Kill, baby kill (1966)

Titulo original : Operazione Paura Otros titulos : Kill, baby, kill (USA)

Una mujer que lanza un grito lleno de terror, se lanza al vacio y cae sobre una verja de metal cuyas puntas atraviesan su cuerpo. La escena produce un tremendo impacto en el pequeño poblado de Villa Graps, y despierta en sus habitantes el miedo a una maldición proveniente de la vieja Mansión Graps, un edificio que conforma un tenebroso paisaje, especialmente durante las noches, en las cuales los sonidos estremecen, las sombras parecen cobrar vida y la atmosfera reinante es densa y opresiva. Hasta aquel lugar llega el doctor Paul Eswai, quien es el encargado de realizar la autopsia y la investigación de aquella misteriosa muerte. A su llegada encontrará reacciones adversas a su presencia, que parecen ocultar un secreto en medio del silencio. Sin embargo, otra terrible muerte hará que el alcalde Karl revele la naturaleza sobrenatural del horror que agobia al poblado. La pequeña Mellisa, hija de la Baronesa Graps la cual habita solitaria en la vieja mansión, murió tiempo atrás en un accidente ante la indiferencia de los habitantes del pueblo, quienes no acudieron en su auxilio dejándola morir. Ahora, el sonido del campanario de la torre en la gran mansión anuncia la llegada de la muerte: la venganza de su espiritu condena a cada uno de aquellos responsables de su tragedia, y no se detendrá hasta terminar con ellos. El doctor Eswai no está dispuesto a creer lo que considera supersticiones, pero la pesadilla que vivirá en aquel lugar, al lado de su asistente, la bella Mónica Shuftan, les mostrará a ambos la presencia de una maldad que no es de éste mundo, y que amenaza con destruirlos.

Mario Bava, quizás el mejor cineasta del género fantástico en la historia del cine italiano, y uno de los mejores dentro del cine mundial, es el autor de ésta brillante pelicula de terror realizada en el año de 1966. Dentro de las múltiples virtudes de su cine, Bava era un especialista en la realización de historias de horror gótico, en las cuales ponía de manifiesto toda su capacidad artistica a la hora de recrear escenarios cuidadosamente estilizados, dotados de una atmósfera fantástica, y al mismo tiempo, sombría y sobrecogedora. En ellas, el director no dudaba en mostrar elementos en común con las peliculas realizadas por la productora inglesa Hammer Films, pero una vez asumidos, éstos alcanzaban una cota de insuperable belleza y fascinación gracias a su particular mirada, muy sensible a los encuadres y al uso de los colores, en ambos aspectos, plasmados de manera muy expresiva con resultados fascinantes.

Luego de realizar "El planeta de los vampiros", una memorable incursión en la fantasia espacial, el director emprende la realización de ésta historia sobrenatural, escrita por Romano Migliorini y Roberto Natale, y como fue habitual en sus trabajos, contando con un pequeño presupuesto el cual en ésta ocasión para mayor mal fue bastante reducido. Esto no fue impedimento para un cineasta capaz de lograr extraordinarios resultados, como ocurrió incluso en su más holgada producción "Diabolik", donde sólo gastó una parte del presupuesto asignado por el productor Dino de Laurentis. Y es que Mario Bava fue un realizador excepcional. Quien empezó como director de fotografía del cineasta Ricardo Fredda ("I vampiri"), supo encontrar su propio camino luego de su exitoso primer largometraje "La máscara del demonio" en el año de 1960. La filmografía de Mario Bava está repleta de titulos que se han convertido en imprescindible referencia para el cine fantástico posterior. Definió estilos, tendencias, y principalmente, estableció las bases de nuevos subgéneros. Pocos son los realizadores de los cuales puede hacerse tal afirmación. Mario Bava es oficialmente el padre del Giallo italiano en la historia del cine: "La muchacha que sabía demasiado" y "Seis mujeres para el asesino" son las dos peliculas que dieron inicio a ésta serie de visiones perturbadoras y fascinantes dentro del cine. Pero esto no es todo: la influencia de Bava cruzó medio mundo y alcanzó al cine norteamericano, especificamente al género del horror, al inspirar a una generación de jóvenes realizadores con su intensa pelicula "Bahia de sangre", una de las obras fundamentales para el desarrollo del llamado Slasher Americano, en sus titulos más célebres como "Viernes 13" y sus secuelas, que cubrieron más de una década de cine.

Existe un documental denominado "Mario Bava, Operazione Paura" realizado en el año 2004 por Gabriele Acerbo y Roberto Pisoni. En éste tributo al gran realizador fallecido en el año 1980, figuran en sus créditos la participación especial de muchas celebridades y personajes del mundo del cine, quienes dan testimonio y disertan acerca de la importancia de su filmografía. Sólo por nombrar a algunos de ellos, están los nombres de Dario Argento, Joe Dante, Roger Corman, Barbara Steele, Elke Sommer, Tim Burton, Ennio Morricone, Dino de Laurentis, John Phillip Law, Quentin Tarantino, etc., quienes han sido testigos de su gran labor o se han visto influenciados por su maravilloso legado. Por supuesto, no podía faltar su hijo Lamberto Bava, el destacado realizador de las célebres "Demoni 1 y 2", aunque hasta ahora no ha alcanzado un reconocimiento a la altura de su padre.

"Operazione paura" (en nuestro idioma sería literalmente "Operación miedo") es el titulo mal puesto a un relato magistral de fantasmas y terror sobrenatural, hecho ésto con el fin comercial de aprovechar la presencia de la bella actriz italiana Erica Blank, conocidisima en aquellos años por su participación en varias cintas del género de espionaje, en producciones italianas, españolas, inglesas, muy de moda por entonces debido a la aparición del agente 007. Una extraña forma de atraer público, a partir de un detalle del título. En la pelicula que nos ocupa, ella tiene a su cargo el papel de Mónica Schuftan, la enfermera asistente del doctor Paul Eswai, encarnado por el actor Giacomo Rossi-Stuart, quien buscará resolver la misteriosa muerte ocurrida en el pequeño poblado de Villa Graps. Mónica tiene un fuerte vinculo con aquel lugar, más alla del hecho de haber nacido allí. Esto forma parte del misterio que el Dr. Eswai deberá resolver. Al mismo tiempo, surge la enigmática presencia de una misteriosa mujer vestida de negro, a quien los pobladores llaman la bruja Ruth. Ella sabe de la terrible maldición que ha caido sobre la villa, y es la única fuerza que se opone a aquel poder maléfico. Otra figura siniestra es la Baronesa Graps, una anciana que vive recluida en la vieja mansión de su familia, de donde surge la maligna presencia de Mellisa, la pequeña figura diabólica: una niña de cabellos rubios y de mirada perversa, cuya aparición repentina condena a muerte a quien sea testigo de ella. Las muertes son autoinfligidas, la victima pierde el control de su mente y contra su voluntad acaba con su vida de las formas más terribles. Precisamente este detalle nos hará pensar en la posibilidad de una histeria, o el producto de una alucinación por parte de aquellos desafortunados que, de acuerdo a los hechos, se suicidan desesperadamente, sin ninguna intervención extraña, tal y como lo piensa el Dr. Eswai.

A tener en cuenta lo siguiente. Este relato está ubicado a principios del siglo XX, apenas finalizado el siglo XIX. El justo momento en el cual la razón y el conocimiento científico del mundo moderno representado por Eswai, se oponían a las creencias folkloricas y a las supersticiones propias el ocultismo, donde las explicaciones amparadas en la lógica no tenian cabida. Al doctor Eswai se le une el inspector de policia Kruger; pero ambos investigadores, muy a pesar suyo deben rendirse ante los inexplicables acontecimientos que desencadenan una serie de muertes violentas que se extienden cada vez más en forma inevitable. Eswai junto con la bella Mónica deben sumergirse en un ambiente sobrenatural de brujeria, espiritismo, presencias fantasmales y fuerzas que alteran la realidad en forma delirante.

