Navidades de terror en los ochentas - Parte 3

 NOCHE DE PAZ, NOCHE DE MUERTE 2 - SILENT NIGHT, DEADLY NIGHT 2

La película del año 1984, "Silent night, deadly night" que dirigió Charles E. Sellier Jr. llegó al mercado doméstico del VHS luego de la censura que sufrió el film durante su estreno en salas, lo que limitó su exhibición en forma drástica. Según imdb, el director se alejó de sus productores, por lo cual estos encargaron al realizador Lee Harry y a su equipo de guionistas elaborar una historia sobre Ricky, el hermano menor del protagonista Billy, la cual debería añadirse al primer film como versión extendida. Sin embargo, no se tardó mucho en considerar la opción de lanzar una secuela con el material obtenido, el cual apenas daba para un mediometraje. Esto no fue problema, ya que la solución ocurrente fue añadir distintos episodios extraídos directamente del primer film, a modo de flashbacks.

El resultado es una película mal actuada, de historia previsible, editada de aquella manera, pero muy entretenida. De todas maneras, es un producto que cierra la historia de los violentos hermanos y su manía con el disfraz de Santa Claus. Los únicos personajes que vuelven son Ricky, en versión adulta, a cargo del actor Eric Freeman, en una interpretación surrealista e inolvidable de todas maneras, y la Madre Superiora, esta vez a cargo de la actriz Jean Miller.

NOCHE DE PAZ, NOCHE DE MUERTE 3: CUIDADO - SILENT NIGHT, DEADLY NIGHT 3: BETTER WATCH OUT

Una "rara avis" dentro de las películas de terror de los años ochenta es sin duda la tercera entrega de la saga "Noche de paz, noche de muerte". Esta película es como el vaso con agua a la mitad: medio lleno o medio vacío, según la vista de cada quien. Como producto de entretenimiento resulta bastante discreto, a diferencia de sus entregas predecesoras. Pero luego te lo piensas, y es cuando notas las intenciones que encierra y es ahí cuando reconoces su mayor interés.

El productor Arthur Gorson ha dedicado la mayor parte de su carrera a la producción de vídeos musicales para una larga lista de artistas de primer nivel. Sin embargo, en sus inicios tuvo a su cargo la producción de algunos films singularmente destacables como lo son “Cronos” del director mexicano Guillermo del Toro, “Guardianes de la noche” del director ruso Timur Beckmanbetov, y “Cabeza de vaca” del director mexicano Nicolás Echevarría. Sin embargo, su primera producción fílmica fue nada menos que “Noche de paz, noche de muerte 3”, la cual fue destinada directamente al mercado del videocasette.

Para llevar a cabo esta película, Gorson acude a un amigo suyo, un realizador de larga trayectoria.

Tenemos que hablar de Monte Hellman

El director norteamericano Monte Hellman inició su carrera a finales de los años cincuenta, realizando películas para los míticos productores Gene Corman y Roger Corman. Su primera película fue "Beast from haunted cave" del año 1959 sobre unos ladrones de bóvedas que se topan con una especie de araña gigante oculta en una cueva; un típico film sobre monstruos, de los que solía producir Gene Corman por aquellos años. Sus siguientes películas fueron protagonizadas por el gran actor Jack Nicholson, en los inicios de su carrera, quien además participaba en los guiones, como ocurrió en la cinta de aventuras "Flight to fury" de 1964, o en el western "Ride in the whirlwind" del año 1966.

Con varios trabajos a cuestas, todos dentro de la serie B, llega el año 1971. El director Hellman realiza su cinta más célebre como es "Two-Lane Blacktop": una historia sobre unos jóvenes pilotos de carreras clandestinas de coches. Película protagonizada por James Taylor y Dennis Wilson, reconocidos músicos que aquí incursionaron en la actuación, junto a la actriz Laurie Bird. Además, se suma a ellos la gran presencia del actor Warren Oates. Se trata de un film emblemático de aquellos primeros años setenta, posteriores a la contracultura de la década anterior, pero que se nutre de sus ideas, sobre la independencia, la individualidad, la mística de la vida y la incertidumbre del destino, todo ellos reflejados en unos viajes por carreteras solitarias que no parecen tener fin. Esta película debe ser referencia obligatoria en cualquier estudio sobre la historia del cine norteamericano, creo yo.

Sin embargo, paradójicamente, la carrera posterior de Hellman no llegó a producciones de mayor envergadura. En el año 1974 realiza la película "Cockfighter", la cual, como indica su nombre, va sobre peleas de gallos. La película es un drama interesante, bien actuado por Warren Oates, secundado por Harry Dean Stanton, actores habituales en la filmografía del director. Lamentablemente, no se lograron los resultados económicos esperados por el productor Roger Corman, a pesar de ordenar su reedición a cargo del director Joe Dante. A pesar de ello, su polémico argumento no ayudó con las audiencias ni con la crítica especializada.

El director se mantuvo activo en pequeñas producciones y en trabajos para la televisión, hasta que en el año 1989 es contactado por el productor Arthur Gorson, quien le envía el guion que había escrito para la película "Silent night, deadly night 3", y le ofrece la dirección de esta película. Hellman descarta el guion y encarga uno nuevo al escritor Rex Weiner. Esto ocurrió en marzo del año 1989, y ya para julio del mismo año la película fue presentada en un festival, y en noviembre fue lanzada al mercado del videoclub, pues no tuvo estreno en salas. Se filmó a la brevedad posible, y se editó de manera efectiva, por lo cual Hellman señala esta experiencia como su mejor trabajo, que no su mejor película.

Ya en el año 1989 eran muy reconocidas las figuras de Michael Myers, Jason Vorhees o Leatherface, como desalmados y silenciosos villanos. Para la ocasión de su nuevo encargo en el género del terror, el director Hellman ubica a su villano en la misma línea: Ricky es un sobreviviente de los hechos ocurridos en la segunda parte de la saga, es decir, de "Silent night, deadly night 2". Se ha convertido en un sujeto con el cráneo destrozado, llevando el cerebro expuesto y apenas protegido por una cubierta transparente, una especie de monstruo de Frankenstein. Para el film, quien tiene a cargo el papel de Ricky es el reconocido actor Bill Moseley, en un papel donde no luce nada de su talento. Otro detalle curioso es que los slashers de la época habían dado un giro hacia los temas paranormales, donde la amenaza del monstruo implicaba el despertar de facultades mentales extraordinarias en la final girl de turno. Este elemento es incorporado en la trama, haciendo que la protagonista sea Laura, una invidente con poderes de percepción extrasensorial y que desarrolla una conexión con el villano, recluido en un laboratorio donde se practicaban experimentos, de los cuales ella era participante.

A partir de estos asuntos, el relato se configura como una persecución del gato y el ratón, sin mayor explicación, una vez que el villano Ricky despierta de su letargo prolongado y adquiere una fijación por Laura, porque ella pudo ingresar en sus sueños.

El relato convierte a la carretera en el espacio donde se trasladan sus protagonistas, tanto los héroes, las víctimas y el monstruo, mientras sueltan reflexiones sobre la naturaleza del ser humano, con opiniones delirantes y otras muy ásperas. Una de ellas es la que suelta el detective encarnado por el actor Robert Culp al médico de Ricky, encarnado por el actor Richard Beymer, quien solicita atrapar con vida a Ricky por ser de interés para la ciencia, a pesar de haber huido dejando a su paso una serie de víctimas inocentes de manera cruel, a lo cual el detective responde: "estudiar serpientes es lo que usted hace; mi tarea es pisarlas".

En esta ocasión, el director Hellman nos muestra que el autostop, tan recurrido hasta hacerse anecdótico en su clásico "Two-Lane, Blacktop", ahora es algo peligroso y mortal. De esta manera, el slasher que aquí se presenta resulta muy singular. El director recurre al horror gráfico lo mínimo posible, aunque sin escatimarlo, optando por narrar el acto violento fuera de cámaras, en casi todo el metraje. La puesta en escena pone énfasis en la sensación de peligro que sólo Laura, la protagonista invidente, puede percibir a gran escala gracias a sus facultades excepcionales. El rol es interpretado por la actriz Samantha Scully, una bella actriz, muy efectiva en su rol, que hace al personaje muy creíble, ya que ella es una discapacitada, pero no es una indefensa, y su carácter despliega tanto virtudes como defectos. Llama la atención que, siendo ella el rostro en el cartel de esta película, su filmografía posterior se redujo a cuatro films hasta el año 1997.

El terror se pone en marcha, primero a través de corredores plenamente iluminados, como parte de las pesadillas de Laura. Este es el preámbulo. Luego, la mayor parte del film se desarrolla en la realidad tenebrosa de las sombras de la noche, con las carreteras solitarias, o la escasa iluminación dentro del hogar que ya ha sido profanado por la presencia malévola.

A lo largo de su filmografía, Hellman ha sabido desarrollar personajes muy interesantes. Gracias a ello, el elenco de protagonistas en este film realiza un trabajo bastante competente. Los distintos caracteres pueden resultar predecibles dentro de los esquemas y clichés del género, y aun así resultan relevantes. Tenemos al villano desalmado, a la final girl excepcional, a los jóvenes secundarios reconocibles, apenas dos personajes en este caso, al "mad doctor" cuya ambición por lo extraño le hace perder la razón, y al detective experimentado, pero con dificultades para alcanzar a su objetivo. Mención honrosa para la abuela, una suerte de guía espiritual en momento de crisis.

