Desde Argentina, gracias al Blog Celuloide Mutante, nos llega esta interesante nota:
En estas vacaciones de invierno, preparate para el asombro y la magia con el estreno de EL APRENDIZ DE BRUJO
Con motivo de la llegada a los cines de la nueva película de Disney, los artistas de “Asombro Extremo” llevarán su show y su magia a puntos estratégicos de la ciudad, sorprendiendo a todos los que quieran ser parte de una experiencia única e inquietante.
Buenos Aires, 30 de junio de 2010.- “Asombro Extremo” un reconocido grupo de ilusionistas que combina magia, música, efectos audiovisuales y tecnología de última generación. A partir de julio, y como anticipo del estreno de EL APRENDIZ DE BRUJO en cines, este dúo, formado por Julián Ávila (Juliano) y Marcos Amadeo (Amador), realizará actos de magia en diferentes lugares de la ciudad, inspirándose en la temática del film.
Los días 17 y 18 de julio, los artistas, que vestirán ropa inspirada en la película EL APRENDIZ DE BRUJO, desarrollarán breves presentaciones en distintos puntos de la ciudad. El sábado 17, entre las 12 y las 15.30 hs., estarán en la esquina de las avenidas porteñas Santa Fe y Callao. El mismo día, a partir de las 16.00 hs., el dúo se presentará en Cabildo y Juramento, en tanto que el domingo 18, entre las 14 y las 16 hs, lo harán en la puerta del Shopping Abasto y entre las 16 y las 18 hs. en Alto Palermo Shopping.
En las estaciones de subte Congreso de Tucumán, Pueyrredón, Juramento, Diagonal Norte (Línea D), y en Alem y Florida (Línea B), se recrearán espacios destacados de la película y se realizarán shows con la participación de los espectadores. Para reforzar esta acción, se transmitirán clips de magia en los televisores de Metrovías, en los cuales los magos desarrollan trucos de ilusionismo inspirados en EL APRENDIZ DE BRUJO.
¡Los cines más importantes de Buenos Aires también estarán vestidos de magia! A partir del 3 de julio, entre las 13 y las 21 hs., los niños podrán aprender trucos de magia en los lobbies de las siguientes salas de cine, donde recibirán de regalo materiales que les permitirán reproducir en sus casas los trucos aprendidos: • Village Pilar: 3 y 4 de julio. • Showcase Norte: 9, 10 y 11 de julio. • Hoyts Unicenter: 17 y 18 de julio. • Hoyts Abasto: 21 y 22 de julio. • Hoyts DOT: 23, 24 y 25 de julio.
Además de todas estas presentaciones en la ciudad, durante los días 19 y 20 de julio, los magos recorrerán las librerías Yenny (los locales de Unicenter, Shopping Abasto, Gran Splendid y Cabildo y Echeverría), en donde se abrirá un “rincón mágico” en el cual se realizarán shows de magia para los niños.
EL APRENDIZ DE BRUJO, presentada por Walt Disney Studios, el productor Jerry Bruckheimer y el director Jon Turteltaub, es una innovadora y épica comedia romántica acerca de un mago y su desafortunado aprendiz, que son arrastrados hacia el epicentro de un antiguo conflicto entre el bien y el mal. Balthazar Blake (NICOLAS CAGE) es un maestro de la magia en la Manhattan de hoy en día, que intenta defender la ciudad de su máximo enemigo, Maxim Horvath (ALFRED MOLINA). Pero como él no puede hacerlo solo, recluta como su -algo reacio- protegido a Dave Stutler (JAY BARUCHEL), un chico aparentemente ‘normal’ y universitario promedio que demuestra sin embargo un potencial oculto. A él le brinda entonces un curso relámpago sobre el arte y la ciencia de la magia. Juntos, estos dispares socios deberán detener las fuerzas de la oscuridad. Esa misión requerirá todo el coraje que Dave pueda reunir para sobrevivir al entrenamiento, salvar la ciudad y conseguir a su chica, mientras se convierte en ‘El aprendiz de brujo’.
Estreno en cines: 15 DE JULIO DE 2010.
Las fechas de las presentaciones pueden sufrir modificaciones. Para confirmar días y horarios de por favor ingresar en www.disneylatino.com/elaprendizdebrujo
Acerca de Walt Disney Studios Motion Pictures Walt Disney Studios Motion Pictures forma parte de The Walt Disney Company (NYSE:DIS), y produce y distribuye películas bajo los siguientes rótulos: Walt Disney Pictures, Walt Disney Animation Studios, Disney-Pixar Animation Studios y DisneyToon Studios así como también Touchstone Pictures, Hollywood Pictures y Miramax Films. Walt Disney Studios Motion Pictures International opera como la distribuidora internacional de los estudios. Walt Disney Studios Home Entertainment distribuye los títulos de Disney y otros en el mercado de alquiler y venta de videos en todo el mundo. Disney Theatrical Productions es uno de los mayores productores de musicales de Broadway y Disney Music Group distribuye la música original de las películas a través de sus sellos discográficos: Walt Disney Records, Hollywood Records y Lyric Street Records.
Acerca de “Asombro Extremo” Es el primer grupo de ilusionistas de Latinoamérica que combina magia, música, efectos audiovisuales y tecnología de última generación. Sus espectáculos son entretenidos, asombrosos, originales e impactantes. En grandes escenarios o a centímetros del público, Juliano y Amador elevan al ilusionismo como arte y lo modernizan, dejando de lado viejos clichés y logrando en el público una verdadera sensación de Asombro Extremo. Luego de una amplia trayectoria se convierten en pioneros a nivel mundial en llevar el ilusionismo a medios no tradicionales. Sus videos son vistos por más de tres millones de personas por día en distintos medios de transporte y espera: Subterráneos de Buenos Aires, Aviones de Aerolíneas Argentinas.