La pelicula presenta una propuesta estética muy impresionante: la atmósfera, los paisajes tenebrosos, los edificios envueltos en la oscuridad y en cuyos interiores se desata un caos de formas . El director Bava obtiene esos resultados pues es un artista que domina el género, como lo había probado ya desde "La máscara del demonio", y que se nutre de los grandes clásicos, como la evidente y muy comentada referencia que se observa en su cine, con respecto a la obra de Tod Browning: su clásico "Drácula" de 1931, una ambientación muy similar que se enriquece con el uso de una adecuada tonalidad de colores sombrios, en base a su efectiva iluminación. Bava lleva mucho más alla todas esas visiones y obtiene una brillante realización. En otro aspecto, el ritmo narrativo no decae en ningún momento, sumido en medio de la intriga que va acrecentándose a medida que transcurre el film, obteniendo un correctisimo dinamismo durante su metraje. El director dosifica adecuadamente la presencia de los personajes claves, las muertes y las situaciones de mayor tensión. Los elementos sobrenaturales se hacen más intensos hasta su impresionante secuencia final. Las apariciones del temible espectro de la pequeña Melissa se logran en base a una inquietante atmósfera, que muestra unos primeros planos de su imágen y su mirada de odio vista a través del vidrio de una ventana, o en otra ocasión donde basta la sola palma de su pequeña y sombría mano apoyada contra la luz, lo que estremece a su victima y la sumerge en el espanto. Acompaña a éstas escenas una eficaz partitura musical de Carlo Rustichelli, completando un marco propio del terror clásico a ésta puesta en escena. La inquietante figura de la pequeña, y en general, todo el film ha sido materia de inspiración para muchos realizadores. Por ejemplo, se suele citar el caso de Martin Scorsese, quien lo demuestra en una escena de "La última tentación de Cristo" con la aparición del demonio bajo la forma de una niña rubia; tenemos tambien a David Lynch, quien en su largometraje "Twin Peaks, fuego camina conmigo" reproduce una angustiante secuencia de la cinta de Bava, ésta vez teniendo por protagonista al agente Cooper del FBI, rol a cargo del actor Kyle McLachlan. Guillermo del Toro tambien muestra su evidente inspiración puesta en sus escenas fantasmales en su filme "El espinazo del diablo". Y otro caso célebre es el del director Federico Fellini, en su incursión en el cine fantástico en el segmento "Toby Dammit" del largometraje "Historias extraordinarias". Las actuaciones, cabe decir que resultan suficientemente correctas, siendo un trabajo bien conseguido por el director. La ambientación fantástica parece involucrar a los protagonistas en aquel relato de pesadilla. El actor Giacomo Rossi-Stuart obtiene un trabajo sobrio y eficiente en cada uno de sus momentos a pesar de su aparente inexpresividad, que luego desaparece en su inclusión al interior de la mansión Graps en una escena cumbre muy sorprendente. Mientras que la bella Erika Blanc, la actriz Fabianne Dalli como la hechicera Ruth, Giana Vivaldi como la Baronesa Graps, y el resto de actores, aportan actuaciones bastante convincentes. Pero definitivamente la estrella del film es su director. Mario Bava fue un verdadero innovador. Convertir la imágen de una niña rubia en una fuente de miedos y temores demuestra que es un realizador de amplios recursos: la niña en realidad era el niño actor Valerio Valeri, vestido para la ocasión. Quizás en nuestros días ésta cinta más que expresar miedo o temor lo que produzca sea una gran fascinación y admiración. Pero esto no quita que sea deslumbrante. El cine fantástico demuestra su impresionante poder artístico con esta obra, que injustamente ha visto limitada su distribución como suele ocurrir con aquellas joyas ocultas que hay que descubrir. A la espera de una amplia difusión de éste filme clásico, nos queda reinvindicar una vez mas a Mario Bava como uno de los más importantes realizadores del cine moderno.

El carnaval de las almas (1962)

Un automovil que conducía a un grupo de jóvenes imprudentes pierde el control al cruzar un puente y cae hundiéndose en las aguas de un rio. Tras la búsqueda por parte de las autoridades del lugar, una figura emerge inesperadamente en la orilla. Se trata de Mary Henry, una bella muchacha que viajaba en aquel vehículo y que como todos reconocen, ha sobrevivido milagrosamente. Sin embargo, algo muy extraño ocurre con aquella mujer, pues se muestra silenciosa, pasiva y retraida. En un intento por volver a una vida normal, empieza a trabajar en una iglesia como encargada de la música que acompaña las ceremonias, ejecutando un antiguo órgano. Luego, consigue una habitación en un discreto hospedaje donde conoce a un vecino muy interesado en ella. Pero su extraño comportamiento termina provocando el rechazo de la gente, quienes ignoran el traumático episodio que ha sufrido, y más aún, desconocen el miedo que actualmente se ha apoderado de ella: Mary es acosada por un misterioso sujeto, un ser terriblemente pálido, de mirada profunda y atemorizante que suele aparecer en forma inesperada en cualquier lugar donde se encuentre. Además, aquel siniestro personaje no está solo, pues en una solitaria feria abandonada, a la cual llega Mary atraída en forma inexplicable, se reúne con otros seres de tan espectral apariencia como él, y realizan una singular danza ante la aterrada mirada de la jóven. Ella se convierte en el centro de aquella manifestación, que esconde una oscura y tenebrosa verdad.

"El carnaval de las almas" es un film clásico del género del terror y un buen ejemplo del mejor cine sobre fantasmas que se haya realizado. Su historia es realmente muy especial. Su realizador, el norteamericano Herk Harvey, tenía una carrera hecha en el campo de los cortos y especialmente orientados al drama y al documental, sin haber realizado un largometraje. Hasta que un buen día, confió el encargo a su amigo y guionista John Clifford de escribir una historia sobre una idea que se le había ocurrido: un relato acerca de fantasmas que salen del agua, y ejecutan una extraña danza. Con ésta sola indicación Clifford realiza el guión correspondiente con el cual el director emprende la aventura de su filmación, contando con tan solo $30,000.

Siendo un relato que tiene por protagonista a una bella joven, Harvey la imaginó frágil y de cabellos oscuros, pero tras realizar el casting se presentó ante él Candace Hillgross, una bella actriz rubia, cuya corta experiencia fue realizada en los teatros, además de algunos trabajos televisivos, y quedó encantado con su presencia, por lo que decidió darle el papel principal. La actriz Hillgross recuerda que aquellos días ella tenía a su vez una oferta del director Del Tenney para participar en su pelicula "Psychomania", pero éste trabajo incluía escenas con desnudos, las cuales no estuvo dispuesta a realizar, por lo que finalmente optó por "Carnaval de las almas". Su elección no pudo ser mejor. Su participación en ésta pelicula fue importantísima, ya que se convierte junto al espectro que encarna el propio director Herk Harvey, en las dos figuras más fascinantes e inolvidables del film.

La pelicula no ubica el tema de lo sobrenatural dentro de un sólo ambiente, como ocurría en los antiguos clásicos con casas encantadas, y por el contrario muestra una intrigante interacción entre nuestra realidad y una atmósfera proveniente de una tenebrosa dimensión, la cual invade el ambiente cotidiano de la protagonista y la sumerge en una situación de pesadilla, en la cual, unos extraños seres acuden a su encuentro en cualquier momento y lugar, de noche o de día, al interior de una habitación o en plena calle, sin que nadie más que ella pueda percibirlo, lo cual la aisla de su entorno pues se encuentra completamente sumida en el miedo más absoluto, que desemboca en una crisis donde la angustia y el delirio se apoderan de su mente, en uno de los momentos más intensos de la pelicula.

El director Harvey tiene la difícil labor de llevar a cabo esta historia a buen puerto, lo cual logra en base a una ingeniosa puesta en escena, donde los fantasmas lucen una presencia inquietante gracias a un trabajo de maquillaje muy notable, de tal manera que, años después, ésta impresión que logran los espectros de "Carnaval de las almas" sea recogida por el realizador George A. Romero para su clásico "La noche de los muertos vivientes". Vean la importancia que tuvo ésta pelicula en el desarrollo posterior del género del terror. Tanto su aspecto como la extraña forma de sus movimientos, lentos pero al mismo tiempo amenazantes, logran dar vida a unos seres muy memorables. Recordemos ademas que ambas cintas fueron filmadas en blanco y negro, lo que sin duda contribuye mucho a su resultado visual, una atmosfera extraña y enrarecida, pero de apariencia clásica que le brinda una singular atracción, teniendo en cuenta todo su poder innovador para aquellos años.

Una secuencia realmente destacable es sin duda el momento en que Mary descubre la feria abandonada en la cual los fantasmas danzan entre ellos, simulando elegancia, en forma delirante. Una verdadera danza macabra, realizada en forma muy sencilla sin mayores trucos, mas que un decorado espectral y unos fantasmas debidamente representados por seres de aspecto enfermizo y rostros atemorizantes. Este cuadro de pesadilla ha influido enormemente en otro representante del cine moderno como lo es el brillante director David Lynch. La influencia ejercida en Lynch resulta muy notable en sus peliculas "Carretera perdida" o "Mullholland Drive", y existen otros interesantes puntos en común que pueden apreciarse en el resto de su obra. Inclusive en el primer episodio de su mítica serie televisiva "Twin Peaks", la primera imágen de la muerte es el cadáver de Laura Palmer en la orilla de un río, al igual que en la obra de Harvey, donde la muerte se encuentra en las aguas, en pleno día.

El episodio en la iglesia con la ejecución por parte de Mary de una extraña melodia ante el sobresalto del párroco, y la relación con el vecino que busca seducirla pero que se harta de su apatía, sirven para mostrarnos la forma en que Mary se encuentra fuera de nuestra realidad, y en lugar de ello, camina a través de una delgada línea acechada por la presencia de los seres del más alla. Como un gran acompañamiento en éste tour de pesadilla, destaca la brillante musicalización de Gene Moore, que cuesta creer que fue realizada en sólo una mañana como lo ha contado el director Harvey en una entrevista.

El final de este relato, que en éstos tiempos resulta poco sorprendente, debe ese débil impacto al hecho de haber sido visto hasta la saciedad en el cine posterior, en peliculas como "El sexto sentido" de M.Night Shyamalan, "La escalera de Jacob" de Adrian Lyne o "Muertos y enterrados" de Gary Sherman. Estos filmes tienen una deuda muy grande con ésta pelicula. Por otro lado, siempre se ha comentado su relación con el episodio "The Hitchicker" de la serie "The Twilight zone", acerca de un hombre que sufre un accidente que lo lleva al borde de la muerte, y que tras salvarse, es acosado por una aparición espectral. Sin embargo, el propio escritor John Clifford negó haber tenido conocimiento de dicho episodio a la hora de escribir el guión de "Carnaval de las almas", y considerando que en aquellos años la información no era tan accesible como lo es hoy, no tenemos razones para no creerle.