Llama la atención la presencia de actores vinculados pocos años después a la gran serie televisiva "Twin Peaks", obra magna del director canadiense David Lynch. Puedo suponer que esto se explica por la presencia del actor Eric DaRe, hijo de Joanna Ray, directora de casting de la serie en sus tres temporadas. Tanto Eric DaRe como Richard Beymar formaron parte de la serie mítica, que inició su andadura en el año 1990. Así como, años después, la actriz Laura Elena Harring, quien interpreta a la novia del personaje de DaRe en "Silent night, deadly night 3", forma parte del elenco estelar de "Mulholland Drive", la obra maestra del director Lynch.

La propuesta de Monte Hellman para esta película funciona sí y no. Al prescindir en gran parte de la violencia extrema habitual en el género slasher, y dar mayor relevancia a la recreación del suspenso y la atmosfera de la invasión, la secuela plantea un escenario interesante, y busca llevar el relato por nuevos derroteros, ya que la historia de los hermanos Billy y Ricky no da para más. Hay un mínimo uso de flashbacks sólo para recordarnos su pertenencia a la saga. Sin embargo, esto puede afectar la expectativa del seguidor de la saga de "Silent night, deadly night", donde la violencia gráfica es infaltable, arropada con el traje de Santa Claus y los adornos navideños, los cuales en esta entrega brillan por su ausencia. A ver, exagero. Los hechos transcurren durante la navidad, pero el ambiente festivo resulta irrelevante. La diferencia de estilo con las dos primeras entregas es radical. El film pagó el precio por ello, siendo de las peores calificadas dentro de la saga compuesta por cinco entregas. De todos modos, es una manera de verlo, porque la película presenta planteamientos interesantes, y prepara a su espectador para el cambio de relato que significó la década de los años noventa para el cine slasher: mucho más interesada en las atmosferas sombrías, y en el suspenso que adquiere mayor importancia.

Feliz Año Nuevo.

Navidades de terror en los ochenta - Parte 2

 Seguimos revisando algunas peliculas de horror donde Santa Claus tiene una especial participación.

NOCHE DE PAZ, NOCHE DE MUERTE - SILENT NIGHT, DEADLY NIGHT

Este es el film de terror navideño más célebre de estos años. Solo me atrevo a agregar que se trata de una película bien construida, con todo el retrato de Billy, el peligroso Santa Claus, explicando su locura desde la infancia hasta la adultez. Su trauma se desarrolla a raíz de una experiencia violenta y terrible. O acaso ya estaba predispuesto a ello por la herencia de un abuelo enfermo mental, recluido en una institución. Vaya que los padres son oportunos al visitar en la noche de navidad al abuelo loco, alguien capaz de traumar a su pobre nieto.

Lo que sorprende de esta película es que apenas con una duración aproximada de hora y media nos presenta esta historia bien contada, haciendo una descripción breve y precisa de los personajes, del entorno en el cual conviven, un entorno que se encuentra secuestrado por la violencia que reina en las calles, así como la violencia que el pequeño Billy encuentra, más tarde, detrás de las paredes de un claustro religioso, con consecuencias muy traumáticas para él y su hermano pequeño Ricky. Una vez que superamos la mitad del film es cuando se desarrolla la brutal cacería que el asesino vestido de Santa Claus desata por las calles, dando rienda suelta a la locura que lleva guardada tantos años. La narración, las desconcertantes situaciones, la música empleada, todo se alinea de manera efectiva. La película asume su condición de slasher clásico, y aborda completamente la violencia, el gore artesanal, los personajes que son víctimas intercambiables y los policías torpes. Toda una serie de situaciones que llevan de una tragedia a otra.

El director Charles E. Sellier tiene en su filmografía sólo cinco películas como director, y esta es sin duda la más célebre. Valorado por sí sólo, es un slasher de bajo presupuesto interesante y logrado. Sus filmes posteriores son la cinta de acción "Anihilators", una producción bastante discreta que parece un episodio largo de la serie "A-Team", y la comedia "Snowballing". Ambos no tuvieron mayor repercusión.

NO ABRIR HASTA NAVIDAD - DON´T OPEN TIL CHRISTMAS

En este caso tenemos un slasher británico. Una película de género en toda regla, con violencia gráfica, asesino enmascarado, escenas urbanas de pesadilla (qué sórdida se ve Londres), y las correrías policiales para descubrir y detener a un misterioso ejecutor de señores vestidos de Santa Claus, en plena época navideña. Estos elementos se desarrollan bien en unas ocasiones y en otras no tanto. La narración presenta unas elipsis algo bruscas, que me llevó a creer que me había perdido de algo, en más de una ocasión. Asimismo, las actuaciones son correctas, sin mayor relevancia. Y la identidad del villano es de sencilla resolución. Nuevamente tenemos el caso de un enfermo mental que desarrolló una fobia u odio a la figura de Santa Claus, a causa de un terrible hecho de la infancia. En favor de la película diremos que es muy dinámica en su conjunto, que recrea una atmosfera urbana inquietante y sórdida, y, asimismo, la violencia del género se cumple en justa medida. Además, se puede apreciar un musical protagonizado por la bella Caroline Munro, tan guapa y encantadora como siempre; lástima que le arruinen la presentación.

Es la única película del director Edmond Purdom, quien ante todo es un actor británico de larga trayectoria, desde los años cincuenta hasta principios de los años dos mil. Falleció en el año 2009. Destaca su participación en películas de época, como "The Egyptian", "Nefertiti queen of the Nile", y otras. En el horror, participó en el clásico film del director español Juan Piquer Simon. "Mil gritos tiene la noche", realizada por los mismos productores de "Don´t open til christmas", y también se le puede ver en maravillas del cine italiano como "Ator el poderoso". "2019, tras la caída de N.Y.", o "El día negro", una buena película de suspenso con una buena actuación de Franco Nero. En la película que dirigió también se reserva un papel, como el inspector de policía asignado al caso, un rol que lleva correctamente, aunque algo desaprovechado, creo yo.

Feliz Navidad ¡

Navidades de terror en los ochentas

En el año 1974 la película de Bob Clark, "Navidades negras" saltó a la fama con su novedosa propuesta, todo un referente para los siguientes trabajos de cineastas como John Carpenter, nada menos, y se convirtió en título de culto. Sin embargo, fue en los años ochenta cuando el terror navideño estalló en los cines en forma estrepitosa. Es curioso que en esta década fueron lanzados casi de manera atropellada una serie de películas de horror dentro del subgénero slasher que se ensañaban con las fiestas navideñas, y en modo muy especial con su figura comercial más representativa, como lo es el bonachón Santa Claus o Papá Noel para Latinoamérica. Puede ser entendido como una crítica al mercantilismo que envuelve una fiesta cristiana, pues, si, obviamente. No obstante, hubo ocasiones en las cuales tal o cual propuesta iba más allá, con resultados muy interesantes.

Bueno, aquí tenemos una pequeña selección de títulos muy ejemplares de aquella ola de horror que alcanzó niveles de popularidad alarmantes, al menos en Norteamérica:

- To all goodnight (enero de 1980)

- Christmas evil (diciembre de 1980)

- Silent night, deadly night (noviembre 1984)

- Don´t open till christmas (diciembre 1984)

- Silent night, deadly night 2 (abril 1987)

- Silent night, deadly night 3 (noviembre 1989)

Para que la entrada no me salga muy larga, vamos con las dos primeras.

FELIZ NOCHEBUENA - TO ALL GODNIGHT

Un buen día, el actor David Hess, rostro reconocido como el maloso de "Last house on the left", la obra de culto del director Wes Craven, se reunió con el también actor Alex Rebar, autor de varios guiones para películas, pero mejor recordado como el protagonista de esa obra de culto que es "The incredible Melting Man", una bizarra serie B que vale mucho ver. Ambos deciden llevar a la pantalla una historia de la cual Rebar firma el guion y Hess se pone tras la cámara, en lo que sería su primera y única experiencia como director de un film. El resultado de aquella aventura es una película, la cual vista hoy en día podríamos llamar interesante y fallida al mismo tiempo.

La película "To all goodnight" fue filmada en diez días para su lanzamiento en enero de 1980, de acuerdo a imdb, wikipedia y sus referencias. Siendo la primera realización de David Hess es comprensible su estilo amateur y el apresuramiento en ciertas decisiones, así como la falta de recursos que impiden una mejor cinematografía. En líneas generales, la historia sobre el ataque brutal de un Santa Claus en la noche de navidad, al interior de un internado de estudios, está bien planteada, aunque contiene momentos que se hacen eternos y presenta personajes de trazo sencillo, como la final girl, el nerd buena gente, la loca que se vuelve bailarina, además de no contar con actuaciones especialmente destacables.

Sin embargo, se trata de una de las obras precursoras del género slasher, es decir, forma parte del legado que años más tarde permitió al director Wes Craven, ya citado, y al guionista Kevin Williamson concebir la apoteosis del terror de los años noventa que fue la película "Scream". De hecho, "To all goodnight" es el típico slasher muy al estilo de Craven: desarrollado en ambiente casero de espacios cerrados, correrías entre habitaciones, y un asesino de misteriosa identidad, cuya resolución sospecho que ha llenado las notas de estos realizadores. Y en este caso puntual, esa trama secreta también recuerda al otro slasher fundacional, realizado por otro colega tanto de Craven como de David Hess, como lo es el señor Sean S. Cunnighan, y su film "Friday the 13th", estrenada en aquel año 1980 tan solo unos meses después. ¿Musas en la misma sintonía? ¿casualidad? lo desconozco. 