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Maria Caserta E-mail: Maria.X.Caserta@disney.com Tel: 4814 8538
Lucas Mentasti E-mail: Lucas.X.Mentasti.-ND@disney.com Tel: 4815 8500 int: 8356
Defense Condition es el término en inglés que se refiere a la situación del sistema de defensa norteamericano. La Wikipedia (perdonen el nivel de investigación) asegura que este sistema registra diversos grados: desde el Def Con 5 que correspondería al clima estable o de plena normalidad, hasta el Def Con 1 que es la alerta nuclear total, nunca ocurrida, aunque se llegó al Def Con 2 en la llamada Crisis de misiles en Cuba" durante el gobierno del presidente John F. Kennedy, y a Def Con 3 durante la crisis del 11 de Setiembre del 2001; además, se asegura que Def Con 4 fue el estado de alerta predominante durante los años 80´s, en plena paranoia de la población norteamericana acerca de un posible ataque nuclear por parte de la Unión Soviética. Ese ambiente permitió la aparición de producciones cinematográficas como "Testamento" http://www.imdb.com/title/tt0086429/, o televisivas como "El día siguiente" http://www.imdb.com/title/tt0085404/, "América con K", todas ellas dirigidas a explotar ese temor. El consiguiente mundo devastado sirvió de escenario ideal para la ciencia ficción cinematográfica, desarrollándose una prolífica etapa de producciones dedicadas al "post nuke", no sólo en EE.UU. sino también en otros países. Después de todo, el innegable mejor ejemplo que es la trilogía "Mad Max" es australiana.
De este modo, surge una producción canadiense, escrita y dirigida por Paul Donovan, realizador de larga carrera televisiva, bajo el título de "Def-Con 4", como fiel reflejo de aquellos días.
"Def-Con 4" es una película post apocalíptica de atmósfera ochentera reconocible. Hecha con pocos recursos, los cuales construyen un modesto escenario futurista, deudor de la ya citada obra de George Miller, y de otras cintas del subgénero como "Boy and his dog" o "Damnation alley", pero con discretos resultados. Cabe destacar que en plenos ochentas, la saga del guerrero de la carretera trajo consigo la explotación de títulos que presentaban a justicieros anónimos o antihéroes que sabían imponerse en ruinosos escenarios vandalizados. A pesar de ello, la historia que nos propone el director Donovan se distingue de aquella moda predominante al presentarnos a un grupo de personas menos heroicas y más comunes y corrientes, sometidas a una situación extrema tras la tercera guerra mundial que ha dejado al planeta convertido en un gigantesco basurero.
Este relato da inicio en medio del espacio exterior, con tres astronautas, Howe, Jordan y Walker, a bordo de una estación espacial, equipada con armamento nuclear dispuesto para el sistema de defensa norteamericano. Tras varios días de aburrimiento, los tripulantes son informados sorpresivamente desde la Tierra de una serie de hechos inquietantes producidos por acciones hostiles llevadas a cabo entre la URSS y USA. No tarda en desencadenarse el bombardeo atómico que convierte gran parte del territorio mundial en zona devastada por la mortal radiación. Los misiles que cargan al interior de su vehículo son lanzados, quedando liberados en un pequeño módulo espacial. Los atemorizados astronautas son testigos virtuales a través de sus monitores de aquellos terribles momentos para la vida en el planeta. El desconcierto se apodera de ellos en mayor medida cuando una fuerza misteriosa proveniente de la Tierra obliga a su vehículo a atravesar la atmósfera y a descender violentamente en territorio inhóspito.
En este lugar se oculta un grupo de humanos sobrevivientes convertidos en caníbales, los cuales son la primera amenaza que deben enfrentar. De otro lado, Howe es capturado por un veterano ermitaño quien lo conduce hasta unas instalaciones precarias donde unos bandoleros han asumido el control del territorio, sometiendo a la pequeña población bajo una autoridad que se impone por el crimen y el abuso. Allí son apresados, y con ello empieza una lucha de sobrevivencia que también es una carrera contra el tiempo. Y es que la estrellada nave espacial se convierte un preciado objeto a causa de su contenido, tanto en recursos como en armamento.
El director Donovan realiza una película que logra un adecuado manejo del relato, aunque mostrando unas justas interpretaciones por parte de su elenco. El principal protagonista es Howe, papel a cargo del actor Tim Choate, quien es un hombre común y corriente, poco heroico en más de un momento pues es capaz de hacer infames acuerdos con tal de salir con vida. Si bien es cierto se trata de situaciones que no se consuman, de todos modos, hacen dudar de su moral, aunque finalmente se convierte en el elemento decisivo para enfrentar el conflicto final. También tenemos a Jordan, interpretada por la actriz Kate Lynch, quien es la médico del grupo de astronautas, y es quien se siente más cercana a Howe, lo cual evidencia cierto interés romántico no declarado (Howe en La Tierra antes del apocalipsis era casado y tenía un hijo). De otro lado, tenemos a J.J., una joven rubia atrapada por el villano Gideon, quien fuera su pareja antes de que ocurra la devastación; Vinny, un viejo sobreviviente que se encarga de mantenerse alejado de los caníbales, aunque la nave espacial estrellada le resulta una gran atracción; finalmente, esta Gideon, el malvado y soberbio criminal que se ha declarado gobernante del lugar, impartiendo autoridad y justicia conforme a sus propios fines por lo cual controla a todos los pistoleros y matones sin escrúpulos como él.