El trabajo con los actores resultó para el director una experiencia inolvidable, en especial con su protagonista la actriz Candace Hillgross. Harvey hizo que la bella Mary tras el accidente sufrido, y del cual resultó ser la única sobreviviente, se convierta en una mujer fria, retraída y desconectada de la realidad, donde se desenvuelve a duras penas. Esto no fue del agrado de la actriz, pues ella dudaba que el público pueda identificarse con un personaje protagónico como ese. Le estaba prohibido cualquier tipo de improvisación sobre su libreto, y debía ceñirse en su actitud y movimientos a lo indicado por el director. Finalmente, una escena en la cual ella debía encontrarse dentro de un automovil, hundiéndose en medio de un rio, fue el colmo de su paciencia. Se negó terminantemente a realizarla, ya que las condiciones resultaban difíciles: era invierno y las aguas del rio estaban heladas. Su negativa hizo que el director la introdujera por la fuerza al interior del vehiculo, mientras ella lanzaba gritos que atrajeron a la policia del lugar. Se les tuvo que explicar la situación, y afortunadamente para Harvey, se retiraron no sin cierto recelo. De todos modos, la escena se filmó, y ahora es una anécdota simpática en el recuerdo de la actriz Hilgross y de su director. Con respecto a los demás actores, éstos se contrataron siendo de poca y hasta nula experiencia, teniendo en cuenta el poco presupuesto a su disposición, y sin duda ello afecta la pelicula al darle un aire de film amateur y barato durante las escenas en que ellos participan. La parte más débil del film, sin duda.

En otro aspecto, habría que reconocer que el guión de John Clifford puede resultar algo artificioso al presentar algunos detalles de la vida de Mary como su visita al siquiatra o aquellas escenas de su vida privada, que pareciese que poco aportan al relato, más alla de extender el metraje para alcanzar la categoría de "largo", y que por el contrario, alejan el film de su principal interés. Sin embargo, una vez que dan inicio las manifestaciones sobrenaturales, los distintos elementos de la historia empiezan a cobrar sentido. La conexión de la protagonista con el más alla resulta evidente, sin necesidad de mayores explicaciones. En ello, si hay un acierto al evitarse esos molestos momentos discursivos que buscan dar cierta lógica o explicación a las historias, como suele hacerse en el cine actual de género. Al respecto, el propio director aseguró que su idea central se basaba tanto en el accidente de Mary Henry y su salvación para convertirse en una especie de muerta en vida que recorre un umbral misterioso, y el llamado de la muerte que acosa a la protagonista. Cualquier otra explicación mucho más profunda o metafísica corre por cuenta del espectador. Por ejemplo, los criticos de la prensa sueca compararon ésta pelicula con las obras acerca de la muerte del realizador Ingmar Bergman, lo cual fue una sorpresa para Harvey.

Lo mejor de la pelicula sin duda está en esos momentos donde la muerte parece palparse en medio de la realidad. Otro ejemplo está en la escena donde se muestra maravillosamente a los muertos emergiendo de las aguas, momento homenajeado nuevamente por George A. Romero esta vez en su pelicula "La tierra de los muertos", como puede apreciarse en aquel film.

Finalizado el trabajo de realización, la pelicula fue distribuida en forma muy pobre, lo cual hizo que Harvey y sus socios fracasen económicamente. A raiz de ello, el inspirado director no realizó mas largometrajes. Por su parte, Candace Hillgross perdió a su representante, quien consideró que fue una mala decisión trabajar en ésta producción. Sus razones tuvo. La pelicula fracasó en la taquilla y ella cobró $200.00 por su trabajo. Sin embargo, la actriz continuó en el género del terror, ahora si trabajando con el director Del Tenney con quien hizo "The curse of the living corpse". Retirada del cine, se dedicó a escribir novelas y tambien una posible secuela que permanece en el limbo.

El reconocimiento a ésta pelicula llegó posteriormente en su pase televisivo, donde logró altos índices de audiencia en cada una de sus emisiones, solicitadas por el público, lo que llegó a convertirla en la pelicula de culto que ahora todos reconocen. En 1989 se restauró la versión original, logrando un relanzamiento exitoso. Afortunadamente, el tiempo hizo justicia al esfuerzo y a la gran imaginación de sus realizadores, que convirtieron "El carnaval de las almas" en una pelicula fundamental para el cine de horror moderno.

El más alla nos acecha...

La cartelera actual en los cines se está llenando de fantasmadas. Desde las que retoman las historias del terror que llegó de Asia, como por ejemplo "Llamada perdida" o "El ojo del mal", nuevas propuestas terrorificas como "El titere" (Dead silence), que tiene algunas criticas negativas, y muestras del cine español como "El hospital del terror" y "El orfanato". Particularmente apenas he podido dar un vistazo a un par de éstas. Respecto de los remakes mencionados, la verdad es que poco interés me han depertado, ya que he visto las versiones originales, y sabiendo de qué va pues es lo que me basta. Incluso me he enterado que este jueves se estrena "Imágenes del más alla", que no es otra cosa que el remake de "Shutter", cinta tailandesa que cuenta otra de fantasmas, esta vez vistos bajo el lente fotográfico y que de esa forma envían señales a nuestro mundo. Recuerdo que la versión original me resultó discreta pero entretenida, al estilo de las peliculas de Takashi Shimizu, grande era su deuda con "Ju-On" y sus secuelas. De todos modos, hasta me entretuve y no salí malhumorado.


"Llamada perdida" de Takashi Miike recuerdo que me gustó, a pesar de saber que muchos la odian. Pretendía ceñirse a la moda de espectros de larga cabellera, surgida desde "Ringu" hasta "El ojo", pero algo de la malicia del director Miike se dejaba ver, gracias a algunos toques de terror bruto y a una escena final con una niña y su manía por los caramelos. De ahí que dudo que el remake USA me resulte igual de interesante, asi que por ahora me quedaré con la duda.

Asi que, he asistido tranquilamente a dos de éstos recientes estrenos por aquí, por mis lares. Uno de ellos es "El orfanato":


Producción española que nos cuenta una historia de fantasmas, ambientada en un viejo orfanato (obvio), donde en el pasado ocurrió un terrible hecho, por lo que ahora los nuevos habitantes del lugar, una pareja de esposos y su hijo pequeño, sufren el acoso de una presencia sobrenatural de siniestros propósitos. Es otra pelicula sobre casas encantadas, y su resultado me ha sabido particularmente ambiguo. Pues, si bien hay una buena puesta en escena, una correcta ambientación y un destacado trabajo actoral de Belén Rueda, los recursos que utiliza el director Juan Antonio Bayona para plasmar el miedo o la inquietud que conlleva normalmente un relato de fantasmas, y vamos que aqui la intención es clara, pues me queda a medias. No me han resultado interesantes o particularmente inspirados, pues por el contrario, dan la impresión de seguir una fórmula muy convencional a la hora de recrear esos momentos y esas apariciones que deberían resultar perturbadoras. El niño de la mascarita (su primera aparición para mi gusto emplea demasiada luz) o las siluetas de los niños sumidos en las sombras (están estáticos, ¿y que más?), resultan más bien frios y poco cautivantes. El foco de atención considero que está en el desempeño de la actriz principal, su angustia por el hijo exraviado y su seguimiento a los juegos infantiles impuestos por los seres del más allá. Aqui es donde radica la mayor atención del espectador. Esta es una cinta de suspenso de correcta realización, y no tengo nada contra el suspenso, pero en este caso me ha resultado una cinta fria, la verdad. Además, la historia resulta muy similar a lo que se ha contado en cintas como "Dark water", una muy buena pelicula de Hideo Nakata, "La oscuridad" de John Fawcett, aburrida como ella sola, o "El convento" del francés Pascal Laugier, tambien decepcionante, donde la mayor curiosidad era volver a ver a Catriona McColl, una de las actrices favoritas de Lucio Fulci en un papel pequeñito.


Por el contrario, dias antes había apreciado una pelicula mucho más interesante. Y ésta no es una fantasmada. Se trata de "El hospital del terror" (Frágiles), pelicula de Jaume Balaguero, y que más bien resultó una historia dotada de algo más de terror y violencia gráfica, más asequible a nuestro gusto, en dosis discretas pero efectivas. En este caso, las perturbaciones ocurren en un viejo hospital ubicado en una apartada región de España, en donde años atrás una niña murió en extrañas circunstancias. Tras el hecho, el edificio es hostigado por una presencia maléfica que llega a ocasionar lesiones en los niños internos, produciéndoles fracturas en sus huesos, de manera inexplicable. Al lugar llega una nueva enfermera, la cual empezará a indagar lo ocurrido, y al descubrir la terrible venganza del más alla deberá buscar la forma de salvar a todos de su furia destructiva.

Y vaya, aqui tenemos una mejor dirección del experimentado Balaguero ("Los sin nombre", "Darkness", etc.). Nos cuenta una sencilla historia de fantasmas como se debe, con espectros llenos de furia; recrea muy bien el interior de un hospital hostigado por fuerzas inexplicables, logra unos momentos inquietantes en uno de los pisos abandonados del edificio, y nos muestra un fantasma que recuerda a algún video clip de Marilyn Manson, pero que de todos modos hace lo suyo. Además, hay un buen trabajo de la actriz norteamericana Calista Flockhart ("Ally McBeal") como la enfermera protagonista, acompañada muy bien por el actor Richard Roxburgh, y la española y muy bella Elena Anaya. Una pelicula bien contada, donde la intriga no es muy novedosa, y la resolución del misterio se ve venir a leguas, pero aún asi entretiene mucho.

Y asi, de éstos estrenos me estoy perdiendo hasta ahora "El titere", lo último de James Whan ("Saw"), pero lo pienso remediar pronto. Y bueno, tras tanto espectro y ya puesto en el tema, pues seguiré con ello.

Fin del informe por hoy. Cambio y fuera.