Por ello, ver "To all goodnight" es de condición obligatoria para apreciar estas movidas de la evolución, no ya sólo del Santa Claus asesino, sino del género en su conjunto.

NAVIDAD SANGRIENTA - CHRISTMAS EVIL

Lewis Jackson es un realizador de cine norteamericano cuya filmografía se compone de tres títulos como director. Las dos primeras películas que realizó en los años setenta hoy en día son películas perdidas, de las cuales se pueden encontrar por internet tan solo los posters publicitarios. Su última película se estrenó en el año 1980, y es una obra que escribe y dirige, titulada "Christmas evil".

La producción del film corre a cargo de la compañía productora del mítico Edward R. Pressman, y es distribuida en los cines norteamericanos por la Cannon Film.

"Christmas evil" es una película que se distingue de otras cintas de horror navideño simplemente porque no es una película de horror, algo que el mismo director ha señalado. Es más bien, una comedia negra con tintes propios del slasher de aquellos años, que convierte a Santa Claus en una figura inquietante. No obstante, se trata de una obra que se toma muy en serio su discurso, en contra del capitalismo que pervierte el mensaje navideño, y que desfigura la unión familiar y las relaciones entre las personas.

Aunque, en este caso, el mensaje en el film es proclamado por un sujeto trastornado desde la infancia, cuando descubre en su propia casa que la ilusión de la Navidad es un engaño terrenal y pecaminoso, lo cual produce en él una ira que estalla en su tediosa adultez, en medio de una crisis existencial que le lleva a perder la razón. El protagonista se convierte en un Santa Claus asesino, y como punto de vista de la narración nos invita a conocer sus inquietudes mientras recorre la noche, premiando a las buenas personas y castigando a quienes considera han hecho el mal. La persecución policiaca se desata, haciendo todo más intenso, hasta sorprendernos con ese final deslumbrante.

Un buen momento de la película es la secuencia en la cual este Santa Claus participa en una celebración privada de Noche Buena, al interior de un local lleno de gente. Alegría y mucha tensión al mismo tiempo. Muy bien logrado.

El elenco de actores es bastante competente. El actor Brandon Maggart asume el rol del lunático Harry Stalding de manera convincente, lo mismo que el actor Jeffrey DeMunn, como su hermano Phillip. Este último, hoy en día es un veterano de larga filmografía, de la cual basta mencionar dos títulos: "The Walking Dead" y "The Mist", como buenos ejemplos.

De todo lo anterior se desprende que "Christmas evil" es una película bien lograda, que comparte estética y envoltura con el cine de terror navideño, pero es cine de autor con un argumento que invita a cierta reflexión.

Feliz Navidad.

Death Spa (1988)

En un lujoso gimnasio ocurre un terrible accidente, el cual llama la atención de las autoridades. Pocos días después, se produce al interior del local otro extraño incidente que vuelve a poner en peligro la vida de una concurrente. Estos acontecimientos son los primeros de una serie de hechos mortales, sin explicación alguna. El dueño del local inicia su propia investigación y descubre algo que la policía no alcanza a comprender: hay una fuerza maligna y sobrenatural que siembra la muerte cada noche y que recorre el complejo en busca de venganza.

Un buen día, la productora Jamie Beardsley logró contactar al veterano productor norteamericano Walter Shenson, en cuya extensa filmografía cabe destacar que es el responsable de dos películas del cuarteto de Liverpool, The Beatles, como son "A hard days nights" y "Help". Ya cercano al retiro, Shenson decidió aceptar la propuesta de Beardsley de trabajar juntos en la producción de una película. Por su parte, Waleed B. Ali, productor y colaborador de Shenson, les sugirió embarcarse en la producción de una película de horror, ya que se trata de un mercado muy atractivo. Beardsley acepta, y decide que la historia de horror debe mostrar la fiebre del momento: es decir, el fitness y los aeróbicos. Esta premisa inicial se encargó al guionista James Bartruff, quien realizó una primera propuesta, la cual fue reescrita por el guionista Mitch Paradise. Un tercer involucrado fue el guionista Kirk Honeycutt, quien dio una revisión final, según la productora Beardsley, pero no fue acreditado. El resultado final es la historia de horror que se estrenó en el año 1988, y se tituló "Death Spa".

Para la dirección del film, el encargado fue el director austriaco Michael Fischa, quien hizo su debut en el largometraje en esta producción. La carrera posterior del director ha sido esporádica, alternando géneros entre la comedia y el horror de la serie B. En el año 1989 presentó la comedia de horror "My mom is a werewolf", una simpática cinta, discreta y algo bizarra para ser una comedia familiar. En 1992 dirigió la película de acción y suspenso "Delta heat", una "buddy movie" de manual, bastante correcta, donde lo mejor son las actuaciones de su elenco, conformado por los actores Anthony Edwards, el recordado protagonista de "Miracle mile", el gran Lance Henriksen, y la bella Betsy Russell ("Tommy boy", "Angel 2"). Como se puede intuir, estas obras hallaron su lugar en el mercado doméstico del videoclub y la televisión. En este milenio, el director ha realizado películas de horror tanto en América como en su natal Austria, aunque su última película es "Rice girl" una comedia familiar lanzada en el año 2014, la cual tuvo una serie de TV en el año 2023. A mi juicio, se trata de un correcto narrador, que conoce su oficio, y por lo cual, si tengo oportunidad de ver sus cintas de horror austriacas lo haré de buen gusto.

El elenco de actores de esta cinta incluye en el rol protagónico a William Bumiller, habitual actor de T.V., en el rol protagónico, interpretando al sufrido dueño del spa; la bella actriz Brenda Bakke, quien asume el rol de la novia, la primera víctima del mal; el actor Merritt Butrick, habitual de la saga de películas de "Star Trek", y que nos dejó poco tiempo después del estreno del film, tiene a su cargo el papel del experto en computadoras y controles del spa; y el gran Ken Foree, quien siempre será Peter, de "Dawn of the dead", aquí como el jefe de seguridad y hombre de confianza del dueño del local, faltaba menos. Tambien se puede apreciar a Chelsea Field, actriz y coreógrafa de extensa filmografía, y a la joven Karyn Parsons, de la serie "El principe del rap", quien contó en una convención que guarda un buen recuerdo de su participación en esta película, la cual le dio su carnet del SAG, es decir del sindicato de actores. Además de otras figuras del elenco, todos ellos realizan un trabajo correcto dentro de esta delirante historia.

La cinta combina el slasher con el terror sobrenatural: los sucesos que se van desencadenando y los giros de la trama finalmente revelan una intriga delirante, la cual se puede adivinar, valgan verdades, pero ello no le resta efectos, ya que mantiene una narración bastante dinámica, con personajes bien planteados en líneas generales, unos más que otros, resultando bastante funcionales, aun con algunas acciones y situaciones algo incoherentes, pero que no le quitan a este producto el divertimento que promete. La puesta en escena resulta bien conseguida dentro de esta economía de escenarios, con mucho mérito por parte del director de fotografía Arledge Armenaki, quien mantiene ese estilo colorido propio de los locales de danza y clubes de gimnasio, transmitiendo ese ambiente ochentero bastante entrañable, para mi gusto. El trucaje visual y efectos especiales resultan bien conseguidos, y se muestran especialmente atractivos en el último acto del film: un festival de violencia y delirio que dan el colorido cierre al entretenido espectáculo.

"Death Spa" fue una película que logró un estreno limitado en cines norteamericanos, y del mismo modo en Europa, pero bajo el título de "Witch bitch". Su destino siguiente fue el VHS en el año 1990. Fue redescubierta en el año 2007 por el documentalista Elijah Drenner, con una producción en la cual se muestra el detrás de cámaras del film. Una pelicula llena de anécdotas, propias del bajo presupuesto, y algunas más ocurrentes, como la que contó la productora Jamie Beardsley: el haber filmado en un club de fitness real ubicado muy cerca al departamento de la actriz Bette Davies, quien alguna vez salió a su balcón a verlos trabajar.

Rostro del asesino - Blood rage (1987)

En un autocinema, una pareja mantiene un encuentro amoroso al interior de su vehículo. En los asientos posteriores yacen dormidos Todd y Terry, dos niños gemelos, hijos de la joven mujer. En el descuido, los niños escapan y recorren la playa de estacionamiento, hasta encontrar otro auto donde, en forma sorpresiva, uno de los niños ataca a sus ocupantes, y asesina brutalmente a un adulto. Diez años después, Todd, el niño acusado, se ha convertido en un adulto encerrado en una institución mental, mientras Maddy, su madre, vive en su residencia acompañada por su hermano Terry. En el día de acción de gracias, Todd logra escapar, y se dirige al hogar de su familia. La cena de acción de gracias se convertirá en una reunión familiar terrorífica.