A nivel actoral, ningún integrante del elenco resulta especialmente impresionante, digamos que se trata de algunas justas interpretaciones y otras mucho menos talentosas. Ello sin duda contribuye a reflejar ese aire de serie B inconfundible en la cinta, más aún con el despliegue de reducidos escenarios donde aun el mar abierto se reduce a unos pocos metros. Montar un mundo hecho en base a escombros y viejos objetos, donde la tecnología no luce precisamente efectiva es el mayor lastre del film, dando lugar a las pantallas oscuras de verdosos registros y demás equipos computarizados hoy obsoletos, siendo esta otra razón para apreciar este film como lo que es, es decir, un producto típicamente ochentero y además ajeno al millonario circuito hollywoodense. Sin embargo, apreciamos que el ritmo narrativo que se imprime al film es adecuado y conduce la sencilla historia en forma efectiva. La caída de la civilización se convierte en una visión donde destacan las reacciones del ser humano, desde sus mayores temores frente al horror de una muerte global y el asesinato a manos de otros seres humanos en una cruel y salvaje lucha por la supervivencia, lo que incluye la tortura y el canibalismo. Una interminable lucha por alcanzar el poder y la supremacía sobre los demás. Ideas interesantes que han sido tocadas antes ( "A boy and his dog" por ejemplo), pero que este film recupera con entusiasmo, mostrando el peligro del poder nuclear amenazante y, sobre todo, la naturaleza destructiva del ser humano, tanto cuando alcanza la mayor tecnología posible desatando bombardeos atómicos, y del mismo modo cuando busca sobrevivir en medio de los restos de su propia civilización, asesinando cruelmente a quienes representen un peligro para sus intereses.
La violencia motorizada propia de estas historias se hace presente con vehículos hechos en base a chatarras, y también un armatoste de poder arrollador, tan logrado como en "Callejón infernal", "Battletruck" y otros filmes del mismo tipo. La música incidental es otro punto destacable, siendo conducida por el reconocido Christopher Young, hoy en día uno de los más solicitados músicos de Hollywood.
"Def-Con 4" logra entretener a quienes recuerdan con aprecio las fantasías ochenteras más oscuras de la ciencia ficción, donde prevalece esa atracción del ser humano hacia la maldad, aunque aceptando su atmósfera de serie B, tirando a Z, por su escasez de recursos y sus actuaciones limitadas, pero con un trabajo de dirección que logra mantener un correcto entretenimiento a partir de una propuesta argumental interesante que bien pudo dar más de sí, la cual nos permite preguntarnos hacia dónde estamos yendo a este paso, con rivalidades y ambiciones las cuales con el tiempo cambian de protagonistas, pero que se convierten en asuntos de nunca acabar.
Gracias a la invitacion de Pliskeen del blog Amazing Movies vamos a responder la cadena dedicada a las peliculas de distintos géneros que alguna vez pudieran conmovernos. Por supuesto, se trata de una elección totalmente subjetiva de mi parte, asi que sin duda las peliculas que menciono no necesariamente son las mejores de su rubro pero si están entre las que más recuerdo, salvo excepciones más certeras a falta de donde elegir. Siempre es complicado elegir un sólo titulo pues hay diferentes opciones, y en cada cual se me hace mas complicado e injusto no mencionar otras peliculas, pero no hay lugar para señalar dos o diez de cada género, digamos, asi que tuve que tomar duras decisiones en muchos casos, sobretodo en el terror, en la sci-fi y en la de mejor pelicula de todos los tiempos, la cual por cierto es eleccion muy personal. Lo otro es que notarán que casi el 99% corresponde al cine norteamericano, inevitable de mi parte por la sobreexposición a su cine por todos lados. No dudo que si más adelante se hiciese otro meme parecido algunos titulos pudieran cambiar, pero de momento esta es mi selección. Aqui vamos :
Las reglas •Decir quién me ha nominado al juego: Amazing Movies
Mejor película de todos los tiempos pasados, presentes y futuros del mundo conocido, por conocer y hasta de mundos paralelos: Darkman, el rostro de la venganza, de Sam Raimi
Mejor película de acción: Duro de Matar (Die Hard), de John McTiernan
Mejor película de aventuras: La Pandilla Alucinante (The monster squad), de Fred Dekker
Mejor película bélica: Pelotón (Platoon), de Oliver Stone
Mejor película biográfica: El Lunático (Man on the moon), de Milos Forman
Mejor película cómica: Mallrats, de Kevin Smith
Mejor película de ciencia ficción: Ciudad Tenebrosa (Dark City), de Alex Proyas
Mejor película deportiva: Rocky, de John G. Avildsen
Mejor película dramática: Golpes del Destino (Million dollar baby), de Clint Eastwood
Mejor película de gánster: Buenos Muchachos (Goodfellas), de Martin Scorsese
Mejor película histórica: The Devils, de Ken Russell
Mejor película independiente: Brick, de Rian Johnson
Mejor película de juicios: JFK, de Oliver Stone
Mejor película musical: Grease, de Randal Kleiser
Mejor película basada en un cómic o novela gráfica: Mundo Fantasma (Ghost world), de Terry Zwigoff
Mejor película basada en una obra de teatro: Casablanca, de Michael Curtiz
Mejor película romántica: Los Puentes de Madison (The Bridges of Madison County), de Clint Eastwood
Mejor película de terror: La Matanza de Texas (The Texas Chainsaw Massacre), de Tobe Hooper
Mejor película thriller: El Camino de los Sueños (Mulholland drive), de David Lynch
Mejor película de cine negro: Bésame Mortalmente (Kiss me deadly), de Robert Aldrich
Mejor película western: Los Imperdonables (The unforgiven), de Clint Eastwood
Mejor película animada: Metrópolis, de Rintaro
•Nominar a personas o blogs : Esperando que se animen a participar propongo a los siguientes blogs
Tíndalos Devil rides out Now and then, dear El Glamour de Margo Madhouse, casa de locos
Titulo original: Låt den rätte komma in (Suecia) Otros títulos : Let the right one in (USA) Déjame entrar (México, España)
"Criatura de la noche" es la mejor película de vampiros de la década pasada y con diferencia. Surgida en medio del furor de aquella saga vampírica de películas basadas en best sellers, que han puesto de moda los colores rojo y negro en las portadas de los libros, este filme también tiene una fuente literaria, aunque de remota procedencia y de austera presentación. Sin embargo, sus páginas contienen uno de los relatos fantásticos más estimulantes que se hayan escrito en los últimos años. La obra del escritor sueco John Ajvide Lindqvist es una cautivante historia acerca de la niñez incomprendida, del mundo particular que se aprecia a través de los ojos de un niño de 12 años con dificultades para relacionarse con su entorno. Haríamos bien en recordar aquellos días, esa simpleza con que se asume la vida, el poder de la imaginación que nos inunda, la pureza de los sentimientos que surgen en uno en base a cada nueva experiencia. De otro lado, también nos sirve para recordarnos el origen de nuestros temores, aquellos que probablemente marcaron nuestras vidas y que luego superamos en base al crecimiento, o que tal vez aún nos acompañan, cual cicatriz en el rostro.
