que no podía hacer menos.

Suecia y los Países Bajos se han ganado la fama de ser paraísos de liberalidad. Durante los años 60`s e inicios de los 70`s la industria cinematográfica de esta parte de Europa vivió un singular periodo que involucró una revolución del cine adulto en cuanto a historias y apuestas visuales, donde estos temas fueron abordados sin ataduras y con total libertad gracias al apoyo de sus gobiernos, al establecer el sistema de censura y clasificación para las exhibiciones comerciales. Y en especial, la imagen del cine para adultos hecho en Suecia prácticamente se ha vuelto emblemática. En los años setenta, el mayor éxito estaría reservado para el cine hecho en Italia y Norteamérica. Pero eso es otra historia.

En 1974, la apreciable Christina Lindberg era ya una figura consagrada dentro del circuito de películas hechas en Suecia. Distintos títulos habían mostrado su belleza espléndida haciendo de esto el principal gancho para las audiencias. Ahí están en el recuerdo películas de interés como "Exponerad"http://www.imdb.com/title/tt0067076/ o "Maid en Sweden"http://www.imdb.com/title/tt0064624/. Convertida en un objeto de culto, la actriz llegó a formar parte de una inusual producción japonesa titulada "Sexo y furia", donde su encantadora presencia encarna a un agente secreto en el Japón de inicios del siglo XX, en medio de una intriga de venganza. De acuerdo a la ficha de imdb, Lindberg acumula 17 títulos durante los años 1970-1974, buena muestra de la popularidad que había alcanzado. Con estos antecedentes, el papel de Madeleine en "Thriller, a cruel picture" luce perfectamente adecuado para la actriz. Tras el éxito, Lindberg se retiró de estos menesteres en busca de papeles más dramáticos; intentó estudiar teatro, pero no lo consiguió, continuando su camino como modelo para revistas. Posteriormente se dedicó al periodismo, hasta su matrimonio con el dueño de una revista especializada en aviación, la más importante de Suecia, de la cual se volvió propietaria y editora en jefe.

"Thriller, a cruel picture" nos narra una explosiva historia de venganza, contando con un elenco de actores desconocidos, encabezados por la sensual Christina. Esto es cine de explotación al tope; sin embargo, la inspiración está presente en la mente del director, y por ello la experiencia cinéfila que deja este film se vuelve impresionante e influyente para el cine posterior. Si, ya sabemos, otros como Quentin Tarantino, los hermanos Wachowski, John Woo, y todo aquel que se sienta atraído por la combinación del cuero negro y las escopetas.

Indagando al respecto, descubrimos que esta historia escrita por el propio director tiene un interesante antecedente en la producción japonesa de los hermanos Shaw (los mismos de "Kung-fu contra los siete vampiros de oro"http://www.imdb.com/title/tt0070297/ y "El grandioso hombre de Pekin"http://www.imdb.com/title/tt0076164/), correspondiente al año 1972, titulada "Confesiones intimas de una cortesana china"http://www.imdb.com/title/tt0068744/, que cuenta la historia de una jovencita secuestrada y convertida en cortesana a las órdenes de una malvada madame y perfecta asesina; la protagonista finge resignarse a su cruel destino, pues secretamente conjura lo que será su venganza de aquellos que la han deshonrado. En términos generales, las similitudes con el argumento de "Thriller, a cruel picture" son notables, cambiando escenarios y, sobre todo, la espada por las armas de fuego. Ya tocará ver este antecedente.

Notable de principio a fin, donde los espacios cerrados son habitaciones oscuras y apenas iluminadas, de camas desordenadas y sábanas sucias, donde Madeleine es atacada por brutales sujetos de rostros anónimos, así como sufre la violencia de otra mujer joven como ella, pero enfermiza y perversa. Quien fuera una silenciosa niña, sufre en la soledad donde la desdicha da paso al odio, y lleva a cabo en forma metódica los pasos necesarios para cumplir su venganza. Resulta propicia la imagen que caracteriza a este personaje: oscura, bien armada y casi ciega como la justicia en su balanza. El film también expone espacios abiertos, donde el bosque y las carreteras son lugares de paso, primero hacia la oscuridad y luego hacia la determinante lucha contra sus opresores. La última media hora está compuesta por secuencias que muestran a la joven liándose a tiros cual western de Sergio Leone, de pistoleros silenciosos y de horizonte incierto, pero letales contra sus enemigos.