En el año 1983. el director John Grissmer logra realizar la película "Blood rage", pero no fue sino hasta el año 1987 cuando se hizo oficial el estreno limitado en los cines norteamericanos. Esta película no resulta demasiado conocida, siendo una obra bastante entretenida y efectiva, a pesar de sus defectos, que los tiene. Como ha ocurrido con muchas producciones de estos años, la película en cuestión mantiene más de un título, siendo el original "Complex", cambiado por el director a "Slasher", el cual fue nuevamente cambiado cuatro años después, cuando llegó a las salas de cine, por el título de "Nightmare at Shadow Woods", para quedar finalmente bajo el nombre de "Blood rage" para el mercado doméstico. El estreno limitado en salas mantuvo muchos cortes. El metraje completo recién pudo apreciarse en la edición en DVD y bluray del año 2015, lo cual es de agradecer.

La película es una obra que desarrolla la típica trama de horror del gemelo malvado, esta vez desde el subgenero del slasher, contando para esto con muy pocos recursos bien aprovechados, al menos en lo posible, lo cual obtiene un producto bastante entretenido. El peso de la película recae en dos actuaciones: la doble participación del actor Mark Soper, dando vida a los hermanos Todd y Terry, uno como víctima inocente y el otro como un despiadado y sanguinario asesino. El actor logra este trabajo en forma efectiva, sin mayores recursos que el cambiar de peinado y ropas, así como un efectivo cambio de actitud y trabajo corporal que nos convence de tener en frente a dos personas distintas. No hay trabajo de efectos visuales, ya que el forzoso encuentro entre ambos personajes se resuelve con dobles de cuerpo, a la vieja usanza.

La otra actuación a destacar es la de la actriz Lousie Lasser, ex esposa del actor, guionista y director Woody Allen, y que ha participado junto a él en obras clásicas como "Robó, huyó y lo pescaron" ("Take the money and run"), "Bananas" y en "Everything you always wanted to know about sex...", tres comedias que marcaron el inicio de la trayectoria del célebre director neoyorquino. Aparte de las obras citadas, esta dama de la actuación ha mantenido su carrera desde la década del sesenta a la fecha, sobretodo en producciones televisivas y en ciertas películas bastante interesantes, como lo pueden ser "Réquiem por un sueño", "Mistery men", o "Hapiness" de Todd Solondz y "Frankenhooker" de Frank Henenlotter. En "Blood rage" su trabajo es el mejor de la función, en esta historia de traumas infantiles donde la figura materna es capaz de despertar una locura muy enfermiza. Su trabajo en la película reconoce el tono de exageración que requiere esta historia no exenta de humor negro, y mejora el nivel amateur de la mayor parte del elenco.

El trabajo artesanal de efectos visuales es otro de los puntos más destacados de la película, y de los más celebrados. Estos se encuentran a cargo del especialista Ed French. Muy dignos del gran nivel de otros slashers de la época. Asimismo, la música de Richard Einhorn con un tono electrónico muy carpenteriano, es otro de los elementos a considerar entre lo más logrado del film.

"Blood rage" es un slasher de aire amateur y sin embargo bastante competente, repleto de excesos visuales y situaciones extremas, con un elenco de actores juveniles no muy destacable, salvo el trabajo del actor Mark Soper, aunque hay momentos donde el personaje se le va de las manos, sobretodo en el último tercio del film, con un desnivel de ritmo donde los personajes parecen deambular sin mucho sentido, con un guion que se aprecia muy inseguro. Se sabe que hubo algunos problemas durante el rodaje, como el abandono del set por parte del director, quien finalmente regresó presionado por la productora. Sin embargo, ahí está Louis Lasser, poniendo de su parte en estos delirantes momentos. Precisamente, la secuencia final salva estos baches, con una resolución dura y efectiva.

Con sus aciertos y errores, estamos ante una película que cumple con entregar lo prometido: una historia de horror delirante, que mantiene enganchado a su espectador de principio a fin, y que merece destacar dentro de la abundante producción realizada en estos turbulentos años del horror clásico independiente.

Rabia - Rabid (1977)

En mi lista de películas favoritas veo que no he incluido nada de David Cronenberg, lo cual es un error porque si me gustan sus películas, así que por ahora recupero este viejo post que le dediqué hace la tira de años a su gran obra "Rabia":

Un accidente en la carretera es el punto de partida de la más terrible experiencia en la vida de Rose. Ella junto a Hart, su novio, es conducida a la clínica más cercana del lugar donde la motocicleta de ambos se estrelló, llegando a un centro de investigación en cirugía estética. Debido a la gravedad del estado de la bella joven, se decide salvar su vida empleando una técnica experimental de injerto de piel al interior de su organismo. El resultado es desconcertante: Rose se convierte en un ser destructivo, pues bajo uno de sus brazos se extiende una protuberancia capaz de perforar a otra persona, extrayéndole sangre al mismo tiempo que le infecta un virus semejante a la rabia. Este mal se propaga y hace que los infectados se conviertan en seres hambrientos de sangre, por lo que atacan y muerden a todo aquel sujeto que encuentren a su paso. Mientras tanto, Rose recorre las calles silenciosamente, buscando saciar su cruel apetito.

David Cronenberg nació en Toronto, Canadá, en el año 1943. Su formación incluye estudios en literatura inglesa y filosofía, siendo gran admirador de los escritores William Burroughs y Vladimir Nabokov, autores de reconocidas obras como "El almuerzo desnudo" y "Lolita", respectivamente. Sin embargo, su más fuerte inquietud resultó siendo el cine, por lo cual realizó los siguientes cortometrajes: "Transfer"(1966) y "From the drain" (1967). Posteriormente produce y dirige los mediometrajes "Stereo"(1969) y "Crimes of the future"(1970). Para entonces, Cronenberg había constituído la asociación independiente Toronto Films Co-Op junto a su colega Ivan Reitman, reconocido posteriormente como el director en Hollywood de comedias como "Los cazafantasmas" y su secuela.

El debut de Cronenberg en el cine fue en el año 1975 con el largometraje "Shivers", titulado en nuestro idioma "Vinieron de dentro de..." una historia perversa acerca de un experimento realizado por un científico con una joven estudiante, que desata el contagio de unos parásitos mortales al interior de un edificio, convirtiendo a sus habitantes en zombies hambrientos de sexo. El resultado en cuanto a taquilla fue bastante auspicioso. Esta fascinación por el tema de una terrorifica nueva relación entre el cuerpo humano y su entorno es tratado nuevamente por el director en su segundo largometraje, al cual tituló simplemente "Rabia".

Cronenberg ofrece esta historia que podría ser una metáfora de la sexualidad en su vertiente más agresiva, empleando para ello la figura de una actriz muy especial: Marilyn Chambers, una bella y reconocida estrella del cine porno gracias al éxito de su cinta "Behind the green door" del año 1972. La elección inicial para el papel de Rose, la protagonista de "Rabia", había sido la actriz Sissy Spacek, apenas salida de su éxito en "Carrie" de Brian de Palma en el año 1976. Sin embargo, la compañía asociada a la producción del film, Cinépix, prefirió contar con un rostro de sus filas, por lo cual Marilyn Chambers llegó al reparto y se hizo del papel. Consideramos que esto resultó más que adecuado para el director a la hora de plasmar su extraña fantasía.

Su modesto costo de producción de $350,000 no impide que "Rabia" sea un film brillante de principio a fin, y eso gracias a la eficaz labor de David Cronenberg. El director abre el relato con una bien filmada secuencia en la carretera que concluye en un espectacular accidente. Luego, vemos sin reparos la operación quirúrgica a Rose en la clínica estética, donde la sangre y la extirpación de piel se muestran crudamente. A continuación, la intriga y el suspenso empiezan a tomar forma en la extraña reacción de la joven, quien despierta convertida en una cuasi-vampiresa que infecta a sus víctimas con un virus rabioso y sanguinario.

El director hace de su personaje central una femme fatale en términos extremos: ella sufre un insano apetito por la sangre el cual busca aplacar de cualquier forma. Bajo su brazo, en plena axila, oculta un extraño punzón que emerge de su interior para extraer la sangre de otra persona cuando la estrecha fuertemente a su cuerpo, prodigio de los efectos visuales. Estas escenas implican un contenido erótico en las cuales cobra importancia la sensualidad de la actriz en su seductora entrega, tanto a hombres como a mujeres. El director alcanza notas de horror destacables y logra dotar al film de un ritmo que va creciendo en dinamismo e intensidad, al convertir a su protagonista en la portadora de un mal de carácter apocalíptico.

La rabia que se extiende por la ciudad es la extensión del odio que nace en Rose, oculto como un deseo sexual imparable. Como si de ella se desprendiera una atractiva fragancia para la población masculina, más de un varón se le aproxima buscando satisfacción sexual. Sin embargo, serán infectados y convertidos en algo similar a un zombie sediento de sangre que atacará a otras personas, mordiéndolas rabiosamente (incluso, segregan abundante espuma por la boca); aquí encontramos el pequeño homenaje de Cronenberg a la mítica "La noche de los muertos vivientes" de George A. Romero. Marilyn Chambers, cuya belleza particularmente me recuerda a la actriz Lindsay Wagner, se convierte en una hermosa figura seductoramente mortal. Tremendo logro. Mientras tanto, Hart la busca incesantemente hasta lograr enfrentarla con su monstruosa obra, pues ella parece incapaz de comprender el grado de locura y maldad que ha desatado en el mundo su extraño poder, más allá de satisfacer su propia sed de sangre.