El loco Max arranca en veloz carrera

Mad Max (1979)

En un futuro no muy lejano, el mundo atraviesa una aguda crisis.Una remota región en Australia muestra un precario esfuerzo por mantener vigentes sus instituciones con las cuales imponer la autoridad requerida entre sus habitantes. Sin embargo, la labor policial para imponer el orden está al borde del colapso.En esos dias, el trabajo de las patrullas policiales involucra redoblar esfuerzos ante la creciente actividad criminal de salvajes pandillas de asesinos que han tomado por asalto las carreteras. Estos caminos que antes significaban el progreso y el desarrollo de la civilización ahora son un campo de batalla, escenario de las mas espectaculares persecuciones. Los guardianes de la ley intentan acabar con éstos delincuentes, exigiéndose más alla de su estado fisico y mental, porque, como señala el jefe Fifi MacCafee, el pueblo necesita de heroes. Y en eso Max Rockatansky es el mejor. Su interceptor es el vehiculo más temerario en las carreteras y ha detenido a multitud de criminales, entre ellos el delincuente asesino de policias conocido como "el corredor nocturno", a pesar de la amenaza que el crimen ha lanzado contra él.

Sin embargo, el buen Max camina entre la razón y la locura: la violencia y la muerte en las autopistas a las cuales se enfrenta dia tras dia empiezan a ejercer en él una insana atracción, idea que lo llena de temor, mas aun por el bienestar de su esposa y su pequeño hijo. Mientras tanto, un nuevo grupo de motociclistas asesinos llega al pueblo, liderados por un criminal que se hace llamar "El cortadedos", con el fin de vengar la muerte de "el corredor nocturno", y es asi que ejecutan con toda crueldad a su primera victima, el oficial de policia Jim "El ganso". Ante ésto Max acude a su delegación y presenta su renuncia, y emprende un viaje sin destino aparente. Pero no importa adonde vaya, el destino ha echado los dados. El mal se cierne sobre los suyos, y Max sufrirá intolerablemente, sólo para renacer como un ser implacable en busca de venganza.

Durante los años 70 fueron muchas las peliculas de ciencia ficción con la propuesta de un futuro diferente, inmerso en la más pura distopia. En ellas se pudo apreciar atmósferas desconcertantes e inhóspitas. La sociedad humana es retratada en medio de un proceso de degeneración global, con la pérdida de sus valores más elementales, un desencanto y un pesimismo poco complaciente, pero que no dejaba de causar gran impacto. Al mismo tiempo, nos recordaba que los sentimientos como el odio, la venganza y el afán por la libertad eran suficientes móviles para desencadenar una serie de eventos dramáticos y vertiginosos, y por supuesto, la aventura estaba muy presente, como ha ocurrido desde las más antiguas leyendas o mitos, hasta las más actuales fantasias. Compartiendo esas mismas caracteristicas, finalizando la década, surgió esta propuesta fuera del megasistema que constituye el gigantesco Hollywood, y que logra cohesionar todos esos elementos y convertirlos en una experiencia cinematográfica que hizo historia.

En el año 1979 se estrena una pelicula producida y filmada en Australia por un realizador hasta entonces desconocido. Se trata de George Miller, y la pelicula es "Mad Max". Basada en una historia escrita por él mismo junto a su socio Byron Kennedy, el guión fue realizado junto con el escritor James McCausland. Admirador de las cintas de ciencia ficción y de los westerns del periodo clásico, Miller era un médico de profesión en su natal Australia. Pero su entusiasmo por hacer cine nunca lo abandonó, realizando cortometrajes junto a Kennedy, entre ellos, uno titulado "Violence in the cinema, part 1". Nunca hicieron una parte 2. Los dos socios establecieron la compañia Kennedy Miller Enterteinment, y se lanzaron a filmar su primer largometraje a partir de la historia que escribieron. El resultado es una pelicula considerada dentro de la ciencia ficción, pero que combina eficazmente diversos elementos de géneros como el western, el cine de terror, y del cine de acción, con las secuencias de mayor adrenalina en las autopistas que se hayan filmado hasta hoy, inclusive, eso sin considerar sus dos secuelas realmente impresionantes.

La visión futurista de Mad Max:

Como el mismo relato nos señala, nos encontramos en un futuro no muy lejano, incierto y al mismo tiempo inminente. Por ello, desde su inicio, la historia está envuelta en un aire de extrañeza, que muestra al espectador en cada una de sus imágenes un mundo cambiante, una realidad desdibujada donde se lucha por establecer un orden en medio de un ambiente vandálico, compuesto por calles desoladas, edificios derruidos, y modestas construcciones que predominan en el paisaje de éste poblado australiano sumido en el desencanto. Pero son las viejas carreteras, que se extienden interminablemente, los escenarios donde se desarrollan todo tipo de crueldades. Es alli, sin mayor indicio de civilización en el horizonte, donde la muerte cae sobre aquellos que pongan un pie sobre su pavimento, en forma irremediable. Muertes, asaltos, violaciones, torturas. Todo ello ocurre en éstos lugares, ante una impotente autoridad.

La lucha por la sobrevivencia hace que éstos hombres concentren sus recursos técnicos en la mecánica automotriz. Los vehículos emplean aditamentos especiales que los convierten en veloces máquinas en una carrera de vida o muerte. Asimismo, en aquel poblado que parece salido de un viejo western norteamericano, con un viejo comisario y sus hombres, se mantiene un viejo edificio de juzgado, un monumento a la crisis, utilizándolo como una estación policial con algunas celdas. Pero la labor policial es entorpecida por una burocracia estupida, que utiliza las normas para liberar delincuentes inculpados, lo cual no hace mas que incrementar el estado de miedo entre la población.

¿Cómo mostrar todo ésto en una modesta producción de un cine considerado incipiente, como lo era el cine australiano?. Pues ahi está Miller. La atmosfera que imprime el director en éste ambiente es muy impactante, transmitiendo la suciedad y la corrupción que parece extenderse en aquellas humildes calles. Lo que cabe destacar aqui es la presencia de un grupo de notables especialistas, colaborando con el director, como son el fotografo David Eggby, quien con éste brillante trabajo establece la estética dominante de la trilogía. Tambien hay que destacar la maravillosa partitura musical de Brian May, que posee un estilo muy ligado al cine clásico de aventuras, indicado para la tensión que se desarrolla en ésta historia. Y no hay que olvidar a Jon Dowding, el director artistico que se encargó de convertir en realidad la pesadilla futurista de Miller con tan pocos recursos.

Los personajes :

En ese entorno ultraviolento y enfermizo participan tanto policias como delincuentes. Los llamados guardianes del orden son seres perturbados, de extraña conducta, transtornados y desenfrenados, otros disconformes. Lucen vistosos trajes de cuero, cascos, guantes, botas y armamento de feroz apariencia, que busca representar la fuerza de la autoridad. Alejado de ésta violencia, Max Rockatansky ha conformado una feliz familia donde la presencia de su esposa y su pequeño hijo convierten su hogar en su refugio de aquel entorno degradante. Aqui destaca el trabajo del actor Mel Gibson, que sabe desarrollar esa dualidad requerida en su personaje, de serenidad y afecto con los suyos, para convertirse luego en un frio ejecutor de criminales. Gibson siempre ha lucido una actitud que sabe transmitir diversos estados de ánimo en forma muy lograda, asi recordamos tambien otro de sus personajes célebres como lo es Martin Riggs , otro sujeto que bordea la locura en la serie de peliculas "Arma mortal".

Mel Gibson nació en N.Y. USA, pero a los 12 años se trasladó con toda su familia a Australia, donde se hizo mayor y empezó su carrera en 1976 en la pelicula "Summer city". Luego, asistió acompañando a un amigo a la audición de "Mad Max", pero un accidente le había dejado el rostro algo marcado. Miller lo convocó pues necesitaba gente con apariencia extraña. Cuando llegó la fecha de su prueba, ya se había recuperado, por lo que el director, tras las pruebas necesarias, decidió darle la oportunidad en el rol principal.

Los demás actores, nunca más vistos en ésta saga, realizan una labor convincente, incluyendo a los célebres villanos, el Cortadedos y su pandilla de motociclistas, vestidos con ropajes y accesorios de aspecto decadente, lo cual se convertiría en la marca de la saga, con resultados cada vez más impresionantes. Actualmente algunos de ellos como Tim Burns (Johnny, the boy) mantienen una página web de tributo a la pelicula: http://www.madmaxonline.com/, donde se encuentra información sobre ella y comunicación con sus fans.

La venganza de Max :

Resulta común asociar la figura de Mad Max a la de una especie de angel vengador, que ejecuta uno a uno a los responsables de su desgracia; un justiciero que se rinde a su odio y que lleva a cabo un ajuste de cuentas en forma eficaz y cruelmente efectiva. Pero por mi parte prefiero decir que éste no es precisamente el principal tema de interés del film. La mayor parte del metraje corresponde a la descripción de ésta pequeña comunidad en deterioro, y la forma en que ello afecta a su protagonista, en lo más profundo de su mente, y de éste modo podemos ser testigos del nacimiento de un personaje moldeado para hacer frente a una realidad hostil, la cual con el devenir de los futuros acontecimientos se hará mucho mas destructiva, pues tanto el mundo como él mismo se vuelven mas violentos y solitarios. De ahi que la pelicula se extienda en éstos detalles, hasta la dramática muerte de la esposa de Max, un climax violento que en su momento el público considero trasgresor, a pesar de ser una secuencia que más bien sugiere y por el contrario no muestra explicitamente el fatal incidente. La acción destructiva de Max se comprime al segmento final, resuelto en pocos minutos. Pero en mi opinión eso no afecta que en conjunto y en cada uno de sus demas aspectos resulte una pelicula admirable.