Desde el punto de vista cinematográfico, "Criatura de la noche" es un ejemplar traslado de la literatura al celuloide, pues, al provenir de una brillante novela, se ha obtenido un guion maravilloso, que respeta y mantiene la esencia de su origen y que aún se enriquece para sus mejores posibilidades fílmicas, eliminando algún personaje y del mismo modo algunas situaciones. No en vano es obra del propio Ajvide, quien logra un feliz acuerdo con el director encargado de convertir la palabra en imagen.
Tomas Alfredson es un director nacido en Suecia, quien empezó su carrera en el medio televisivo. Su primer largometraje lo realizó en el año 1995 y sus trabajos anteriores se vinculan al género de la comedia y el drama, por lo que su incursión en el género fantástico ha sido más que sorprendente (quien desee, puede ver aqui un cortometraje suyo "Dear Mr. Barroso" del año 2005 en inglés : http://vimeo.com/9275678 ). El director ocupó tres años de su vida en la realización de esta historia de vampiros al quedar prendado de su inquietante fábula. Todo su esfuerzo ha sido recompensado con creces tras recibir el reconocimiento en numerosos festivales y el aprecio del público y la crítica internacional.
La pelicula es, ante todo, un notable cuadro acerca de la niñez en su aspecto más intimo y sombrío. Oskar (papel a cargo del notable niño actor Kare Hedebrandt) es un niño solitario y un introvertido estudiante, el cual es acosado por un grupo de niños perversos de su misma edad quienes se aprovechan de su timidez y de su paralizante temor para burlarse de él y agredirlo físicamente con total impunidad; ello produce en Oskar un temor al día a día, al mismo tiempo que germina en él un odio que quiere estallar. De ahi que conserve una pequeña daga con la cual imagina agredir a sus adversarios. En estas circunstancias llega al vecindario la misteriosa Eli: a primera vista, una niña de cabellos oscuros, quien llega a entablar una singular amistad con Oskar con la facilidad y la sintonía propia de los seres que guardan mucha afinidad. Porque Oskar y Eli a simple vista son polos opuestos, sin embargo, esencialmente guardan sentimientos comunes en sus soledades y en su esperanza por un giro a sus vidas.
Alfredson describe eficazmente la personalidad solitaria de Oskar: un hijo único de una pareja de padres separados, viviendo él con su madre, mientras que su padre mantiene un nuevo compromiso. La intimidad de su habitación y la soledad del frío patio de juegos son los escenarios en los cuales el niño da rienda suelta a su imaginación, en busca de dar forma a su propio mundo, donde prescinde de sus padres y es capaz de derrotar a sus enemigos. El director logra una atmósfera intimista en base a una habitación apenas iluminada, con un amplio ventanal que refleja la imagen de Oskar y su fragilidad en un mundo oscuro y tenebroso. Del mismo modo, el exterior del edificio de departamentos es un gélido paisaje nocturno cubierto de nieve donde las siluetas de los dos niños protagonistas se encuentran en medio de un completo aislamiento; es el instante en el tiempo y espacio hecho sólo para ellos.
El cuadro descrito respecto de Eli (la inquietante pequeña actriz Lina Leandersson) corresponde al de una niña especialmente singular. Posee una delicada presencia que irrumpe en la monotonía del pueblo, al cual llega acompañada de un extraño sujeto (un adulto de retorcidas manías, descritas al detalle en la novela, en la cual, incluso, llega a mayor brutalidad; aqui Alfredson prefiere sugerirlo en forma sucinta). Eli representa la fantasia terrorífica; el ser extraño que luce una juventud de pálido semblante como producto de la maldición eterna que la obliga a consumir sangre humana cada noche para poder sobrevivir. Es, por supuesto, un vampiro, cuyo apetito pondrá fin a la paz y quietud del pequeño poblado. No obstante, la pequeña Eli, tras su fantástica dimensión, no deja de representar un drama muy humano: vive absorta en su soledad y encerrada en su mundo, en medio de su infancia perpetua, física, que no mental. Atraída por Oskar, se convierte en su complemento perfecto, aquel quien le ayuda a reconocerse sin temor y que le permite revivir su humanidad, en lo que antes fueron noches solitarias y eternas. En retribución, ella le enseña a superar sus temores, a valorar la amistad y, también, a descubrir los diversos caminos de la sexualidad. Nuevamente, el director muestra estos elementos en su filme de manera sutil, en alguna línea de diálogo, en un cautivador encuentro nocturno y en una fugaz imagen.