Asimismo, el terror adquiere un carácter global al mostrar la forma en que el virus se extiende por las calles en diversos escenarios, como ocurre al interior del metro, en un centro comercial, y en las calles de la ciudad, donde los infectados se lanzan sobre los autos en marcha, siguiendo su feroz apetito. Cronenberg nos muestra un pequeño ambiente apocalíptico cuando la historia señala cómo la OMS declara la epidemia sobre la ciudad, lo cual lleva a establecer la ley marcial en las calles, en medio del pánico y el caos, en pleno ambiente navideño.

El reparto de actores incluye a Frank Moore como Hart, Joe Silver como el socio de la clínica Murray Cypher, Howard Ryshpan como el doctor Keloid y Susan Roman como Mindy Kent, entre otros miembros del elenco. El desempeño de todos ellos resulta muy convincente, lo cual es otra de las virtudes del film. La cinta fue filmada en Montreal, Canadá.

"Rabia" es una gran película que nos muestra a un genial David Cronenberg en sus inicios, violento y bizarro, y al mismo tiempo personalísimo en su propuesta temática: una cruel simbiosis entre el cuerpo y su entorno que logra pervertirlo, lo cual constituye un nuevo estado corporal llamada por muchos "la nueva carne" que ha influido a muchos otros autores como Clive Barker ("Libros sangrientos") o William Gibson ("Neuromante"). Sus obras posteriores como "Cromosoma 3", más oscura aún, "Videodrome", quizás la más delirante, y su más reconocida y exitosa versión de "La mosca" resultan más reveladoras al respecto.

Evil Toons (1992)

 Cuatro señoritas se trasladan hasta una vieja casona abandonada para cumplir las labores de limpieza durante el fin de semana. Las referencias del lugar le dan mala fama pues se cuenta que sus antiguos habitantes desaparecieron sin dejar rastro alguno. Una vez instaladas y dispuestas a descansar, reciben la visita inesperada de un hombre misterioso, quien les entrega un viejo libro con horribles dibujos y textos en lengua extraña; una vez hecho esto, el sujeto desaparece sin explicación alguna. La lectura de un pasaje del libro va a despertar una fuerza maligna, y se hará presente en la forma de ... una caricatura.

"Evil toons" es una película tal como su nombre indica, sobre caricaturas diabólicas, aunque en realidad se trata de una sola caricatura la que vemos en escena y en pocos momentos. A pesar de esto, se trata de una obra que cumple lo que promete, teniendo en cuenta sus referencias. La dirección está a cargo de Fred Olen Ray, veterano realizador con una extensa filmografía la cual recorre distintos géneros, tales como el terror, la ciencia ficción, el erotismo, la aventura y la acción, todas estas producciones realizadas dentro de la serie B, siendo en buena parte títulos de muy bajo presupuesto. Un ejemplo de lo dicho es precisamente la obra que nos ocupa, y basta ver el trailer del film para apreciar la economía de medios en la cual se desarrolla esta producción, lo cual no le perjudica, por el contrario, le otorga un encanto especial hasta hoy en día, más de treinta años después de su desenfadado lanzamiento.

En esta ocasión, dejamos al director al cual sin duda volveremos con otra de sus realizaciones, y vamos a centrarnos en otro de los aspectos más llamativos de esta película: el elenco de actores.

La película es una comedia con tintes de cine de horror, a partir de un argumento descabellado, que no deja de ser la enésima versión de la vieja historia de libro maldito. La puesta en escena es muy representativa del trabajo de su director en las comedias que realizó por aquellos años, con una narrativa sencilla y lineal, de planos fijos, que no lo son tanto, a modo de obra teatral que desarrolla distintas secuencias con muy prologada duración, que muestra la interacción de sus personajes inmersos en espacios cerrados, con sus reacciones y diálogos que los describen de manera sencilla y muy clara, y a unos más que a otros. El guion está escrito por el propio director.

El sentido del humor que desarrolla es bastante moderado, donde se recurre a situaciones absurdas de tono adulto, pero sin caer en los excesos de la grosería o el mal gusto. Si bien sus diálogos no son demasiado picantes, si lo son algunos destapes que realizan sus actrices protagonistas. La falta de mayores medios técnicos hace que lo más atractivo del film sea el elenco protagónico: un elenco de solo ocho actores y un actor de voz. Por un lado, tenemos a cuatro señoritas que aseguran la simpatía del público masculino, realizando las rutinas requeridas por el director, pero sin convertir esto en un film explicito o en exceso gráfico. Además, su trabajo en escena queda bien resuelto, dentro de la propuesta que constituye esta disparatada obra. Y, por otro lado, tenemos a cuatro actores que participan del enredo porque la vida es así, hay que trabajar.

En primer lugar, tenemos al elenco femenino conformado por las actrices Monique Gabrielle, Madison Stone, Stacy Nix y Suzanne Ager. Todas ellas, actrices de cine para adultos, especialmente consagradas como lo son Madeline Stone y Stacy Nix (a.k.a. Barbara Dare), mientras que Suzanne Ager ha alternado su corta carrera con más de una colaboración con el director Fred Olen Ray, en producciones de distintos géneros. Y aquí llegamos al siguiente punto.

Tenemos que hablar de ... Monique Gabrielle.

La actriz Monique Gabrielle es uno de los rostros más bellos de aquellos años ochenta, que inició su estrellato como modelo de la revista Penthouse en el año 1982, y su salto al cine fue inmediato. Acredita como primera participación en una película la comedia del director Ron Howard "Nightshift" del año 1982, si bien su aparición en la cinta es casi imperceptible. Este tipo de participaciones o cameos se suceden en más títulos destacados, como "Barchelor party" la cual es una de sus apariciones más recordadas, tanto de su carrera como de la propia película, "Airplane 2", "Flashdance", "Weekend warriors" o "Amazon women on the Moon", hasta lograr su primer rol protagónico en la película "Emmanuelle 5", convirtiéndose en la primera actriz norteamericana que asume el rol del personaje de Emmanuelle en ausencia de la mítica Sylvia Kristel, protagonista de las cuatro anteriores entregas. La producción a cargo de Roger Corman tuvo más de una complicación, pero el film logró un éxito moderado y permitió continuar con la serie de películas, si bien Monique Gabrielle no volvió a interpretarlo.

De regreso a América, la actriz retoma sus habituales colaboraciones con el director Jim Wynorski, otro prolífico artesano de la serie B, en películas bastante reseñables como "Deathstalker 2", "Not of this Earth", "Swamp Thing 2", o la policial "Hard to die", donde demuestra que el cine de acción también lo cumple con buena disposición. Alterna su tiempo trabajando con otros directores, como el especialista en acción Cirio H. Santiago y, por supuesto, Fred Olen Ray. Su carrera empieza a declinar en la segunda mitad de los años noventa, con participaciones en videos para adultos, hasta su retiro en el año 2002, según consta en el imdb.

Monique Gabrielle no solo es muy bella, sino que además es una actriz muy carismática, dentro de la línea de producciones más convencionales que se incluyen en su extensa filmografía, si bien es cierto, el cine para adultos conforma el mayor número de producciones en las cuales ha participado. En "Evil toons", la actriz asume el rol de chica con gafas y tímida compañera de piso, cosa que desarrolla con gran simpatía.

El lado más disparatado de esta historia corre a cargo de la actriz Madeline Stone, quien interpreta con soltura las situaciones más absurdas, como la posesión demoniaca hecha por el dibujo animado, que se reduce a mostrarla con dentadura postiza, sin mayor maquillaje. A eso hay que añadir la aparición de un personaje con capa y sombrero, con lo cual tenemos claro el nivel de esta producción.

Por otro lado, y quizás lo más anecdótico del film se encuentra en el reparto de actores secundarios que acompañan al elenco femenino. En primer lugar, tenemos al mítico actor David Carradine, figura emblemática del cine y la televisión norteamericana de los años setenta, del cual no hay más que decir. Lo más llamativo de esta participación es que hay un momento en el cual vemos al actor compartir escena con una horca colgada del techo, lo cual nos recuerda la noticia de su partida en el año 2009 por asfixia accidental. Esto es lo más siniestro del film, en el rubro "premoniciones". En cuanto a su trabajo, en esta ocasión como el personaje de capa y sombrero que mencionamos, esta debe ser la peor actuación de su carrera, con muy pocos diálogos y luciendo bastante distraído.

Otro miembro del elenco es el entrañable actor Dick Miller, veterana figura del cine realizado por el director Roger Corman durante su mejor época, los años cincuenta y sesenta. En su extensa filmografía, Miller también ha trabajado con directores como Martin Scorsese o Samuel Fuller. En los años ochenta se convirtió en el actor habitual en las obras del director Joe Dante. Ya en los años noventa, y con trabajos cada vez más escasos, participa en esta producción con total buen ánimo, en medio de las absurdas situaciones que aquí se proponen. Sin duda es el mejor actor de la película, a pesar de sus reducidos momentos en escena.

Completan el reparto los actores Arte Johnson y Don Dowe, muy ligados al cine de comedia y con filmografía variopinta. La voz del personaje animado está a cargo del actor Robert Quarry, el recordado Conde Yorga de los años setenta, quien veinte años después mantuvo colaboraciones con el director Fred Olen Ray, como en esta especial ocasión de manera muy limitada.

"Evil toons" es una comedia discreta, producto de videoclub realizado con pocos medios, muy reducidos, al nivel de un sketch de televisión, pero el buen ánimo de su elenco femenino y la presencia de Dick Miller, quien no se toma en serio ni a su propia figura, hacen de esta película una experiencia muy particular, no apta para todos los públicos, sólo para quienes sepan apreciar la disparatada propuesta en que logra convertirse, aún más extraña que su bicho animado.