¿El final? :

"Mad Max" no es precisamente la pelicula que nos presenta el futuro apocaliptico. Lo que hace es prepararnos para ese terrible acontecimiento desde la tragedia personal del desafortunado policia, y del cual surgirá un mundo aún mucho mas estremecedor en la secuela de ésta pelicula, el mejor film realizado hasta la fecha sobre tan cautivante subgénero. "El guerrero de la carretera" empieza de ésta manera su impresionante recorrido, lleno de peligros e intensas emociones.

Mad Max 2, el guerrero de la carretera (1981) :

Es el mundo del futuro, y la civilización humana está hecha pedazos. Algunos años atrás, según los recuerdos convertidos en narraciones de viejas leyendas, se libró una gran guerra que enfrentó a las dos más grandes tribus, con dramáticas consecuencias para el mundo. Los sobrevivientes enfrentan ahora una lucha a través de un vasto desierto, que implica la búsqueda y aprovisionamiento de "el jugo", el preciado combustible, el cual les permite obtener la energia necesaria para empezar de nuevo y reconstruir sus vidas. Esta lucha es cruel y despiadada. Tribus de bárbaros asesinos tambien requieren del material y matarán por el a quien se les oponga. La más terrible de ellas es la que lidera el gran Lord Homungus, un gigantesco asesino que esconde su rostro tras una máscara de hoockey, y que tiene a sus órdenes a criminales tan desalmados como él.

Tras localizar a una de las tribus, refugiada en lo que parece una antigua refineria petrolera, y dar cuenta de su abundante posesión de combustible, el cerco a sus habitantes no se hará esperar. Papagallo, el lider de los refugiados, prepara sus defensas y alista a su pueblo a librar una lucha que no pueden ganar. Pero la llegada de un extraño vagabundo del desierto les da una esperanza de salir con vida de alli y huir a otras tierras. El loco Max, quien antes fuera el oficial Max Rockatansky, se ha convertido en un guerrero solitario, y es el único que puede ayudarles en su desesperada lucha. Lord Humungus jura destruirles, y Max deberá enfrentarlo en la más espectacular de sus batallas.

El cine australiano consiguió una resonancia mundial única tras el éxito de la cinta "Mad Max" en el año 1979. George Miller y Byron Kennedy, los artífices de ese éxito, en ésta ocasión auspiciados por la poderosa Warner Bros de Norteamerica, presentan en 1981 la esperada secuela a la cual titulan simplemente "Mad Max 2, el guerrero de la carretera", en un guión escrito por Miller junto a los escritores Terry Hayes y Brian Hannant. Ahora, Miller va más alla del planteamiento realizado en la primera entrega, y describe una visión más radicalmente desafortunada del futuro de la humanidad. El mundo es un lugar devastado a causa de una tercera guerra mundial, un hecho posterior a lo narrado en la primera pelicula, donde la decadencia de la civilización se dejaba apreciar claramente, y en un brillante prólogo se nos da una explicación de lo acontecido, lo cual se convierte en un eslabón con respecto al nuevo escenario de ésta historia. Los esfuerzos de aquellos que han sobrevivido a la destrucción, para lograr un resurgimiento, debe realizar una desesperada búsqueda de combustible para impulsar sus máquinas, vehículos e infraestructura.

Siendo la ley del más fuerte la única regla de sobrevivencia vigente, ello obliga a los grupos humanos a concentrarse en refugios y establecer mecanismos de defensa contra los ataques de fuerzas externas, conformadas por otras tribus, ladrones o asesinos. En éste panorama surge nuevamente la figura de Max, convertido ahora en un nómada que recorre el desolado territorio, enfrentado a su rigor y al mismo tiempo a la violencia del hombre. Max se convierte en la salvación de un grupo de personas que esperan salir del infernal desierto y trasladarse hacia tierras de esperanza. Mucho más comprometida con la acción espectacular que su predecesora, ésta pelicula es considerada la más emblematica del cine postnuclear de ciencia ficción, aún hasta el dia de hoy.

Iniciada la década de los 80´s, el mundo se debatía en la posibilidad de un conflicto armado entre las dos más grandes potencias politicas, es decir, los EE.UU. y la Unión Soviética ya desaparecida. Miller y el escritor y socio suyo Byron Kennedy utilizan éste temor y lo reflejan en su relato, siendo un hecho que desencadena el fin de la civilización humana tal como la conocemos. A la pesadilla de un nuevo conflicto mundial, sumaron otro de los mayores miedos del mundo moderno, como es, la extinción del petróleo : la escasez del combustible y sus derivados implica una crisis energética de proporciones mundiales y de consecuencias funestas. No se es dramático o exagerado al afirmar ésto. No habría tanta agitación alrededor de los territorios del Medio Oriente si ésto no fuese cierto, eso es seguro. Asi que, para el mundo post-apocaliptico de "Mad Max", este hecho sumerge al planeta en un caos devastador. El impulso detonante de las guerras mundiales se concentra ahora en batallas locales, en las cuales la barbarie, el salvajismo y la muerte son cosa de todos los dias. Con ésta situación como telón de fondo, surge el enfrentamiento más violento visto en ésta saga de peliculas, y que aún hoy no ha sido superada en sus muchas virtudes.

La puesta en escena más impactante:

Poder recrear un mundo extraño y perturbador, pero que al mismo tiempo resulte convincente era el gran reto que se habían impuesto los realizadores, con George Miller a la cabeza. Para ello, contaban con un presupuesto más holgado que en su primer trabajo y la distribución de la Warner Bros. "Mad Max, el guerrero de la carretera" reunió a los mejores especialistas del cine australiano, entre ellos el fotográfo Dean Semler, quien realiza un destacadísimo trabajo, la edición de Michael Balson y el inglés David Stiven, la dirección artistica de Graham "Grace" Walker, a Bob McCarron, el especialista en efectos visuales y maquillaje, quien tuvo la idea de ulcerar el ojo derecho de Mel Gibson, luego de la volcadura de su Interceptor en pleno desierto, dándole al personaje un toque de vulnerabilidad, pero al mismo tiempo la suficiente rudeza en su apariencia durante la cruenta lucha en la carretera, lo que lo convirtió en uno de los heroes de acción más famosos de la década. McCarron trabajó posteriormente en peliculas como "Razorback" de Russel Mulcahy, y en la célebre "Braindead" de Peter Jackson. Y en la musica, vuelve la impresionante partitura de Brian May.

El estilizado trabajo nos permite observar el esfuerzo de aquellos personajes por obtener un rasgo de civilización a partir de los desechos y restos de un mundo previo al fin de la civilización. Los pertrechos, armatostes, y la chatarra mecánica rescatada del desierto y disponible aún, es utilizada en la construcción de instalaciones, refugios y vehículos puestos a punto para una veloz carrera. Los hombres y mujeres se visten con cueros, correas, prendas llenas de objetos metálicos, y a llevar armas e implementos de todo tipo, acondicionadas especialmente para su uso personal, desde un anciano que siempre lleva un casco de guerra hasta un niño que porta un eficaz boomerang. Max lleva su antiguo traje policial, con algunas modifiaciones. Aún se desplaza en su célebre vehículo negro, el Interceptor, hasta su destrucción luego de un enfrentamiento con los amos del desierto.

Los asesinos llevan prendas que se inspiran en los guerreros de distintas épocas y lugares. Pueden ser bárbaros como es el caso de la impresionante presencia de Lord Humungus, mientras que sus soldados muestran una feroz apariencia, que conserva lo más representativo de la violencia de todos los tiempos, desde el nazismo, la guerrilla urbana, las tribus guerreras del lejano oeste, etc. El diseño corresponde a la artista Norma Moriceau. Esta atractiva estética agitó el cine de acción de los años 80´s y se retomó en muchas ocasiones en otras producciones. Esta pelicula hace posible que la violencia pueda ser observada con una fascinación única, y que aquello que podríamos llamar lo fantastico resulte realmente impresionante.

Los personajes :

Mel Gibson hace un trabajo estupendo. Su caracterización del solitario aventurero acompañado solamente por su perro, lo cual recuerda a cierto relato de Harlan Ellison, resulta perfecto. Convertido luego en uno de los actores mejor pagados en Hollywood, es decir, una mega estrella, lejos de ello no cabe duda que es un gran actor, capaz de realizar roles tan peculiares como el de un hombre desfigurado en "El hombre sin rostro", o el revolucionario William Wallace en "Corazón valiente", y además, ambas peliculas dirigidas por él mismo en lo que se ha convertido su actual ocupación. Sin duda, sus más célebres personajes son el detective Riggs de "Arma mortal", y por supuesto, es Max Rockatansky o mejor dicho, el loco Max. Dudamos mucho de una posible nueva secuela sin su presencia.

Los demás actores son rostros desconocidos, pero entre ellos hay que destacar el trabajo del actor Bruce Spence como Gyro Captain, el piloto de un curioso helicoptero que cruza los cielos y cuya aparición resulta oportuna en mas de una ocasión; el carisma del personaje permitió su regreso en la tercera parte de la saga. Completan el reparto los actores Mke Preston como Papagallo, Kjell Nillson como el temible Lord Humungus y Vernon Wells como Wez, el esbirro más salvaje de los amos del desierto. Destaca tambien la presencia del actor infantil Emil Minty como Feral Kid, el niño dueño de un potente boomerang, y que siente una admiración por el misterioso recién llegado al refugio.