"Criatura de la noche" es capaz de captar la simpatía del espectador hacia la pareja de niños protagonistas, la que nos hace olvidar las vidas de inocentes que cobra el apetito de la pequeña vampiresa, que se corresponde al de una fiera que caza porque no tiene otra alternativa. También podría interpretarse como la manera en que una vida monótona y sin aspiraciones sucumbe ante la vitalidad de la juventud, hambrienta de nuevas experiencias. Asimismo, la película presenta una nueva lectura del mito vampírico, donde el espectro no representa para el niño el monstruo de sus pesadillas, siendo este más bien el entorno que lo rodea. La mente abierta de Oskar es capaz de aceptar todo lo referente a Eli, tanto en lo humano como en lo inhumano: es acaso la mente progresista frente a la reaccionaria, aquella que aún duerme en el pasado, en su rutina diaria y en sus viejos rencores (como la rivalidad ruso-sueca, tema tratado en la conversación de vecinos).
En cuanto a sus técnicas, el filme se apoya en una puesta en escena de amplias tomas en exteriores, cuya duración se prolonga mientras se aprecia la tensión en la distancia; esto no afecta su ritmo, pues la narración se hace aún más cautivante en la profundidad de cada situación y en la limpieza de cada imagen. También es el trabajo que privilegia los rostros de sus protagonistas, en planos reveladores en medio del silencio, únicos y compartidos, empleando las técnicas cinematográficas más sabias, sin efectismos redundantes. Es una reivindicación del plano fijo, en estos tiempos en que proliferan dentro del cine de horror más comercial las tomas de pulso nervioso en su afán documentalista, cuando sabemos que lo más importante que un film muestra se construye en la medida de su coherencia; en esto Alfredson da una lección de cátedra, si bien es cierto que el cine sueco es tradicionalmente contemplativo y atmosférico. Por ello, el director logra reflejar la humanidad de sus personajes en forma conmovedora, dentro de una historia convincente.
Al mismo tiempo, la película es un relato fantástico con notables elementos terroríficos, en lo cual el director también sale triunfante, dotando de vitalidad a la fantasía (esos movimientos ágiles de Eli y sus "vuelos"), y logrando plasmar la sangre, la muerte y el horror con suficiente y justo poder de impacto (los ataques de la vampira en la nieve, el degollamiento de la primera víctima, la cama que arde en llamas y otros momentos), con logrados maquillajes, trucajes tradicionales e incluso efectos digitales bastante atenuados. Es notable ese trabajo que sabe mostrar el horror necesario, dejando a la imaginación las mayores impresiones, como ocurra al ocultar el horror con una puerta entreabierta.
El desenlace de este maravilloso filme es la consecuencia del pacto asumido: un horizonte de amplias posibilidades que nos deja deseando ver más de estos inolvidables personajes. No se pierda "Criatura de la noche", desde ya un clásico eterno del cine, en su más amplio sentido.
Madeleine (Frigga en el doblaje al inglés) es una jovencita que vive con un terrible trauma de abuso durante su infancia. Desde entonces, ella perdió el habla, y hoy vive protegida por sus parientes en una modesta casa dedicada a las labores del campo. Lamentablemente, su vida recae en la desgracia cuando encuentra en su camino a Tony, un proxeneta inescrupuloso el cual la engaña fácilmente para secuestrarla y convertirla en una adicta. Atacada, con un ojo menos al ser extraído por su secuestrador, y sometida a brutales sesiones con distintos sujetos, Madeleine decide llevar a cabo un plan para liberarse y asesinar a quienes destruyeron su vida. La frágil y humilde muchacha se ha convertido en un ser oscuro, un perfecto ángel vengador.
El director sueco Bo Arne Vibenius inició labores en el medio cinematográfico como ayudante del cineasta Ingmar Bergman, compatriota suyo y considerado el más importante representante de su cinematografía nacional. Se acredita como asistente del director en el film "Persona" y como director de unidad en "La hora del lobo". Del mismo modo, Vibenius apoyó a otros directores y realizó labores de producción, hasta que a fines de los 60´s realizó su primer largometraje titulado "Hur Marie träffade Fredrik"(¿), que el imdb cataloga como una "fantasía familiar". Ya en plena década de los 70´s, el realizador se desliga completamente de la temática de aquel primer trabajo y se enrumba por caminos mucho más tortuosos. Pese a ello, la figura de Bergman parece estar presente cuando se recuerda que el célebre cineasta es el autor de "El manantial de la doncella", obra inspiradora para el cine setentero del "rape and revenge"; y Bo Arne Vibenius cumple con un aporte importante en este tipo de historias, como diciéndonos que no podía hacer menos.
Suecia y los Países Bajos se han ganado la fama de ser paraísos de liberalidad. Durante los años 60`s e inicios de los 70`s la industria cinematográfica de esta parte de Europa vivió un singular periodo que involucró una revolución del cine adulto en cuanto a historias y apuestas visuales, donde estos temas fueron abordados sin ataduras y con total libertad gracias al apoyo de sus gobiernos, al establecer el sistema de censura y clasificación para las exhibiciones comerciales. Y en especial, la imagen del cine para adultos hecho en Suecia prácticamente se ha vuelto emblemática. En los años setenta, el mayor éxito estaría reservado para el cine hecho en Italia y Norteamérica. Pero eso es otra historia.