En este caso, la película convierte a una frágil mujer en un ser invulnerable y a prueba de balas; capaz de enfrentar a los hombres en su terreno, el de la superioridad física, y derrotarlos en combates dignos de ser vistos cuadro por cuadro. Así lo entiende el director cuando recurre a la cámara lenta y nos muestra la caída del macho pervertido frente a la furia liberadora de esta mujer; no importa si para ello el guion se toma más de una licencia con el fin de conducir los hechos en la forma más conveniente para su protagonista. Hay que sumar unos villanos que resultan bastante ingenuos en los momentos de crisis. Lo importante es el efecto logrado: Madeleine reivindica su físico, recuperado como instrumento para limpiar su honra, cuando su cuerpo es disciplinado por las artes marciales, y hasta su único ojo es bien entrenado para la ejecución. En este aspecto, Christina Lindberg cumple con su papel, dando dignidad a su personaje tan sólo gracias al registro de su inexpresivo y bello rostro.

Sin ocultar la modestia de recursos vista en la realización del filme, Bo Arne Vibenius realiza uno de los mejores productos del cine de explotación, de violencia explosiva, destapes y momentos de alto contenido censurable. Una historia de dureza y frialdad donde no hay lugar para sentimiento noble alguno. Esta injusticia sólo puede dejar una cosa en el camino: una figura oscura que contempla un paisaje árido y desolado, tanto como su propia alma.

El dia de la mujer - Escupiré sobre tu tumba (1978)

Titulo original : Day of the woman (USA)
Titulo alternativo : I spit on your grave (re-edición de 1980 USA)
Otros titulos : The rape and revenge of Jennifer Hill (USA)
La violencia del sexo (España)

Jennifer es una joven y bella escritora que decide dejar la ciudad por unos días y alojarse en un paraje silvestre, en busca de paz e inspiración para realizar su nueva novela. Durante su primer día conoce a dos sujetos, quienes posteriormente serán participes de su peor pesadilla, cuando ella resulta atacada brutalmente en medio del bosque por cuatro delincuentes, los cuales tras un martirio que parece eterno la abandonan creyéndola muerta. Jennifer despierta convertida en otra persona, la cual tiene en mente un único propósito a seguir: vengarse de sus atacantes. Un siniestro plan toma forma en su mente, haciendo de la frágil escritora un ángel vengador surgido en medio de aquel paraíso.

Un día de aquellos hace muchos años, el entonces aspirante a director de cine Meir Zarchi recorría las calles de la ciudad de Nueva York en el vehículo de un amigo cuando, al pasar junto a un parque, vio a una mujer que se arrastraba y surgía de entre los arbustos; la joven estaba desnuda y su cuerpo lucía heridas sangrantes, además de tener rota la quijada. Sin dudarlo, Zarchi y compañía la auxiliaron y condujeron al hospital más cercano, previa parada en una comisaria donde, más bien, se perdió tiempo en atenderla. La investigación reveló que esta mujer había sido atacada por un grupo de delincuentes, quienes la encontraron sola, esperando a su novio. La impactante experiencia quedó grabada en la mente del cineasta, quien poco después se dedicó a escribir un guion el cual, posteriormente, se convirtió en su film de culto titulado "Day of the woman".

El primer largometraje del director Meir Zarchi encontró toda una firme oposición. Al día de su estreno, siendo pobremente distribuida por él mismo y eliminando minutos para cumplir con la MPAA, la película pasó desapercibida en las salas de cine; años más tarde, es decir en 1982, la distribuidora Jerry Gross Organization, los mismos productores del clásico bizarro "I drink your blood", se hicieron con los derechos para un reestreno, renombrando el film como "I spit on your grave" y exhibiendo la versión sin cortes del director con una mayor campaña publicitaria, lo cual llamó más la atención del público. Sin embargo, no tardó en convertirse en una de las cintas más repudiadas en Norteamérica y en el mundo, siendo acusada de un machismo exacerbado y de, supuestamente, hacer una apología a la violencia sobre la mujer. De más está decir que esto funcionó del revés, atrayendo más gente a las salas de cine. Diversas voces se alzaron atacando a este film y a la ultra violencia que invadía las pantallas, principalmente por productos del género del horror. Tal como puede verse en el documental "Going to pieces: the rise and fall of the slasher film", se llegó a señalar que estas películas eran hechas por gente que odiaba a las mujeres debido a cierta incapacidad mental, por lo que se satisfacían con verlas sufrir terriblemente en la pantalla grande y a todo color. Las críticas señaladas eran hechas por respetables críticos de cine norteamericanos como George Siskel y Roger Ebert, quienes rechazaron tajantemente "Day of the woman", al punto de comandar una campaña para retirarla de las salas, cosa que finalmente lograron. Ebert llegó a calificarla como "la peor película jamás hecha". Para Meir Zarchi, estas no eran precisamente criticas cinematográficas sino sólo insultos y agravios. Por si fuera poco, la exhibición uncut del film llevó a una controversia legal con la MPAA.