Como Moisés y los elegidos :

El pueblo oprimido por el monstruoso clan de bárbaros logrará una oportunidad ante la llegada del mesiánico Max, No se hace mención a ninguna profecia, ni nada semejante, pero no es necesario. Existe la promesa de una mejor vida. Ellos son un grupo de personas que buscan un lugar más alla de aquel infernal desierto en donde echar raices y empezar de nuevo. En otras palabras, buscan su tierra prometida, para lo cual deberán emprender un éxodo similar al hecho biblico. Max aparece ante ellos, pero a diferencia de cualquier enviado del cielo, sólo colabora según su conveniencia. Y peor aún, decide abandonarlos una vez que ha conseguido el combustible y la provisión necesaria para seguir su errante camino; pero su intento de fuga en solitario se frustra, quedando en peligro de muerte, sólo salvado por su amigo Gyro Captain, caído del cielo (Max lo ve así) en su aparato volador. Recuperado, Max acepta ayudarlos. No es que sea realmente un ser de frio corazón, se lo pensó mucho al no ayudar en primera intención a aquella gente, pero la tragedia personal y el mundo tal cual es, casi ha sepultado su humanidad bajo la arena del hostil ambiente en el que sobrevive. Finalmente, aprendida la lección, vuelve el oficial Rockatansky y comprende que es su deber, tanto salvar a aquellos hombres como enfrentar a los crueles asesinos, asi que se pone al frente de la marcha de vehiculos. Max cumple lo que parece ser su destino trazado, algo que sin duda asi retratarán los cuentos y leyendas que muchos años después hablen de él y su increible hazaña.

De esta manera, el desierto australiano se convirtió en el escenario perfecto para poner en marcha la más espectacular persecución de vehículos que se haya filmado. Desde las impresionantes tomas aéreas que permiten visualizar la concentración de coches, cada cual mas singular y aguerrido, desde motocicletas, carros areneros, un inmenso omnibus, y hasta un potente camión, acondicionado apropiadamente para enfrentar la embestida de sus oponentes que buscan detenerlo o destruirlo, se desplazan todos ellos, a toda velocidad. Todos seguidos muy de cerca por el equipo de camarógrafos dotados de especiales recursos para lograr unos primeros planos en movimiento realmente espectaculares. Mel Gibson conduce su propio vehiculo como se aprecia en las escenas en que se puerta derecha es arrancada por los garfios de sus enemigos.

Lord Humungus se desplaza raudamente, llevando su masa muscular sobre un kart amenazante y a toda marcha, mientras que Wez, su esbirro, se desplaza con agilidad felina entre los vehiculos en marcha, lo que lo convierte en el más peligroso enemigo que Max debe enfrentar en plena huida. Los actores de riesgo que participaron en éstas secuencias, algunos de ellos resultaron con varias lesiones, ya que sus escenas implicaban impactar sus vehiculos y salir despedidos por los aires, como puede verse en mas de una ocasión. La arena, la inclemencia del ambiente, la violencia que se desata sobre ellos, cada detalle es filmado por el director Miller con maestria admirable. Los que saben, señalan que ese desierto es digno del mejor John Ford, que Mel Gibson refleja al mitico John Wayne en sus aventuras en el oeste. Quien esto escribe, si reconoce la mirada nostálgica de quien vió los western de Sergio Leone: el sudor, el rostro acerado, la violencia más sucia, presentes en los fotogramas que se suceden en éste espectaculo de pura y fascinante acción.

El final que promete un nuevo comienzo :

Max descubre que su esfuerzo, más que salvar el combustible en sus depósitos, se ha hecho para salvar la vida de ese grupo de sobrevivientes, que llevan no sólo un bien preciado a bordo de su vehículo, sino que en su interior guardan algo más valioso, como es la esperanza en un mejor mañana. Es el sueño de aquel niño que desea crecer y convertirse en el mejor, inspirado en la imágen del guerrero de la carretera. No hay suficientes bárbaros para destruir ese poder, quizás el mas importante del ser humano, hoy y mañana, aqui y en Tomorrow-morrow-land.

Callejón infernal (1977)

Titulo original : "Damnation alley"

Es un dia cualquiera para el teniente Jake Tanner, asignado a una base aérea en pleno desierto en California. Allí trabaja al lado del mayor Eugene Denton, con quien suele llevar una relación poco amigable. Sin embargo, un repentino ataque aéreo con misiles provenientes de fuerzas extranjeras pone en alerta roja el centro de operaciones. El mayor Denton tiene la dificil tarea de contraatacar el bombardeo, y para ello debe activar el mecanismo antimisiles junto con el teniente Tanner. El resultado es una gigantesca explosión en el cielo, pero el bombardeo no pudo ser detenido completamente, con lo que dará inicio la tercera guerra mundial. Dos años más tarde, Norteamerica se ha convertido en un territorio desolado, y en gran parte esta contaminado por la radiación atómica. En la base aérea sólo permanecen Denton, Tanner, y dos soldados más, Keegan y Perry. Han logrado sobrevivir en aquellas instalaciones, permaneciendo a la expectativa de cualquier señal enviada por más sobrevivientes. Finalmente, Denton capta una señal proveniente de Nueva York, por lo que deciden abandonar el lugar y viajar hasta el origen de aquella comunicación. Para ello deben cruzar el desierto radioactivo, recorriendo lo que han denominado "el callejón infernal", a través de lugares libres de contaminación pero no de peligros, de los cuales no todos sobrevivirán.

La ciencia ficción en la década del 70 había adquirido una especial atención por parte de Hollywood; el éxito logrado por peliculas como "Omega man", "El planeta de los simios" o "Rollerball" había consolidado las posibilidades taquilleras a gran magnitud del género, y por ello, la productora 20th Century Fox alistó dos grandes producciones para su estreno en el año 1977. Una de ellas se ha convertido en un clásico y ha originado una serie de peliculas y especiales que parecen no tener fin. Esa fue "Star Wars" de George Lucas. La otra, fue una pelicula estrenada meses después del apabullante éxito de la famosa cinta mencionada con el fin de lograr su propio público y resonancia. La pelicula fue "Callejón infernal", y nunca alcanzó el éxito esperado, más alla de cierto culto cinéfilo por parte de los seguidores de la ciencia ficción de serie B.

El director Jack Smight había logrado cierto éxito en el cine norteamericano por aquellos días. Su pelicula "Aeropuerto 75", secuela de una saga de peliculas de desastre aéreo, se había convertido en una de las más taquilleras del cine de catástrofe a pesar de las malas criticas. Contaba con las actuaciones principales de Charlton Heston, al parecer infaltable en la supertaquilla, el veterano George Kennedy y la interesante actriz Karen Black, envueltos en una historia delirante sobre el vuelo de un gigantesco avión comercial conducido por una azafata. Al año siguiente, Smight logró realizar un buen trabajo con otra cinta de interés: "La batalla de Midway", una cuidadosa producción, a todo costo, sobre un episodio bélico posterior al ataque a Pearl Harbor durante la Segunda Guerra Mundial. Un film muy logrado donde además destacan nuevamente Charlton Heston en el rol protagónico, acompañado por un nutrido reparto de estrellas como Glenn Ford, Hal Holbrook, Robert Mitchum, Pat Morita y otros. Los bandos enfrentados, el norteamericano y el japonés, eran liderados por los siempre recordados Henry Fonda y Toshiro Mifune, respectivamente, en destacadas actuaciones.

Con éstos logros dentro del cine comercial es que al director Smight se le encarga la realización de una pelicula de ciencia ficción con un notable presupuesto de $17,000,000, para aquellos años una cifra muy significativa. La historia se basaba en el relato del mismo nombre escrito por Roger Zelazny, y que a la fecha es considerado uno de los mejores trabajos de éste autor. El guión de la pelicula estuvo a cargo de Alan Sharp junto a Lukas Heller, ambos guionistas respetables de amplia trayectoria. Al inicio de la cinta, tras una breve presentación de los personajes protagonistas, podemos apreciar la crisis nuclear que se desata y que conduce a una inevitable tercera guerra mundial. Una gigantesca explosión que es presenciada a través de las pantallas en la base aérea nos convierte en testigos de la catástrofe. El mundo se convierte en una zona de conflicto de grandes proporciones debido al poderio armamentista que se despliega a toda potencia, como luego puede comprobarse al encontrarnos con una tierra devastada, convertida en un territorio peligroso por la radiación liberada y por la alteración climática provocada por el desplazamiento del eje de la Tierra tras la fuerza atómica destructiva.

Acercándonos a finales de la década del 70, el temor a un eventual lucha de las superpotencias dentro de la llamada "Guerra fria" aún se dejaba sentir en Norteamerica. La visión ofrecida en ésta pelicula con respecto a un posible enfrentamiento fue utilizada nuevamente en más de una ocasión, más intensamente durante la llamada "era Reagan" (década de los 80`s), en cintas como "Al dia siguiente" donde se observa el hongo atómico en suelo norteamericano o en "Miracle Mile" de Steve De Jarnatt, sobre el preciso momento en que se desata el conflicto. "Callejón infernal" refleja este temor, pero lo hace en menor medida, y más bien a partir de ello desarrolla una historia post-apocaliptica en la línea de "Un muchacho y su perro", donde a través de una especie de extraña excursión recorremos un territorio donde el mundo conocido ha dejado de existir y se ha instalado una nueva realidad, tanto en las personas y sus relaciones como en la misma naturaleza. Sin embargo, siendo sinceros, aquella pelicula de L.Q.Jones resulta mucho más interesante y singular.

El relato de "Callejón infernal" nos muestra a dos personajes muy distintos. El mayor Denton es un oficial respetuoso de las reglas, y al mismo tiempo un lider natural, mientras que el teniente Tanner es un hombre joven, disconforme y de espiritu aventurero, que hace recorridos en su motocicleta por zonas inhóspitas, exponiéndose a peligros como la presencia de escorpiones gigantes, producto de las radiaciones que han creado mutaciones en los seres vivos del desierto. Junto a ellos se encuentran los soldados Keegan y Perry, quienes colaboran en el mantenimiento del refugio. Tras descubrir una señal de radio que les da a conocer la existencia de más sobrevivientes como ellos, y al ocurrir la explosión accidental de la base militar donde se refugian, se embarcan en el viaje a través del desierto en busca de un mejor destino.