My fifty favorites films...

Como está de moda eso de mencionar las cuatro películas favoritas, aprovecho el blog para indicar aquí no mis cuatro películas, que me resulta muy poco, sino mis cincuenta películas favoritas, que, la verdad, también resulta poco, como verán. Para no complicar el asunto, solamente el género del Terror. Todas las he visto por lo menos dos veces, así que no creo que cambie mucho mi opinión en adelante. Hay grandes ausentes que también son de mis favoritas: por ejemplo, no están Alien, porque hice a un lado lo espacial, Dracula de Bram Stocker, más cosas de la Hammer, años sesenta y anteriores, cine latinoamericano, más giallo, películas del 2020, etc., pero es que NO CABEN, el cine de horror es numeroso, y haciendo lo posible dentro de una lista de cincuenta esto es lo que hay. El criterio no es la obra cinematográfica mejor realizada, de gran contenido, o la mejor valorada por la crítica más sesuda, sino la película cuyo descubrimiento me hizo el día inolvidable, que es de lo que trata disfrutar de una película, creo yo. Es como un ranking, pero en realidad quise quitarle la numeración, y dejarlo en una lista sencilla, porque TODAS ESTAS PELICULAS ME ENCANTAN, pero por cuestión de orden preferí numerarlo. Digamos que la diferencia entre una y la siguiente es mínima. Bueno, ahí queda como referencia a los gustos y preferencias en este blog, el tipo de cosas que hallamos encantadoras. Los títulos están en su idioma original:

1.- The Exorcist (1973)

2.- Texas chainsaw massacre (1974)

3.- The Thing (1982)

4.- The Omen (1976)

5.- The Shining (1980)

6.- Dawn of the dead (1978)

7.- Hellraiser (1987)

8.- Reanimator (1985)

9.- Rosemary´s baby (1967)

10.- The Wicker man (1973)

11.- Return of the living dead (1985)

12.- Evil dead (1981)

13.- Braindead (1992)

14.- Night of the living dead (1968)

15.- Profondo rosso (1975)

16.- Suspiria (1977)

17.- Jaws (1975)

18.- Halloween (1978)

19.- E tu vivral nel terrore¡ L'aldilá (1981)

20.- In the mouth of madness (1995)

21.- The ring (2002)

22.- Nightmare on Elm Street (1984)

23.- Friday the 13th (1980)

24.- Dracula (1958)

25.- The birds (1963)

26.- The Mist (2007)

27.- Poltergeist (1985)

28.- The Lost Boys (1987)

29.- Possession (1981)

30.- An American Werewolf in London (1981)

31.- The Howling (1981)

32.- I tre volti della paura (1963)

33.- Nightbreed (1990)

34.- Night of the demons (1988)

35.- Busanhaeng (2016)

36.- Dèmoni (1985)

37.- Phenomena (1985)

38.- Urban legend (1998)

39.- REC (2007)

40.- Puppet Master (1989)

41.- Haute Tension (2003)

42.- Return of the living dead 3 (1993)

43.- Army of darkness (1992)

44.- À l'intérieur (2007)

45.- The VVitch (2015)

46.- The descent (2005)

47.- Psycho (1960)

48.- Martyrs (2008)

49.- Scream (1997)

50.- Honogurai mizu no soko kara (2002)

Edito: diez títulos más, que me duele no haber incluido:

51.- The Devil rides out (1968)

52.- The Sentinel (1977)

53.- Ginger Snaps (2000)

54.- Lords of ilusions (1995)

55.- Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors (1987)

56.- Ku bei (2021)

57.- You´re next (2011)

58.- Vampires (1998)

59.- Vamp (1986)

60.- Witchfinder General (1968)

Perseguido - The Running man (1987)

 El legado de Arnold Schwarzenegger como estrella del cine de acción se mantiene vigente de manera abrumadora. No sólo siguen los comentarios sobre la posibilidad de resucitar la saga de películas de "Terminator", sino que actualmente tenemos anunciadas dos nuevas entregas cinematográficas que cobran relevancia por la nostalgia de sus primeras versiones, estelarizadas por el fornido actor durante la segunda mitad de la década del ochenta.

La primera de ellas viene a ser la séptima entrega de la serie de películas que dio inicio en el año 1987 con el mítico título de "Depredador" ("Predator"), esta vez titulada "Depredador: Tierras salvajes", y que apuesta por un giro argumental que merece ser visto, aun cuando se aleja de la esencia del relato original. Esta película ya está en cartelera.

La segunda película es una nueva adaptación de la novela "The Running man", de Richard Bachman, mejor conocido como el autor Stephen King. De próximo estreno, las primeras reacciones describen una versión muy fiel a la obra escrita, lo cual añade mucho interés a lo que espera verse en la pantalla. Porque, siendo sinceros, la primera adaptación realizada en el año 1987 bajo el mismo título, y protagonizada por Arnold Schwarzenegger en su mejor momento como héroe de acción, es sin duda una película hecha para el lucimiento de su actor principal, dirigida de manera efectiva y satisfactoria, pero totalmente alejada de la novela que le sirve de inspiración.

 "Perseguido" se ha convertido en otra recordada película del catálogo de acción de los años ochenta, pero sin destacar al nivel de las mejores obras protagonizadas por Arnold, como "Terminator", "Conan el bárbaro", o la misma "Depredador", que son títulos claves, no solo del cine de acción sino dentro del cine en general. Pero esto no le resta méritos al film dirigido por el actor Paul Michael Glaser como una obra de acción vertiginosa, muy dinámica y espectacular, bajo la estética de una producción de serie B, sin serlo estrictamente. Los escenarios, los vestuarios, la ambientación construida emulando a un gigantesco set de televisión, donde se juega la vida y la muerte. La impresión que nos deja es la de contemplar una cinta muy deudora de la ciencia ficción de los años setenta en cuanto a temática, como pueden serlo "La carrera de la muerte" de Paul Bartel, o "Rollerball" de Norman Jewison, bajo el empaque y la estética de las fantasias retrofuturistas de los años ochenta, como "Escape de New York" de John Carpenter. 

En esta película, el personaje de Ben Richards es un miembro de las fuerzas del orden en un sistema corrompido, quien por negarse a participar en una ejecución masiva de inocentes es condenado a la prisión del estado, hasta que los directivos del concurso más popular de la televisión ven en su caso un reality ganador de audiencias, por ello lo llevan a participar del concurso más peligroso que se haya conocido.

El gran Arnold desempeña muy bien su rol, como bien lo sabe hacer: carga el film sobre sus hombros y lo convierte en otra de sus aventuras, en las que un sólo hombre derrota todo un sistema de poder corrupto. La narrativa del film pasa por alto todo el drama contenido en la novela original, donde el protagonista es un hombre de la calle, normal y corriente, que en la situación desesperada de perder a su familia encuentra como única salida su participación en el concurso. Pero esta es la opción por la que apuesta la producción y la dirección que asume en último momento el actor Paul Michael Glaser, el recordado detective Starsky. El resultado es una película con entidad propia, y bastante eficaz en sus intenciones, lo cual demuestra la habilidad del director, quien lamentablemente no ha tenido una filmografía más prolífica, pero esta obra, y otra como "Pasión por el triunfo" ("The cutting edge"), del año 1992, demuestran que el actor mantuvo un talento muy respetable, desaprovechado por la industria, como suele ocurrir.

La revisita a "The Running man" ha merecido la pena, sobre una película que debe ser reivindicada, lo cual parece que ha ocurrido gracias a la mira puesta en ella por la nueva versión que está por llegar a los cines, en una producción de mayor tamaño y con todos los recursos técnicos de los que hoy en día se disponen. De todos modos, gracias a Arnold, a Paul Michael Glaser, a María Conchita Alonso, quien acompaña al héroe en su recorrido con un despliegue físico digno de aplauso, a Richard Dawson, el villano de turno y sin duda la mejor actuación de la función, inolvidable como el perverso maestro de ceremonias, a Yaphet Kotto, un actor cuya presencia nunca dejaba indiferente al público, y a todo el elenco de actores, y a todo el equipo por el buen espectáculo entregado en una hora y cuarenta y un minutos de duración.

The House on Tombstone Hill - Dead Dudes in the House (1989)

 Un grupo de jóvenes llega hasta una vieja casona cuya propiedad ha sido asignada a uno de ellos. En las afueras del lugar encuentran una lápida, la cual es tirada abajo por puro gusto. Ellos desconocen que acaban de despertar un ser maligno en la forma de una anciana dentro de la casa: ella es la antigua propietaria del lugar, y se hará cargo de los recién llegados, preparando una trampa de la cual no podrán escapar con vida.

El realizador James Riffel se encarga de escribir y dirigir una producción independiente titulada originalmente "The dead come home", hasta su llegada al mercado de los videoclubs bajo la distribución de Troma Entertainment. En ese trayecto, el film cambia el titulo a "The House on Tombstone Hill" y finalmente "Dead dudes in the House", a lo cual Troma le añade una portada de VHS muy de comedia de aquellos años, sin referencia alguna a la obra realizada. Esto no quita su valor, pues una vez vista la película nos queda en el recuerdo por el buen rato que ofrece al espectador.