De este modo, el escándalo sobre el film se hizo extensivo, llegando a prohibirse su exhibición en países como Canadá, Australia y Alemania. Tiempo después pudo estar al alcance de mayor público a través del mercado doméstico del VHS, bajo cuyo formato se editó en varias oportunidades hasta la aparición del DVD. Ello no ha implicado un cambio en las opiniones acerca de la película. Sin embargo, hoy en día llama la atención recordar esta campaña mediática de censura sobre un film más bien modesto en recursos, lo cual forma parte, a la larga, de lo que posteriormente ha sido la corrección política que impera en la mayor parte de producciones norteamericanas, sobre todo en el cine de amplia distribución, desde los años 90`s y en buena parte de lo que va este nuevo milenio, lo que podría tomarse como una política educacional hacia los espectadores, en estos nuevos tiempos.

"El día de la mujer", más conocida como "Escupiré sobre tu tumba", a pesar del tiempo transcurrido no deja de ser un filme interesante. Ello básicamente por los temas propuestos los cuales saltan a la luz del día soleado en aquel paraje natural, el cual siendo muy sosegado se convierte en salvaje. Uno de estos temas adjudicados al filme ha sido el machismo, que en este caso sería de lo peor, donde los cuatro sujetos delincuentes ven a la joven Jennifer como un objeto a su disposición, ignorando cualquier otro aspecto suyo, burlándose de su capacidad de escritora, y sólo contemplándola como la victima de sus bajos deseos. Incluso, finalmente, deciden eliminarla sin mayor remordimiento por su vida, aunque la cobardía de todos ellos pudo interferir en el cumplimiento de este plan, echándolo a perder. De otro lado, también es notorio que a este machismo se enfrenta un feminismo que resulta no menos sobresaliente, donde la mujer muestra una capacidad para llegar a convertirse en un ser frio y calculador, que emplea su poder de atracción sobre aquellos bobalicones, con el fin de obtener venganza. Los hombres son mostrados como seres de una debilidad mental alarmante, no sólo uno de ellos el cual sufre evidente retardo, sino todo el grupo por la forma en que caen fácilmente ante el encanto de la joven belleza. Curiosamente, este elenco masculino está conformado por actores sin experiencia previa, los cuales tampoco desarrollaron carrera actoral alguna luego de esta película.

Al mismo tiempo, es notable el prejuicio de la superioridad de lo urbano o civilizado sobre lo rural, pues Jennifer es vista como una culta escritora que desciende a los niveles de un grupo de brutos, salvajes y asesinos, prácticamente en un entorno sin ley, siendo víctima de ellos, pero llegando finalmente a superarlos. Aunque esto es un recurso común a muchos filmes de horror, donde el viajante citadino cae en una trampa mortal cuando llega a territorios rurales habitados por peligrosos seres, que van desde asesinos en serie hasta caníbales salvajes. Podría decirse que el director Meir Zarchi busca emparentar su filme con estas historias de horror que siguen la línea de películas como "Las colinas tienen ojos", "La masacre de Texas", " Trampa para turistas", etc. Sin embargo, la fuerte connotación sexual y el tema de la venganza resultan tan impactantes que, inevitablemente, la mayor referencia del filme termina siendo el "rape and revenge" de una película como "La última casa a la izquierda" de Wes Craven.