Hasta aquí la pelicula narra la historia en forma concreta y segura. Y es en éste punto donde entran en escena dos vehículos que con los años se han convertido en objetos referentes dentro del cine fantástico, como son los llamados "Landmasters": dos gigantescos camiones de aspecto imponente, invulnerable y arrollador, diseñados por Dean Jefferies, el mismo responsable de la linea de vehiculos vistos en la pelicula "Death race 2000". La imágen del "Landmaster" ha quedado vinculada a las historias post-apocalípticas como los tanques a las historias bélicas. Asi, podemos apreciar vehiculos similares en varias cintas posteriores que recrean éste tipo de escenarios. Entre muchos ejemplos basta mencionar los mas recientes casos de producciones como el remake de "El amanecer de los muertos" de Zack Snyder, o en el regreso de George A.Romero en "La tierra de los muertos", en las cuales ciertos vehículos gigantescos son convertidos en fortalezas rodantes contra la amenaza exterior de un ambiente hostil.

Pero, de aqui en adelante la narración se vuelve irregular, mostrando un mayor interés en los momentos en que se desarrolla la acción, hasta en tres ocasiones especiales que ocurren a lo largo del viaje, y por lo cual podría decirse que tenemos como resultado una pelicula hecha en base a episodios aislados, cuyo eje central, los sobrevivientes y su interacción al interior del gran vehículo, pierde un mayor interés llegando incluso a tener un desarrollo monótono. Los personajes simplemente se convierten en protagonistas de un hecho tras otro. El encuentro con un par de sobrevivientes permite recuperar momentaneamente el interés al interior del vehiculo y sus viajeros, aunque como se verá posteriormente, las cosas no llegan a cambiar en absoluto, pues la aglomeracion de personajes pierde sentido. Sin embargo, cabe destacar que en su última media hora aproximadamente, el encuentro de todo el grupo con una banda de asesinos desfigurados, afectados por la radiación en el ambiente, recrea una situación al más puro estilo del western, con un resultado muy efectivo. Y luego, la catastrófica secuencia final despliega mayor acción y nos muestra mas sorpresas con respecto al potente vehiculo.

Respecto a la puesta en escena, en este aspecto el director Smight recrea una ambientación desolada en buena medida gracias a su trabajo en exteriores en California, Arizona y el Gran Cañón en Utah. Además, obtiene algunos momentos intensos, como en el ataque de la plaga de cucarachas carnivoras, una secuencia que ofrece algunos momentos de horror visual muy logrados, o en medio de la noche del desierto bajo una intensa tormenta radioactiva, gracias a sus buenos efectos especiales. Otro de sus trucos visuales es la aparición de escorpiones gigantes, que son imagenes amplificadas que aparecen al lado de los actores. Actualmente, estos trucos no sorprenden a nadie, lo cual demuestra cómo ha envejecido la pelicula, pero, digamos que es el efecto visual más comunmente utilizado en aquellos años. Otros ambientes, como la ciudad de Las Vegas, abandonada con una sola excepción, o el pequeño poblado habitado por delincuentes, pueden apreciarse como escenarios montados en forma discreta pero suficiente.

Acerca de los protagonistas, tenemos al actor George Peppard como el teniente Denton. Siendo un actor de una prolifica carrera, el señor Peppard realiza uno de sus menores trabajos, en un periodo en que empezaba a escasear su labor en el cine, hasta que años mas tarde llegaría a la televisión en la recordada serie "The A-Team", o en nuestro idioma denominada "Los magnificos". Quizás en ésta pelicula ya podemos vislumbrar una figura similar a la que interpretaría en aquella serie, como lider de un grupo que recorre el mundo en un gran vehiculo. Vista ahora, la imágen de Anibal Smith no deja de estar presente en cada aparición del actor. Acompaña a Peppard el actor Jan Michael Vincent, quien logró cierta atención en aquellos años tanto en el cine como en la televisión, pero que tuvo un paso fugaz por las grandes producciones, quedando afincado posteriormente en la serie B de acción y realizaciones para el mercado doméstico de alquiler. Sin embargo, en ésta pelicula, a pesar de parecernos una actuación discreta, logró una nominación como mejor actor por el trofeo Saturn del cine de ciencia ficción.

Tambien tenemos al actor Paul Winfield, de mucha trayectoria en el cine, fallecido en el año 2004. En cuanto a los personajes que se unen a la expedición tenemos al joven Billy, a cargo del niño actor Jacky Earle Haley, conocido por su participación en la comedia "Bad new bears" de 1976, y a la bella Janice, sobreviviente en la ciudad de Las Vegas, a cargo de la atractiva actriz francesa Dominique Sanda, quien posee una filmografia realmente interesante, habiendo trabajado bajo las órdenes de directores como John Houston, Luchino Visconti o Bernardo Bertolucci, y que aquí cumple con prestar su bella presencia.

Finalmente, se puede decir que "Callejón infernal" resulta una pelicula que parte de una interesante premisa, pero que luego desarrolla una historia convencional y poco sorprendente que se apoya en sus momentos de acción y suspenso, unas actuaciones poco comprometidas y ello en gran medida a un diseño superficial de los personajes. El autor Zelazny vió minimizada su historia, pues según las referencias, es mucho más compleja y de una mayor fuerza sicológica en su único protagonista, el teniente Tanner. Ademas, a pesar de su holgado presupuesto, este no resulta muy notable en su puesta en escena, con la excepción de apreciar los "landmasters" con un costo cada uno de $300,000; por lo demás, la pelicula tiene una apariencia poco atractiva para el gran público que prefiere la espectacularidad visual a los escenarios arenosos, y peor aun si se tiene un desarrollo propio de un telefilm, que finalmente decepciona. Pero, actualmente, y bien advertidos, hasta puede entretener una tarde aburrida en medio de su sencillez y su envoltura propia de una época tan fructifera y especial dentro del cine de aventuras.

Rollerball (1975)

En el año 2018 los viejos sistemas de gobierno nacionales han sido erradicados. El mundo ahora conoce un nuevo poder globalizador que se encuentra en manos de las grandes corporaciones multinacionales. Ellas han establecido un estricto control de la población dirigiendo sus vidas y canalizando sus deseos e inquietudes personales hacia las posibilidades que el sistema les ofrece. Además, ponen a disposición del público el mayor espectáculo deportivo nunca antes visto: el Rollerball. Convertido en el deporte emblema del planeta, el torneo del Rollerball por el campeonato mundial despierta la expectativa de toda la población que disfruta de sus vibrantes encuentros cargados de violencia, sangre y destrucción. En vivo o vía satélite, el implacable enfrentamiento de dos equipos de patinadores y motociclistas al interior de gigantescos estadios permite la distracción general del público y el olvido de sus preocupaciones, absorbiendo sus mentes de otras inquietudes que pudiesen surgir, y sobretodo, dejando muy en claro en sus conciencias la gran enseñanza que se desprende de ésta actividad, como es, la vanalidad que presupone el esfuerzo individual, y por el contrario, lo valioso y significativo que resulta ser el trabajo coordinado en equipo.

Sin embargo, este sistema alimenta en su interior un agente desestabilizador. Jonathan E., campeón mundial y máximo anotador de su equipo, el representativo de Houston, y convertido en la estrella del Rollerball, es llamado a reunión por el señor Bartholomew, dirigente del sponsor de su equipo, la Energy Corporation, la más poderosa corporación empresarial del mundo, y una vez alli es notificado acerca de su separación del equipo y retiro obligatorio de la actividad deportiva. El status de estrella que Jonathan ha adquirido lo convierte en un elemento peligroso para los intereses de la clase gobernante, que busca eliminar la individualidad del ser humano. Extrañado ante la sorpresiva decisión acerca de su carrera, el jugador se resistirá a abandonar su equipo y empezará a indagar acerca de la naturaleza del gobierno ejercido por la Corporación Energy. De este modo, empieza su batalla personal contra todo un sistema, la cual pondrá en peligro su vida y la de sus compañeros; de éste modo, la violencia en su máxima expresión se traslada al estadio del Rollerball y siembra muerte y destrucción, pues la consigna es clara : Jonathan E. debe morir.

La "Tocatta and fugue" de Johan Sebastian Bach abre en forma dramática uno de los relatos futuristas más impactantes de la ciencia ficción. "Rollerball", dirigida por el norteamericano Norman Jewison, se ha convertido con el paso del tiempo en una pelicula de culto gracias a su contundente mensaje y por su impecable estilo visual, muy impactante y espectacular. La historia original fue escrita por William Harrison. El autor recuerda cómo nació su relato. La idea surgió en medio de una simple anécdota según la cual, al asistir como espectador de un partido de basketball universitario fue testigo de un pleito entre los jugadores el cual enardeció tanto a la gente dentro de la cancha de juego como a aquellos que se encontraban en las tribunas. Mientras la rabia y el odio iba surgiendo en los rostros de la gente, Harrison tomaba nota mentalmente de aquellas reacciones, las cuales posteriormente le harían plantearse la pregunta ¿qué grado de violencia alcanzaría la humanidad en sus manifestaciones deportivas en un futuro no muy lejano?, teniendo en cuenta la forma tan sencilla en que el lado irracional del hombre se apoderaba de sus actos, dejando a un lado el espiritu deportivo, supuesto móvil de estas congregaciones. Tras escribir la historia, fue publicada en la revista Esquire bajo el titulo "Rollerball murders" en el año 1973, y no tardó mucho tiempo para que despertara el entusiasmo de los productores cinematográficos, los cuales le propusieron realizar un guión adaptado para la pantalla grande.