En 1974, la apreciable Christina Lindberg era ya una figura consagrada dentro del circuito de películas hechas en Suecia. Distintos títulos habían mostrado su belleza espléndida haciendo de esto el principal gancho para las audiencias. Ahí están en el recuerdo películas de interés como "Exponerad"http://www.imdb.com/title/tt0067076/ o "Maid en Sweden"http://www.imdb.com/title/tt0064624/. Convertida en un objeto de culto, la actriz llegó a formar parte de una inusual producción japonesa titulada "Sexo y furia", donde su encantadora presencia encarna a un agente secreto en el Japón de inicios del siglo XX, en medio de una intriga de venganza. De acuerdo a la ficha de imdb, Lindberg acumula 17 títulos durante los años 1970-1974, buena muestra de la popularidad que había alcanzado. Con estos antecedentes, el papel de Madeleine en "Thriller, a cruel picture" luce perfectamente adecuado para la actriz. Tras el éxito, Lindberg se retiró de estos menesteres en busca de papeles más dramáticos; intentó estudiar teatro, pero no lo consiguió, continuando su camino como modelo para revistas. Posteriormente se dedicó al periodismo, hasta su matrimonio con el dueño de una revista especializada en aviación, la más importante de Suecia, de la cual se volvió propietaria y editora en jefe.
"Thriller, a cruel picture" nos narra una explosiva historia de venganza, contando con un elenco de actores desconocidos, encabezados por la sensual Christina. Esto es cine de explotación al tope; sin embargo, la inspiración está presente en la mente del director, y por ello la experiencia cinéfila que deja este film se vuelve impresionante e influyente para el cine posterior. Si, ya sabemos, otros como Quentin Tarantino, los hermanos Wachowski, John Woo, y todo aquel que se sienta atraído por la combinación del cuero negro y las escopetas.
Indagando al respecto, descubrimos que esta historia escrita por el propio director tiene un interesante antecedente en la producción japonesa de los hermanos Shaw (los mismos de "Kung-fu contra los siete vampiros de oro"http://www.imdb.com/title/tt0070297/ y "El grandioso hombre de Pekin"http://www.imdb.com/title/tt0076164/), correspondiente al año 1972, titulada "Confesiones intimas de una cortesana china"http://www.imdb.com/title/tt0068744/, que cuenta la historia de una jovencita secuestrada y convertida en cortesana a las órdenes de una malvada madame y perfecta asesina; la protagonista finge resignarse a su cruel destino, pues secretamente conjura lo que será su venganza de aquellos que la han deshonrado. En términos generales, las similitudes con el argumento de "Thriller, a cruel picture" son notables, cambiando escenarios y, sobre todo, la espada por las armas de fuego. Ya tocará ver este antecedente.
Notable de principio a fin, donde los espacios cerrados son habitaciones oscuras y apenas iluminadas, de camas desordenadas y sábanas sucias, donde Madeleine es atacada por brutales sujetos de rostros anónimos, así como sufre la violencia de otra mujer joven como ella, pero enfermiza y perversa. Quien fuera una silenciosa niña, sufre en la soledad donde la desdicha da paso al odio, y lleva a cabo en forma metódica los pasos necesarios para cumplir su venganza. Resulta propicia la imagen que caracteriza a este personaje: oscura, bien armada y casi ciega como la justicia en su balanza. El film también expone espacios abiertos, donde el bosque y las carreteras son lugares de paso, primero hacia la oscuridad y luego hacia la determinante lucha contra sus opresores. La última media hora está compuesta por secuencias que muestran a la joven liándose a tiros cual western de Sergio Leone, de pistoleros silenciosos y de horizonte incierto, pero letales contra sus enemigos.
En este caso, la película convierte a una frágil mujer en un ser invulnerable y a prueba de balas; capaz de enfrentar a los hombres en su terreno, el de la superioridad física, y derrotarlos en combates dignos de ser vistos cuadro por cuadro. Así lo entiende el director cuando recurre a la cámara lenta y nos muestra la caída del macho pervertido frente a la furia liberadora de esta mujer; no importa si para ello el guion se toma más de una licencia con el fin de conducir los hechos en la forma más conveniente para su protagonista. Hay que sumar unos villanos que resultan bastante ingenuos en los momentos de crisis. Lo importante es el efecto logrado: Madeleine reivindica su físico, recuperado como instrumento para limpiar su honra, cuando su cuerpo es disciplinado por las artes marciales, y hasta su único ojo es bien entrenado para la ejecución. En este aspecto, Christina Lindberg cumple con su papel, dando dignidad a su personaje tan sólo gracias al registro de su inexpresivo y bello rostro.
Sin ocultar la modestia de recursos vista en la realización del filme, Bo Arne Vibenius realiza uno de los mejores productos del cine de explotación, de violencia explosiva, destapes y momentos de alto contenido censurable. Una historia de dureza y frialdad donde no hay lugar para sentimiento noble alguno. Esta injusticia sólo puede dejar una cosa en el camino: una figura oscura que contempla un paisaje árido y desolado, tanto como su propia alma.
Titulo original : Day of the woman (USA) Titulo alternativo : I spit on your grave (re-edición de 1980 USA) Otros titulos : The rape and revenge of Jennifer Hill (USA) La violencia del sexo (España)
Jennifer es una joven y bella escritora que decide dejar la ciudad por unos días y alojarse en un paraje silvestre, en busca de paz e inspiración para realizar su nueva novela. Durante su primer día conoce a dos sujetos, quienes posteriormente serán participes de su peor pesadilla, cuando ella resulta atacada brutalmente en medio del bosque por cuatro delincuentes, los cuales tras un martirio que parece eterno la abandonan creyéndola muerta. Jennifer despierta convertida en otra persona, la cual tiene en mente un único propósito a seguir: vengarse de sus atacantes. Un siniestro plan toma forma en su mente, haciendo de la frágil escritora un ángel vengador surgido en medio de aquel paraíso.
Un día de aquellos hace muchos años, el entonces aspirante a director de cine Meir Zarchi recorría las calles de la ciudad de Nueva York en el vehículo de un amigo cuando, al pasar junto a un parque, vio a una mujer que se arrastraba y surgía de entre los arbustos; la joven estaba desnuda y su cuerpo lucía heridas sangrantes, además de tener rota la quijada. Sin dudarlo, Zarchi y compañía la auxiliaron y condujeron al hospital más cercano, previa parada en una comisaria donde, más bien, se perdió tiempo en atenderla. La investigación reveló que esta mujer había sido atacada por un grupo de delincuentes, quienes la encontraron sola, esperando a su novio. La impactante experiencia quedó grabada en la mente del cineasta, quien poco después se dedicó a escribir un guion el cual, posteriormente, se convirtió en su film de culto titulado "Day of the woman".