La historia es un mix de "casa encantada" y "poseídos" visto en muchas películas previas, cuyo modelo mayor es sin duda el gran clásico "Evil dead", del director Sam Raimi, o ya puestos en marcha, su secuela "Evil dead II". Estos son obras que sin duda han inspirado a muchos realizadores del género del horror, y por ello apostar por este tipo de historias es una constante que no se detiene hasta la fecha. Dentro de todo ese grupo hay títulos que logran personalidad propia y demuestran mucha creatividad, lo que sin duda es una de las mayores lecciones que ha dado la obra de Raimi. "Dead dudes in the House" es uno de esos extraños casos. Si bien es una comedia de humor negro en toda su propuesta, no deja de recorrer caminos bastante turbios a medida que la historia se hace más intensa en emociones.

Sin ser un corta y pega, la historia que propone esta película podría decirse que retoma el asunto de anciana atrapada en el sótano en "Evil dead", pero aquí es liberada dentro de esta casa abandonada. Sin duda, esa situación es una trampa mortal para quienes se atrevan a ingresar en ese recinto. En esta producción, la anciana es un ser de extraña apariencia y con un maquillaje muy de bajo costo. En esto cobra importancia la caracterización realizada por el actor Douglas Gibson con un andar característico y una expresión facial perturbadora: el actor también interpreta a uno de los personajes atrapados dentro de la casa, lo cual es resuelto por el realizador de manera práctica con la participación de un doble del actor. Además, hay una actriz de voz para los diálogos del personaje, los cuales son pocos, pero resultan muy efectivos.

La película es una realización de bajo presupuesto, con escenarios reducidos, cuenta con un elenco de actores debutantes, de los cuales solo unos pocos han logrado una carrera en cine y televisión, y con una producción muy ingeniosa en decorados y efectos visuales muy atractivos, siendo esto último su mayor fortaleza dentro de la legión de admiradores que mantiene. No tanto así el maquillaje, que se aprecia a un nivel muy básico. La dirección de James Riffel es muy dinámica, con planos acertados, y con mucho entusiasmo en los momentos de mayor tensión. La dirección de actores es correcta en cuanto a la dinámica que desarrolla y ello permite que el relato de escaso metraje no decaiga en ningún momento.

Siendo este un producto destinado al mercado doméstico del videoclub, el cual está lleno de títulos muy representativos de la década de los años ochenta, y también de muchos productos bastante olvidables, "Dead dudes in the House" es una obra muy digna en sus intenciones, que entretiene sin reparos y que cumple con su público objetivo, aquel que es muy consumidor del cine de horror artesanal y de emociones fuertes, más ingeniosas que brillantes.

El sueño del demonio - Dream Demon (1988)

 Diana es una joven británica comprometida con un héroe de guerra. Se muda a Londres en espera de su matrimonio, hasta una vieja casona adquirida por su padre. Sin embargo, ella empieza a sufrir pesadillas muy intensas y terroríficas; su doctora atribuye esta situación a la ansiedad a raíz de su próxima boda. Además, dos periodistas muy desagradables la acosan por la fama de su novio, lo cual agrava su inquietud. Sorpresivamente, hasta la puerta de su casa se presenta Jenny, una joven solitaria quien ha viajado desde EE.UU., atraída inexplicablemente por el viejo edificio. Ella se gana la confianza de Diana y es invitada a alojarse. Las dos mujeres van a descubrir el misterio que se oculta en estas cuatro paredes: una dimensión de terror, detrás de los espejos.

"Dream Demon" es una película que narra una historia sobrenatural, muy a las maneras de pesadillas fílmicas bastante populares hechas en Norteamérica, nos referimos a la saga de "Pesadilla en Elm Street", pero que en este caso se trasladan geográficamente hasta Londres, esa ciudad que nos da la impresión y recuerdo de un estilo Hammer tardío, pues ya estamos a finales de la década de los ochenta. Esto es precisamente lo que le otorga un particular encanto a nuestra vista, ya que se trata de una puesta en escena bastante correcta y conseguida con lo justo, sin mayores alardes. El realizador norteamericano Harley Cokeliss, el mismo de la película "Battletruck" del año 1982, hace un buen esfuerzo por contar una historia inquietante de manera muy dinámica y entusiasta, contando para ello con un elenco de actores bastante competente, así como un equipo técnico que se aprecia muy correcto en sus funciones. De todas maneras, la economía de medios se hace notar, ante la falta de mayores efectos audiovisuales que brinden mayor relieve al espectáculo, siendo más bien de desarrollo discreto, funcional, y muy comedido, pero sobretodo, y esto es lo importante, que resulta bien conseguido.

La historia nos cuenta la situación crítica a la que se enfrenta una joven quien sufre pesadillas frecuentes, las cuales parecen cobrar vida cuando se intensifican. El velo que cubre los sueños de la realidad parece desgarrarse de manera inexplicable, todo ello a raiz de su traslado a una vieja casona, la cual, como descubrirá más tarde, guarda un secreto terrible. Es como si Diana, nuestra protagonista, hiciera uso de un poder mental que ha despertado en una coyuntura emocional muy intensa, como es la proximidad del matrimonio con su novio Oliver, un militar de renombre y héroe de guerra. A la cadena de acontecimientos se suma la llegada de Jenny, una simpática joven norteamericana de carácter jovial, muy autosuficiente y decidida, que sabe cuidarse muy bien, como lo demuestra ante dos periodistas acosadores muy desagradables. Jenny es una fuerte personalidad que se convierte en el principal apoyo emocional de Diana ante los inexplicables sucesos, y sin duda un personaje clave en el subtexto que nos presenta esta historia, cuando ambas jóvenes establecen un fuerte lazo que les permitirá resolver el misterio que se oculta en la vieja casona.

La historia, además, puede inscribirse dentro del rubro de casas encantadas, con un sótano que despierta una extraña fuerza maligna, que llena de sombras los corredores y ambientes, y que convierte a los espejos en portales a otra dimensión, donde el mal llega a poseer a aquellos que caigan atrapados en sus entrañas. La película desarrolla su metraje casi en su totalidad al interior de esta casa, haciendo uso de escenografías acondicionadas para la ocasión, con efectos de iluminación y sombras asi como niebla y decorados inquietantes; superficies viscosas, muros que sangran y figuras fantasmales. Se aprecian efectos visuales de gore artesanal en más de una ocasión, así como maquillaje de horror para las clásicas posesiones malignas. Cabe destacar que estos elementos se presentan de manera gradual y discreta, si bien es cierto, la secuencia inicial es un pequeño momento gore que busca enganchar a su público.

El elenco de actores está encabezado por Jemma Redgrave, actriz británica que forma parte de una familia artística de gran trayectoria, siendo hija del actor Corin Redgrave, nieta del actor Michael Redgrave, y sobrina de las reconocidas actrices Vanessa Redgrave y Lynn Redgrave, así como prima de Joely Richardson y de la recordada Natasha Richardson, solo por mencionar algunos nombres. En esta película su personaje es una frágil mujer que pasa el día entre el sueño y el terror, atacada por pesadillas sobrenaturales; es ahí cuando la vemos ser conducida por tenebrosos pasadizos oscuros y atacada por seres poseídos por el mal. La actriz hace un trabajo bastante correcto en su interpretación y se convierte en muy digna protagonista de esta historia.

En segundo lugar, tenemos a Jenny, rol protagonizado por la actriz norteamericana Kathlenn Wilhoite, a quien recordamos como aquel personaje secundario inolvidable en la cinta de culto "Wiltchboard" del director Kevin Tenney: una parasicóloga new wave con mucha comedia, En "Dream Demon" el personaje de Jenny es una chica singular y algo extravagante en su apariencia, frente a la corrección de Diana, pero demuestra convicción y gran carácter cuando es debido; en cierto momento, vemos como ella toma una decisión que suele extrañarse en las películas de horror: si la casa es maligna, sal de ahí inmediatamente. A pesar de ello, las cosas se complican, y, en definitiva, su rol cobra vital importancia para la salvación de ambos personajes.

Completan el elenco principal el actor Timothy Spall, actualmente, uno de los mejores artistas del cine y la televisión británica, ganador como mejor actor en el Festival de Cannes en 2014 por el film "Mr. Turner", así como muchos otros reconocimientos, y que en esta producción participa con total entrega como un desagradable fotógrafo, yendo de la comedia absurda al terror visual de videoclub con buenos resultados. Acompaña a su personaje el actor Jimmy Nail, otro artista de larga trayectoria en cine y televisión.

"Dream Demon" es una película de horror sobrenatural correcta: de casa maldita, espectros del pasado y entidades malignas, que se convierte en una fábula sobre el descubrimiento personal, que permite erradicar temores y descubrir verdades, asuntos que reconducen la vida por el camino correcto en busca de su destino.

PROXIMO ESTRENO: "EL RITUAL DEL LIBRO ROJO: LA PUERTA DEL INFIERNO"

 

Nos sumamos al anuncio del próximo estreno en cines de una nueva película del reconocido cineasta argentino Hernán Moyano.

Los detalles, a continuación:

El 30 de octubre se estrena en los cines argentinos, "EL RITUAL DEL LIBRO ROJO: LA PUERTA DEL INFIERNO", la nueva película de Black Mandala Films en coproducción con la compañía paraguaya Urban Achievers S.A., dirigida por René Ruiz Díaz. Esta historia de horror fue un verdadero suceso en Rusia ¡se proyectó en más de 940 salas!