El director Norman Jewison es un hábil realizador, cuya filmografía demuestra como parte de sus preocupaciones una tematica social por la defensa de los derechos individuales. Suyas son las peliculas "Fist", "Justicia para todos" o la simpatica comedia "Riqueza ajena" con Danny De Vitto, en ellas el tema central de su historia se encuentra en la reacción del hombre común frente a un sistema considerado desde tramposo hasta opresor y corrupto. En "Fist" el grupo de trabajadores a quienes se les vulneraba sus derechos, conforman una masa que llega a defenderse a pura fuerza, por lo cual el director se valió de la figura de Sylvester Stallone en el papel del lider de aquella resistencia. Incluso Jewison va más alla de ello y entrega al rudo actor varios momentos dramáticos para soltar su discurso reinvindicador.

Entonces, no es de extrañar que alguien como Jewison realice una crítica frontal al afán hegemónico y apabullante de las grandes entidades corporativas, las cuales, en nuestra sociedad moderna, influyen decisivamente en el modo de vida del hombre. El relato fantástico recrea un mundo en el cual éste poder ha sido alcanzado finalmente en forma absoluta a base del lavado de cerebros y el control mental, utilizando para tal fin el poder de los medios de comunicación representado en la constante presencia de monitores o pantallas gigantes, como las que se utlizan en el estadio del rollerball, en los domicilios, sea en reuniones intimas como la de Jonathan y su pareja, o en bulliciosas fiestas, mostrando imágenes que llaman a la celebración despreocupada y frívola. Pero el uso más siniestro se encuentra en aquellas reuniones a modo de teleconferencias, donde los conspiradores del mundo llegan a acuerdos con respecto al manejo del orden establecido. La pesadilla de todo teorico de las conspiraciones toma forma en ésta historia de lucha por la libertad, en una exposición contundente.

Lo grande y maravilloso del cine no es sólo su capacidad para entretener o maravillar, sino tambien la forma en que puede demostrar una capacidad autocritica impresionante, más teniendo en cuenta que estamos ante una producción millonaria de la United Artist, y que entre sus patrocinadores estuvo la BMW, prestando sus instalaciones en Bavaria, Alemania, para la realización de muchas de sus escenas.

Precisamente en su puesta en escena "Rollerball" logra un nivel de aprobacion sorprendente. La dirección de Jewison da por resultado un trabajo impecable, contando con la estupenda fotografia de Douglas Slocombe, que mereció el premio Bafta en dicho rubro. Y es que aquellos momentos en cada uno de los encuentros entre los distintos equipos son impresionantes, al resultar convincentes en cada uno de sus detalles, mostrándonos un extraño deporte, imaginario pero tan real al mismo tiempo en su crudeza y violencia, ello frente a un público entusiasta y enfervorizado como puede apreciarse, con carteles, banderas, y con las barras que claman por sus equipos. Y lo mejor de todo está en lo que sucede en aquellas pistas de juego. Dispuestas en forma circular por donde los jugadores, tanto los siete patinadores con los tres motociclistas que componen cada equipo, se desplazan a toda velocidad tras una bola metálica, que tiene apenas el tamaño de una mano, lanzada a través de un canal lateral automatica y velozmente por el observador que controla la torre ubicada al centro del circuito. Para ello se utilizó el estadio Olympic de Munich, el cual sirvió para representar a más de un campo de juego, pues según el relato el campeonato se desarrolla en Madrid, como en Roma y Pittsburgh.

Los jugadores de ambos bandos, equipados con un uniforme especial, e implementos como rodilleras, coderas, guantes y un casco que recuerdan al fooball norteamericano, se lanzan velozmente tras su objetivo, apoyándose mutuamente en contra de sus adversarios a quienes no dudan en frenar a punta de golpes, patadas y empujones, pues se trata de un deporte de contacto total, llegando inclusive a ponerse en peligro la vida de los participantes debido a los feroces ataques de sus oponentes. La violencia que supuestamente el nuevo orden ha extirpado de las calles y ciudades para el bienestar de los ciudadanos, ha sido implantada en éstos campos de juego para deleite del morbo más enfermizo del público espectador. El entretenimiento para la población les asegura una estabilidad en su control de la población y su perpetuidad en el poder. Los jugadores, como Jonathan, se convierten en piezas utilizadas para tales fines. A ellos se les asegura una vida a todo lujo, e incluso compañia femenina escogida previamente por el sistema para su satisfacción y tranquilidad al sentrise elementos importantes dentro de ésta extraña sociedad.

Mas allá del campo de juego los edificios de la gran ciudad presentan un estilo futurista tanto en sus exteriores como en sus diseños interiores. El director Jewison tomó como fuente de inspiración la visión mostrada en la cinta de Stanley Kubrick "La naranja mecánica", con una arquitectura donde destacan el vidrio y el concreto. La dirección artistica recibió mas de una mención honrosa, a cargo del especialista John Box, en un notable trabajo.

Teniendo una buena historia y contando con todo un aspecto técnico y equipo de primer nivel, el director Jewison completó ésta gran obra con la participación de un reparto inolvidable de actores. El peso de la cinta sin duda recae en el personaje de Jonathan realizado en una brillante caracterización a cargo del gran James Caan. El actor fue elegido por el director luego de ser visto en la cinta "Brian´s song", donde interpretaba al jugador de los Chicago Bears Brian Piccolo, en lo que constituye un drama ambientado en el mundo del deporte. Caan da vida a su personaje, la estrella del rollerball, que repentinamente es convertido en la amenaza para todo un sistema. Su destreza, su posterior desconcierto, su inquietud ante lo que va descubriendo y finalmente su decisión y coraje para enfrentar los violentos partidos por el campeonato mundial son registrados en una brillante actuación que convierte este papel en uno de sus mejores rabajos de su extensa carrera, aun en vigencia. James Caan es uno de mejores actores del cine norteamericano que brilló tambien en peliculas como "El padrino" de Francis Ford Copolla, hasta sus recientes apariciones tanto en el cine como en la televisión.

Otra de las actuaciones destacables es la que realiza el actor John Houseman, visto con frecuencia en aquellos años en varias peliculas y tambien en la T.V. como el recordado profesor Kingsley de la serie "Paper Chase", conocida en nuestro medio como "Alma mater". Su fria actitud y distinguida presencia son perfectas para el papel del siniestro señor Bartholomew, amo y señor de aquel gobierno totalitario. En otros roles vemos tambien al actor John Beck como Moonpie, el compañero de juego de Jonathan, y a la bella actriz Maud Adams, uno de los bellos rostros del cine de la decada del 70.

"Rollerball" logra ser una producción muy estimable, tanto por su argumento como por su impecable realización, cuidadosa en cada detalle, logrando transmitir su mensaje de lucha por la libertad individual y su rechazo a la violencia, señalado ésto como la intención del director, a pesar de lo atractivo que resultan sus secuencias de acción y la tensión transmitida en aquellos memorables partidos. Y es que el ser humano dificilmente abandonará su lado violento, el cual lo acompaña desde que surgió de la tierra. Ojala el futuro descrito en ésta pelicula quede en la ficción y no se convierta en una terrible realidad, a pesar de lo cerca que nos encontremos de ella.

Breve Off-topic: blog del dia y otros menesteres ¡¡¡¡

Pues que me ha llegado éste premio sorpresivamente, y por ello debo agradecer al blog amigo "¡Que grandes son las pelis cutres¡¡¡", por la mención a éste pequeño espacio : http://peliscutres.wordpress.com/2008/03/14/off-blog-premios-blog-solidario-blog-del-dia-y-%c2%a1el-nunca-lo-haria/#comment-736

Y bueno, dado que no soy muy entendido en ésto de los mecanismos de los blogs, y si es que he comprendido bien las reglas, la premiacion ha sido la de "Blog del dia", "Blog solidario" y "El nunca lo haría". Esta es una buena forma de afianzar los lazos entre la comunidad de blogeros que a estas alturas somos muchos, y de este modo lograr una mejor interaccion entre nosotros. Definitivamente es una estupenda idea de la cual espero participar mas aun en el futuro, y no solo por el premio sino por apoyar y contribuir lo mas posible a mantener nuestra actividad en estos espacios, que hacemos con mucha dedicación, al menos en lo posible, por mi parte ya quisiera actualizar mas seguido, pero asi es la vida pues, no importa, seguiremos. Asi qe me toca mencionar los siguientes premiados a continuación bajo mi consideración :

Blogs del dia, Blog solidario :

Psychotronic Cult Video :
- http://psychotronickultvideo.blogspot.com/
Otros clásicos :
- http://otrosclasicos.blogspot.com/
El extraño vicio del dr. Hitchcok :
- http://stranovizio.blogspot.com/
CinemaScope :
- http://fantomas-cinemascope.blogspot.com/
Matamoscas y sapos :
- http://matamoscasysapos.blogspot.com/
Plano Cenital :
- http://planocenital.blogspot.com/
Lucas Robledo Cine :
- http://lucasrobledocine.blogspot.com/
The Devils Rides Out :
- http://thedevilridesout.blogspot.com/

El criterio como se señala es la mayor participación en los blogs, por mi quisiera incluir a todos los que alguna vez hayan caido por aqui, pero reglas son reglas. Lo importante es seguir descubriendo mas informacion gracias a la constante actividad que nos ocupa. Asi que, saludos a todos, y nos seguimos leyendo...