El primer largometraje del director Meir Zarchi encontró toda una firme oposición. Al día de su estreno, siendo pobremente distribuida por él mismo y eliminando minutos para cumplir con la MPAA, la película pasó desapercibida en las salas de cine; años más tarde, es decir en 1982, la distribuidora Jerry Gross Organization, los mismos productores del clásico bizarro "I drink your blood", se hicieron con los derechos para un reestreno, renombrando el film como "I spit on your grave" y exhibiendo la versión sin cortes del director con una mayor campaña publicitaria, lo cual llamó más la atención del público. Sin embargo, no tardó en convertirse en una de las cintas más repudiadas en Norteamérica y en el mundo, siendo acusada de un machismo exacerbado y de, supuestamente, hacer una apología a la violencia sobre la mujer. De más está decir que esto funcionó del revés, atrayendo más gente a las salas de cine. Diversas voces se alzaron atacando a este film y a la ultra violencia que invadía las pantallas, principalmente por productos del género del horror. Tal como puede verse en el documental "Going to pieces: the rise and fall of the slasher film", se llegó a señalar que estas películas eran hechas por gente que odiaba a las mujeres debido a cierta incapacidad mental, por lo que se satisfacían con verlas sufrir terriblemente en la pantalla grande y a todo color. Las críticas señaladas eran hechas por respetables críticos de cine norteamericanos como George Siskel y Roger Ebert, quienes rechazaron tajantemente "Day of the woman", al punto de comandar una campaña para retirarla de las salas, cosa que finalmente lograron. Ebert llegó a calificarla como "la peor película jamás hecha". Para Meir Zarchi, estas no eran precisamente criticas cinematográficas sino sólo insultos y agravios. Por si fuera poco, la exhibición uncut del film llevó a una controversia legal con la MPAA.
De este modo, el escándalo sobre el film se hizo extensivo, llegando a prohibirse su exhibición en países como Canadá, Australia y Alemania. Tiempo después pudo estar al alcance de mayor público a través del mercado doméstico del VHS, bajo cuyo formato se editó en varias oportunidades hasta la aparición del DVD. Ello no ha implicado un cambio en las opiniones acerca de la película. Sin embargo, hoy en día llama la atención recordar esta campaña mediática de censura sobre un film más bien modesto en recursos, lo cual forma parte, a la larga, de lo que posteriormente ha sido la corrección política que impera en la mayor parte de producciones norteamericanas, sobre todo en el cine de amplia distribución, desde los años 90`s y en buena parte de lo que va este nuevo milenio, lo que podría tomarse como una política educacional hacia los espectadores, en estos nuevos tiempos.
"El día de la mujer", más conocida como "Escupiré sobre tu tumba", a pesar del tiempo transcurrido no deja de ser un filme interesante. Ello básicamente por los temas propuestos los cuales saltan a la luz del día soleado en aquel paraje natural, el cual siendo muy sosegado se convierte en salvaje. Uno de estos temas adjudicados al filme ha sido el machismo, que en este caso sería de lo peor, donde los cuatro sujetos delincuentes ven a la joven Jennifer como un objeto a su disposición, ignorando cualquier otro aspecto suyo, burlándose de su capacidad de escritora, y sólo contemplándola como la victima de sus bajos deseos. Incluso, finalmente, deciden eliminarla sin mayor remordimiento por su vida, aunque la cobardía de todos ellos pudo interferir en el cumplimiento de este plan, echándolo a perder. De otro lado, también es notorio que a este machismo se enfrenta un feminismo que resulta no menos sobresaliente, donde la mujer muestra una capacidad para llegar a convertirse en un ser frio y calculador, que emplea su poder de atracción sobre aquellos bobalicones, con el fin de obtener venganza. Los hombres son mostrados como seres de una debilidad mental alarmante, no sólo uno de ellos el cual sufre evidente retardo, sino todo el grupo por la forma en que caen fácilmente ante el encanto de la joven belleza. Curiosamente, este elenco masculino está conformado por actores sin experiencia previa, los cuales tampoco desarrollaron carrera actoral alguna luego de esta película.
Al mismo tiempo, es notable el prejuicio de la superioridad de lo urbano o civilizado sobre lo rural, pues Jennifer es vista como una culta escritora que desciende a los niveles de un grupo de brutos, salvajes y asesinos, prácticamente en un entorno sin ley, siendo víctima de ellos, pero llegando finalmente a superarlos. Aunque esto es un recurso común a muchos filmes de horror, donde el viajante citadino cae en una trampa mortal cuando llega a territorios rurales habitados por peligrosos seres, que van desde asesinos en serie hasta caníbales salvajes. Podría decirse que el director Meir Zarchi busca emparentar su filme con estas historias de horror que siguen la línea de películas como "Las colinas tienen ojos", "La masacre de Texas", " Trampa para turistas", etc. Sin embargo, la fuerte connotación sexual y el tema de la venganza resultan tan impactantes que, inevitablemente, la mayor referencia del filme termina siendo el "rape and revenge" de una película como "La última casa a la izquierda" de Wes Craven.