Finalmente, la mayor controversia se concita en el ataque brutal sobre la protagonista, en reiteradas veces con suma crueldad y en un espacio de tiempo que parece prolongarse eternamente. Es en estas difíciles secuencias donde las críticas más feroces apuntan sus dardos, acusando al filme de glorificar el acto violento o buscar el disfrute de la brutalidad sobre el cuerpo femenino, que luce magullado, sucio y sangrante. Sin embargo, el crítico cinematográfico Joe Bob Briggs, especializado en las llamadas "B-Movies", señala en forma contraria a los detractores que "Day of the woman" no es culpable de sus acusaciones: las prolongadas secuencias carecen de partitura musical (cierto), en realidad, todo el filme prescinde de música, mostrando el relato en forma fría con el fin de evitar ser tendencioso en forma evidente. Por el contrario, las imágenes muestran a los violadores como sujetos convertidos prácticamente en salvajes desposeídos de humanidad. Mientras tanto, el rostro de Jennifer Hills refleja todo el sufrimiento y dolor extremo al cual es sometida: es en ella donde se centra la atención del ojo fílmico, haciéndonos sensibles al martirio de la desafortunada mujer. De esto se desprende, contrariamente, que el film busca acercar al espectador a su protagonista y a su terrible experiencia, y para nada ser partes de la horda de delincuentes. La apuesta de Meir Zarchi es hecha con entera libertad y con toda crudeza posible, logrando que el resultado sea un filme impactante, y este es su mayor mérito. Particularmente, prefiero un filme que me impacte a uno que me aburra hasta el sueño.

No obstante, a diferencia de sus virtudes, "Day of the woman" desarrolla una historia repleta de situaciones que resultan poco creíbles, que más bien se reconocen como parte de un efectismo para ilustrar la efectiva venganza sobre los desalmados. Es decir, en contra de la lógica, la victima siendo una frágil mujer no acude a la policía, y en vez de ello se convierte en una fría asesina, capaz de maquinar una venganza calculada, no sin antes pedir perdón a Dios en una iglesia por lo que va a realizar. Por un lado, que una mujer es capaz de sorprender a un hombre no me cabe duda, pero en esta historia la situación luce más bien forzosa en sus situaciones de engaño y de cebo puesto para el castigo, más aún al apreciar con qué facilidad se logran los planes trazados.

Ahora, ¿funciona esto en beneficio del filme?: pues diría que, en su credibilidad, de ninguna manera, pero en su poder de atracción para lograr una audiencia cautiva, incluso a pesar de su tono narrativo parsimonioso, pues, vamos que sí. Definitivamente no te lo crees, pero ello no afecta su capacidad de llamar la atención. Quizás con esa facilidad con que suelen resultar atrapantes muchas historias de venganza, que despiertan emociones encontradas por su ambigüedad moral sobre lo correcto y lo incorrecto, como el horror del ataque brutal, el deseo de justicia y la venganza violenta sobre el culpable. El filme hoy en día puede ser visto por el público actual como una película muy de su tiempo: de planos abiertos, de prolongadas secuencias que atienden al detalle, que casi prescinden de los diálogos, y de situaciones forzosas a la hora de resolver, pero sin duda es una pieza clave para este subgénero, tan maltratado y visto con recelo por buena parte del público, pues más allá de ese temor a los temas escabrosos esta la capacidad del director de turno para despertar sensaciones extremas en el espectador, por supuesto que a partir de un tema difícil y sensible, pero el cine que busca reflejar muchos aspectos del temor humano no obvia en abordarlos.

Si una balanza imaginaria buscaría someter al peso tanto virtudes y defectos de "Day of the woman", sin duda la actuación de su protagonista, la joven Camille Keaton, inclina el lado positivo casi en forma rotunda. Porque es la bella actriz, nieta del astro de la comedia norteamericana Buster Keaton, quien realiza todo su esfuerzo en una actuación tan angustiante que logra reflejar el dolor y el terrible sufrimiento de esta mujer violentada. Del mismo modo, Keaton se pasea cómodamente por los distintos registros de su personaje: desde la sencilla escritora que busca paz y quietud, hasta convertirse en un ángel vengador, encantador y al mismo tiempo implacable con sus victimas, cosa que refleja muy bien en su bello rostro. Si, porque es una actriz muy bella, a pesar de las informaciones que señalan el haber sido víctima de un accidente automovilístico lo cual lamentablemente marcó su cara, cosa disimulada con maquillaje, aunque la cicatriz sirvió como un detalle para su actuación en el momento traumático. Keaton fue vista por primera vez en forma destacada en el año 1972 en un clásico del giallo italiano titulado "Qué habéis hecho con Solange" : http://eldiariodedarkerr.blogspot.com/2007/08/que-habis-hecho-con-solange-1972.html. Su corta filmografía incluye muchos trabajos en el cine italiano, entre los cuales destaca un filme tan interesante como es "Ceremonia trágica" de Riccardo Freda: http://www.cinema-nocturna.com/tragiccememony_review.htm. Finalmente, para este año 2010 se anuncia su regreso a las películas con el thriller titulado "Chop" http://www.imdb.com/title/tt1544578/. Camille Keaton se casó con el director Meir Zarchi luego de filmar "Day of the woman", lo cual es señal de la compenetración que surgió entre ambos para realizar este filme y es, cualquiera diría, otra prueba que nos muestra el feminismo triunfante que realmente se desprende de esta película. Lástima que años más tarde se produjo el divorcio entre ambos; cosas de la vida real.