Finalmente, la mayor controversia se concita en el ataque brutal sobre la protagonista, en reiteradas veces con suma crueldad y en un espacio de tiempo que parece prolongarse eternamente. Es en estas difíciles secuencias donde las críticas más feroces apuntan sus dardos, acusando al filme de glorificar el acto violento o buscar el disfrute de la brutalidad sobre el cuerpo femenino, que luce magullado, sucio y sangrante. Sin embargo, el crítico cinematográfico Joe Bob Briggs, especializado en las llamadas "B-Movies", señala en forma contraria a los detractores que "Day of the woman" no es culpable de sus acusaciones: las prolongadas secuencias carecen de partitura musical (cierto), en realidad, todo el filme prescinde de música, mostrando el relato en forma fría con el fin de evitar ser tendencioso en forma evidente. Por el contrario, las imágenes muestran a los violadores como sujetos convertidos prácticamente en salvajes desposeídos de humanidad. Mientras tanto, el rostro de Jennifer Hills refleja todo el sufrimiento y dolor extremo al cual es sometida: es en ella donde se centra la atención del ojo fílmico, haciéndonos sensibles al martirio de la desafortunada mujer. De esto se desprende, contrariamente, que el film busca acercar al espectador a su protagonista y a su terrible experiencia, y para nada ser partes de la horda de delincuentes. La apuesta de Meir Zarchi es hecha con entera libertad y con toda crudeza posible, logrando que el resultado sea un filme impactante, y este es su mayor mérito. Particularmente, prefiero un filme que me impacte a uno que me aburra hasta el sueño.
No obstante, a diferencia de sus virtudes, "Day of the woman" desarrolla una historia repleta de situaciones que resultan poco creíbles, que más bien se reconocen como parte de un efectismo para ilustrar la efectiva venganza sobre los desalmados. Es decir, en contra de la lógica, la victima siendo una frágil mujer no acude a la policía, y en vez de ello se convierte en una fría asesina, capaz de maquinar una venganza calculada, no sin antes pedir perdón a Dios en una iglesia por lo que va a realizar. Por un lado, que una mujer es capaz de sorprender a un hombre no me cabe duda, pero en esta historia la situación luce más bien forzosa en sus situaciones de engaño y de cebo puesto para el castigo, más aún al apreciar con qué facilidad se logran los planes trazados.
Ahora, ¿funciona esto en beneficio del filme?: pues diría que, en su credibilidad, de ninguna manera, pero en su poder de atracción para lograr una audiencia cautiva, incluso a pesar de su tono narrativo parsimonioso, pues, vamos que sí. Definitivamente no te lo crees, pero ello no afecta su capacidad de llamar la atención. Quizás con esa facilidad con que suelen resultar atrapantes muchas historias de venganza, que despiertan emociones encontradas por su ambigüedad moral sobre lo correcto y lo incorrecto, como el horror del ataque brutal, el deseo de justicia y la venganza violenta sobre el culpable. El filme hoy en día puede ser visto por el público actual como una película muy de su tiempo: de planos abiertos, de prolongadas secuencias que atienden al detalle, que casi prescinden de los diálogos, y de situaciones forzosas a la hora de resolver, pero sin duda es una pieza clave para este subgénero, tan maltratado y visto con recelo por buena parte del público, pues más allá de ese temor a los temas escabrosos esta la capacidad del director de turno para despertar sensaciones extremas en el espectador, por supuesto que a partir de un tema difícil y sensible, pero el cine que busca reflejar muchos aspectos del temor humano no obvia en abordarlos.
Si una balanza imaginaria buscaría someter al peso tanto virtudes y defectos de "Day of the woman", sin duda la actuación de su protagonista, la joven Camille Keaton, inclina el lado positivo casi en forma rotunda. Porque es la bella actriz, nieta del astro de la comedia norteamericana Buster Keaton, quien realiza todo su esfuerzo en una actuación tan angustiante que logra reflejar el dolor y el terrible sufrimiento de esta mujer violentada. Del mismo modo, Keaton se pasea cómodamente por los distintos registros de su personaje: desde la sencilla escritora que busca paz y quietud, hasta convertirse en un ángel vengador, encantador y al mismo tiempo implacable con sus victimas, cosa que refleja muy bien en su bello rostro. Si, porque es una actriz muy bella, a pesar de las informaciones que señalan el haber sido víctima de un accidente automovilístico lo cual lamentablemente marcó su cara, cosa disimulada con maquillaje, aunque la cicatriz sirvió como un detalle para su actuación en el momento traumático. Keaton fue vista por primera vez en forma destacada en el año 1972 en un clásico del giallo italiano titulado "Qué habéis hecho con Solange" : http://eldiariodedarkerr.blogspot.com/2007/08/que-habis-hecho-con-solange-1972.html. Su corta filmografía incluye muchos trabajos en el cine italiano, entre los cuales destaca un filme tan interesante como es "Ceremonia trágica" de Riccardo Freda: http://www.cinema-nocturna.com/tragiccememony_review.htm. Finalmente, para este año 2010 se anuncia su regreso a las películas con el thriller titulado "Chop" http://www.imdb.com/title/tt1544578/. Camille Keaton se casó con el director Meir Zarchi luego de filmar "Day of the woman", lo cual es señal de la compenetración que surgió entre ambos para realizar este filme y es, cualquiera diría, otra prueba que nos muestra el feminismo triunfante que realmente se desprende de esta película. Lástima que años más tarde se produjo el divorcio entre ambos; cosas de la vida real.
Actualización: se realizó una secuela en el año 2019, que reunió nuevamente al director y a la protagonista. Ya la comentaremos próximamente.
Son 70 años los que cumple el padre de los zombies modernos el dia 04 de febrero. Años bien llevados por cierto, suficientes para cambiar el cine de terror y crear un subgénero que no muere, como sus monstruos.
Y este fue el homenaje que se le hizo en el Scream Awards 2009, presentación hecha por Quentin Tarantino, quien no repara en elogios hacia el veterano director, como no podía ser de otro modo (..."one of the coolest, the craziest, the scariest america`s greatest original moviemakers of all times"...) :
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