Actualización: se realizó una secuela en el año 2019, que reunió nuevamente al director y a la protagonista. Ya la comentaremos próximamente.

Feliz Cumpleaños George A.Romero¡¡¡¡

Son 70 años los que cumple el padre de los zombies modernos el dia 04 de febrero. Años bien llevados por cierto, suficientes para cambiar el cine de terror y crear un subgénero que no muere, como sus monstruos.

Enlaces sobre la clásica trilogía zombie :

- La noche de los muertos vivientes :
http://eldiariodedarkerr.blogspot.com/2006/10/el-mundo-se-vuelve-zombie-la-noche-de.html

- El amanecer de los muertos :
http://eldiariodedarkerr.blogspot.com/2006/10/el-mundo-se-vuelve-zombie-el-amanecer.html

-El dia de los muertos :
http://eldiariodedarkerr.blogspot.com/2006/10/el-mundo-se-vuelve-zombie-el-dia-de.html

Y este fue el homenaje que se le hizo en el Scream Awards 2009, presentación hecha por Quentin Tarantino, quien no repara en elogios hacia el veterano director, como no podía ser de otro modo (..."one of the coolest, the craziest, the scariest america`s greatest original moviemakers of all times"...) :

No moriré sola (2008)

Cuatro jóvenes amigas emprenden un viaje por carretera el cual es interrumpido inesperadamente al encontrar el cuerpo de una mujer, víctima de unos sujetos que aparentan ser cazadores. Al huir del lugar, trasladando el cuerpo a la comisaria más cercana, ellas descubrirán que la peor pesadilla de sus vidas recién está por comenzar.

Tenía muchas ganas de ver, de una vez por todas, un trabajo del director Adrián Garcia Bogliano, realizador de importantes títulos del cine de horror latinoamericano como "Habitaciones para turistas", "Masacre esta noche", "36 pasos", entre otros. Tengo entendido que es español de nacimiento, aunque es hijo de padres argentinos, habiendo crecido en la ciudad de la Plata y desarrollado toda su carrera en Argentina, desde donde se ha dado a conocer. Convertido en uno de los más importantes representantes de un nuevo cine de horror, su primer guion lo escribió a los 19 años, el que correspondió a su obra "Habitaciones para turistas", cuya filmación le costó todo el esfuerzo inicial que conlleva una sufrida opera prima. El resultado obtuvo un rotundo éxito en festivales internacionales, pero con el revés de no contar con una adecuada exhibición en su propia tierra. A pesar de ello, García Bogliano y sus socios recibieron el apoyo necesario para dar inicio a una carrera en ascenso en cuanto a repercusiones y reconocimiento.

"No moriré sola" es su quinto largometraje (contando su "película de terror interactiva" llamada "Caja de acertijos" del año 2004), y en ella García Bogliano se atreve con un género ajeno a la filmografía de Latinoamérica, al menos que yo sepa, luego de dar nota con el slasher americano, el cine de fantasmas, la sicodelia y el cine bizarro. En todo caso, si alguien me pregunta por alguna película de "rape and revenge" sudamericana podré citar alegremente este filme. Suele recordarse como título emblemático de este tipo la setentera "Last house in the left" : http://pequenoscinerastas.wordpress.com/2009/07/07/los-monstruos-del-terror-domestico/, del año 1972, y también a la seguidilla de títulos ocurrida en aquella misma década que buscaron explotar dichas historias mórbidas, como ocurre en "Trampa para un violador" http://eldiariodedarkerr.blogspot.com/2006/08/la-casa-sperduta-nel-parco-1980.html, "El día de la mujer" http://www.imdb.com/title/tt0077713/, o "Violación en el último tren de la noche" http://www.imdb.com/title/tt0073836/, cada cual logradas en lo suyo, es decir, en reflejar crueldad, un ambiente hostil y enfermizo, así como en desatar la ira sobre las bestias de turno.

En el caso de esta película, García Bogliano logra un trabajo muy deudor de estas viejas raíces, actualizando la propuesta en un logrado ambiente rural sureño, donde, no una, no dos, sino cuatro chicas son violentadas por una banda de asesinos a sangre fría que dan rienda suelta a su lado más animal, en medio de un paisaje desolador. En cuanto a la narración, el director plasma su historia fríamente en cada uno de sus momentos, casi prescindiendo de musicalización alguna, y tomándose el tiempo posible en varias de las situaciones iniciales, aunque en ocasiones resulte una exageración (como ocurre en la comisaria). En forma similar ocurre en los momentos más tortuosos para estas mujeres, reflejando el dolor tanto como las heridas, el polvo y la tierra en los rostros de las víctimas. En ese sentido, el film es bastante correcto a sus intenciones de género y no lo traiciona, siendo una propuesta audaz y, digamos, valiente para una cinematografía latinoamericana más bien pálida en estos menesteres; y aunque suene redundante anotarlo, pues lo haré: resulta mejor en su contundencia que el infame remake de "Last house on the left" visto hace poco.

El protagonismo se centra en las cuatro jóvenes actrices, de las cuales Gimena Blesa y Marisol Tur son figuras recurrentes del cine de García Bogliano, mientras que Magdalena De Santo y Andrea Duarte cuentan con dos filmes en su filmografía. Sobre sus actuaciones, estas expresan el desconcierto, el sufrimiento y la rabia de la situación límite a la cual se enfrentan, y en función a ello resultan tan efectivas como lo fueron en su momento las actrices Sandra Peabody o Lucy Grantham del filme clásico de Wes Craven; no diré Camille Keaton de "Day of the woman", que su caso me resulta más memorable. En "No moriré sola" la violencia reinante, aquella que nace de la rabia, se desarrolla correctamente, y la segunda parte del consabido relato se resuelve en pocos minutos, a diferencia de la parsimonia mostrada en toda su hora inicial. Sobre la actuación de los malosos, pues digamos que son simples máquinas de tirar y matar.

En definitiva, consideramos a "No moriré sola" como un esfuerzo muy digno; una película valiente y un valioso producto de género. Además, mantiene la vigencia de este tipo de historias. Ambos aspectos constituyen su mayor aporte, y brinda mayor interés en la labor de Adrián García Bogliano, y su sincera propuesta de cine.

REC 2 (2009) : Las baterias siguen cargadas

En un estado de emergencia sin precedentes las fuerzas policiales se abren paso hacia el interior de un edificio en las calles de Barcelona, lugar donde fue reportada la desaparición de varias personas, incluidos oficiales, bomberos y una periodista de la t.v. local junto con su camarógrafo. Al mando de este reducido equipo se encuentra un hombre de acento extraño y maneras misteriosas que se identifica como un agente de sanidad, quien guía a los hombres armados hacia la búsqueda de un objeto aberrante el cual puede detener la amenaza diabólica que está a punto de liberarse de aquellas cuatro paredes y esparcirse por toda la ciudad.

Vuelve la dupla conformada por Jaume Balaguero y Paco Plaza; vuelve Manuela Velasco; vuelve el viejo edificio cubierto de rastros sangrientos y que alberga un gran número de cadáveres, pero no yaciendo en los pisos, sino deambulando por los corredores en busca de carne humana. Vuelve el horror de "REC": http://eldiariodedarkerr.blogspot.com/2009/03/rec-experimenta-el-miedo-2007.html en su esperada secuela titulada simplemente "REC 2", y lo hace con buenos bríos, utilizando la fórmula ya conocida, pero con suficiente ingenio y energía para ampliar las posibilidades de los sustos y sobresaltos. Peligrosa apuesta, pues podía caerse en la redundancia y cansancio. Si bien, "REC 2" en su conjunto no resulta mejor que su predecesora, si alcanza con esfuerzo y habilidad el digno nivel de espectáculo que hizo memorable este título.

Las correrías de las sufridas victimas al interior del edificio maldito se realizan en medio de un despliegue técnico y visual que cumple su cometido. Un nuevo relato, tenso y agobiante, se presenta a pocos minutos del final de la historia precedente, empalmándose adecuadamente. Se crea el ambiente propicio para presentar a nuevos personajes que descubren con mayor profundidad el siniestro secreto de la Niña de Medeiros, un asunto que ya se vislumbró a zarpazos en la primera entrega. Más sustos y sacudones al espectador en base al recurso de la cámara en mano, cual testimonio audaz de una situación escalofriante y de extrema violencia, plagada de imágenes chirriantes que sacuden. Ese empleo visual sigue tan ingenioso como la primera vez, conduciéndonos limpiamente a través de un guión que luce sin reparos sus influencias de las viejas peliculas de zombies, aunque esta vez el punto central nos muestre los referentes de "El Exorcista" de Wiliam Friedkin: http://eldiariodedarkerr.blogspot.com/2007/03/el-exorcista-1973.html, "Evil dead" de Sam Raimi : http://eldiariodedarkerr.blogspot.com/2006/09/evil-dead-1981.html y "Demonios 2" de Lamberto Bava: http://eldiariodedarkerr.blogspot.com/2006/09/demons-2-1986.html , pues ahora el muerto viviente adquiere un carácter más infernal, asunto que se vuelve significativo dentro del argumento, convirtiendose en la nota distintiva de esta nueva entrega. El bien contra el mal; la iglesia contra el demonio, que se traba en una lucha sangrienta pues al fin de cuentas es el conflicto final y las oraciones son insuficientes.

Balaguero y Plaza se las ingenian para no resultar repetitivos o previsibles, por lo cual apuestan por un relato con pulso más acelerado y más momentos de tensión respecto de su primera parte, en la cual había un mayor espacio para una aproximación a los personajes vinculados en la terrible circunstancia; aquí casi no hay tiempo para conocer a los nuevos protagonistas, pues, cual juego de video, avanzamos de un nivel a otro en busca de superar retos y amenazas mortales: como el ingreso al apartamento de la niña zombie, la incursión en el conducto de ventilación y, por supuesto, la vuelta al ático empleando luz nocturna. De este modo, todo el relato se convierte en una carrera, cual montaña rusa, que nos muestra escenarios ya conocidos pero que los recorre con nuevos sustos bajo la manga.

La breve presentación de un grupo de adolescentes, a través de un flashback servido por otra cámara, aporta un pequeño respiro, aunque al final resulte un simple recurso que poco aporta argumentalmente. Ese es el bajón de "REC 2": el aportar poco al dramatismo que aun podía notarse modestamente en la primera parte, con esa galería de vecinos cada cual, con sus temores y problemas, mientras que en esta ocasión hay total carencia de este tipo de personajes, centrando la narración casi exclusivamente en la sucesión de sustos y espantos; sin embargo, lo positivo es que ambos directores conocen este aspecto muy bien y saben manejarlo. Hay coherencia en el conjunto, tanto que cada episodio sanguinario resulta atractivo y aporta a la continuidad. Al final aceptamos el último giro, previsible sin mucho esfuerzo, pero que es bien llevado y resulta fiel al espíritu de la cinta anterior y de tantas otras películas de zombis.

Las actuaciones pueden resultar aún más histriónicas que en el primer film, donde había algo de novatada; pero los excesos son parte del carácter de esta película. De este modo, tenemos a dos policías exasperados al tope, convertidos en soldados ultraviolentos; un sacerdote que es capaz de volar cabezas a tiros (es decir, más efectivo que el padre Karras, al menos hasta ahí); y el regreso de la reportera Angela Vidal, quien sobrevive sorpresivamente, se vuelva más decidida y enérgica, y se convierte en pieza clave para resolver la crisis.

"REC 2" mantiene la energía de su predecesora y la incrementa a medida que transcurre el film; se las arregla para explotar aún mas el recurso de la cámara en mano con ángulos difíciles, ritmo trepidante y primeros planos impactantes, con un trabajo de fotografía muy pulido. Además, el sonido vuelve a ser un elemento importante para el efecto inmediato y el mayor sobresalto. Y por supuesto, el baño de sangre y el horror son llevados a mayores niveles, como sus realizadores habían prometido. Si bien es cierto que el argumento luce menos elaborado que su entrega anterior, aun resulta suficientemente útil para el espectáculo terrorífico levantado por sus directores, en lo cual ambos son artesanos muy curtidos, no quepa ninguna duda. Una buena y digna secuela que contradice el prejuicio contra las segundas partes. Sin duda, depende de quién o quiénes asuman la labor.