La escalofriante película está dirigida por Hernán Moyano, referente del cine de género, reconocido cineasta, guionista y productor argentino (El Camino Eterno, Belisario);  Carlos Baena; Hugo Cardozo; Nathan Crooker; Sonny Laguna, Dawson Taylor y Tommy Wiklund.  

Y protagonizada por actores de la talla de Georgina Campbell (Barbarian, The Watchers); Misha Osherovich (Freaky); y Lucía Baez (The List), entre otros.

Sinopsis
Robbie es un joven afligido que busca contactar a su novia fallecida a través del peligroso ritual del Libro Rojo. Al realizar la invocación en una casa abandonada, con un grupo de amigos, despiertan fuerzas sobrenaturales que los obligará a enfrentar miedos ancestrales para sobrevivir.

Directores: Hernán Moyano, Carlos Baena, Hugo Cardozo, Nathan Crooker, Sonny Laguna, Dawson Taylor and Tommy Wiklund

Guion: Hernán Moyano
Cast: Georgina Campbell, Misha Osherovich, Lucia Baez, Mario González Martí, Lizzie Gómez, Matias Miranda, Tainá Lipinski, Bianca Vacchetta
Fotografía: Armando Aquino
Música: Luciano Onetti
Vestuario: Estefanía Ortiz, Josefina Vera, Priscila Fernández
VFX: Anibal Morales
Special effects: Leo Sobrino
Maquillaje y Peinados: Laura Vera
Sonido: Germán Suracce, Jonatan Montiel
Productores: Michael Kraetzer, Nicolás Onetti, Rene Ruíz Díaz
Productor Ejecutivo: Carlos Baena
Compañías Productoras: Black Mandala, Urban Achievers S.A

El Manicomio - Doom Asylum (1988)

 Una pareja de amantes conduce su coche por la carretera, en camino a cometer una fechoría. Sin embargo, la imprudencia hace que pierdan el control del vehículo y se estrellen violentamente. Ella muere en el acto, mientras que su pareja sobrevive, pero queda muy grave y completamente desfigurado. Tras perder el conocimiento, el sujeto despierta en un hospital para enfermos mentales, a merced de dos médicos de dudosa condición, quienes le han realizado un experimento a su cuerpo destrozado. Su reacción es violenta, y acaba con ambos médicos en forma brutal. Muchos años después, hasta aquel hospital llegan cinco jóvenes a pasar el fin de semana en lo que suponen es un terreno abandonado. Sin embargo, el viejo hospital no está vacío: tres figuras emiten extraños sonidos desde el interior, mientras tanto, en el sótano, un siniestro ser deambula en las sombras en busca de venganza... o sin motivo alguno.

"Doom asylum" es una comedia negra de horror dirigida por Richard Friedman, quien a su vez escribe la historia junto a Steven G. Menkin y Rick Marx. Se trata de una parodia de las películas sobre "mad doctors", muy al estilo del subgénero slasher. El director Friedman desarrolló su carrera en la serie B, y tiene en su extensa filmografía una película titulada "El talismán del terror" ("Scared stiff") del año 1987, con el actor Andrew Stevens, quizás su obra más referida, siendo una película de horror correcta, típico producto de videoclub, sobre posesiones diabólicas y antiguos maleficios. Fuera del cine, es el realizador del videoclip del gran cantautor norteamericano Billy Joel, de su canción "You´re only human", del año 1985, en cuyo video se cuenta otra versión de la clásica cinta "Qué bello es vivir" de Frank Capra, inspirada a su vez en el "Cuento de Navidad" de Charles Dickens.

La tendencia actual por recuperar muchas producciones del siglo XX, de distintas procedencias y condiciones, ha permitido rescatar esta pequeña obra lanzada en el año 1988 bajo el formato VHS para el mercado doméstico. En mi opinión hay dos motivos muy destacados que impiden el olvido de esta película, y tienen nombres propios.

Tenemos que hablar de Patty Mullen y Kristin Davies.

Patty Mullen es una modelo y actriz norteamericana, quien saltó a la fama en 1986 como modelo de la revista para adultos Penthouse, hasta convertirse en la modelo Pet del año 1988. Justamente en ese mismo año, es lanzado al mercado del videoclub esta película con su nombre en el reparto estelar, es decir, todo un vehículo para su lucimiento, como puede decirse. Y no lo hace nada mal. La actriz no solo es uno de los rostros más bellos del cine de género, sino que demuestra ante las cámaras su buena labor, captando el tono adecuado para esta comedia negra, una historia que puede resultar muy sencilla, con unos diálogos que pueden causar gracia, o no, pero en cuyo desarrollo la presencia de Patty Mullen es vital y de gran importancia. Cabe indicar que, desde su inicio y sobretodo en su simpático final, nada de esto funcionaria sin la belleza y el carisma de la actriz, algo plenamente demostrado en su posterior trabajo, como lo es el clásico de la comedia de horror "Frankenhooker", del gran realizador Frank Henenlotter.

Kristin Davis es una actriz reconocida mundialmente en el panorama actual gracias a su papel en la serie televisiva de culto "Sexo en la ciudad", un producto con muchos años de duración, con una legión de fans a nivel mundial, y que llegó a los cines en dos entregas en los años 2008 y 2010. Pero fue en el año 1988 en esta pequeña película llamada "Doom asylum" donde Kristin Davies tuvo su primer trabajo en un largometraje, con tan solo 23 años. Pero lo suyo siempre ha sido el mundo de la televisión, por lo cual, participó en muchas producciones televisivas durante toda una década, hasta el año 1998 cuando logró su papel en "Sexo en la ciudad". Sin embargo, en esta pequeña película tenemos la excusa perfecta para apreciar la natural belleza y el singular encanto de esta actriz frente a las cámaras, cuando nadie presagiaba su posterior popularidad.

Con estas dos figuras, la película ya tiene dos puntos a favor.

En cuanto a la realización, se trata de una comedia negra de muy bajo presupuesto casi palpable, con un guion escrito por Rick Marx, que está lleno de situaciones absurdas y personajes de un solo trazo, todo de manera funcional para las distintas secuencias que se desarrollan en sus escasos 79 minutos, y que, a pesar de ello, en algún momento se hacen muy largos. La salvación de la cinta está en su elenco de actores, el cual hace un trabajo adecuado para lo que tenemos en pantalla: todos ellos como personajes caricaturescos, con diálogos disparatados, y reacciones increíbles, en el mal sentido. Atención a la galeria de personajes, cada cual más inverosimil, pero muy en tono con esta demencial historia. Algunas secuencias son ridículas hasta el extremo, lo que sorprende por la forma en que captan la atención del espectador. Hay situaciones terroríficas, con un despliegue visual de gore artesanal bien conseguido, que forman parte de lo positivo del film.

"Doom asylum" es una comedia de horror, y como tal no es recomendable para todo público, ni siquiera para fanáticos del género, porque el humor es algo muy subjetivo, y funciona para unos y no para otros. Tener en cuenta que se trata de una pequeña parodia de las modélicas cintas de horror gore habituales, en una producción para el mercado del videoclub, de sencilla narración, escenarios reducidos, actores desconocidos, salvo los dos nombres subrayados, que se prestan al juego propuesto. Todo el relato resulta previsible, pero ver a Patty Mullen como la "final girl" de la función tiene su valor, no tenemos duda en eso. Los planos finales de la actriz valen toda la función. Confesión de un rendido admirador.

Cazadores del fin del mundo- Afterburn (2025)

 En un futuro no muy lejano el mundo fue abrasado por una tormenta solar gigante, lo cual puso fin a la civilización que construimos en milenios. De vuelta a una vida sin tecnología, las ciudades en Europa se han convertido en tierras sin ley, donde los más poderosos reclaman el dominio e imponen su orden. En este contexto, un cazador de reliquias, que recorre los viejos territorios abandonados, recibe una última misión antes de su retiro: recuperar el célebre cuadro de la Mona Lisa, oculto en el territorio francés. Para lograr esto, debe enfrentar a un ejército de soldados neo nazis, quienes se han apoderado de la región, diezmando la resistencia de la población sobreviviente. El viejo cazador acepta la misión para poder cumplir su sueño del retiro a alta mar, lejos de la barbarie que consume lo último que nos queda de la humanidad.

El director J.J. Perry, otro de los actores dobles de acción convertidos en realizadores cinematográficos, nos trae una historia basada en un comic independiente norteamericano, de título "Afterburn", de la editorial Red 5 Comics. No he leído el comic ya que no se dispone de edición en español a la fecha ni tampoco de material importado USA. Anotado a mi lista de pendientes.

El comic original es obra de los escritores Scott Chitwood, Paul Ens, y el artista Wayne Nichols. La película cuenta con el guion a cargo de Nimrod Antal y Matt Johnson. Se puede destacar a Nimrod Antal, guionista y también director especialista en cintas de acción y suspenso, de las que se pueden citar algunos títulos, como "Contrarreloj" con el actor Liam Neeson, "Vacancy", cinta de terror y suspenso con Kate Beckinsale y Luke Wilson, y "Depredadores", la tercera entrega del clásico ochentero sci-fi, esta vez con el protagonismo del actor Adrian Brody, dos veces ganador del premio Oscar. Todas estas cintas nombradas son bastante cumplidoras, lo que revela a un buen narrador cinematográfico.

Con estas credenciales, queda claro que "Cazadores del fin del mundo" es una película de acción pura y dura, y que ofrece lo que promete: un relato que nos recuerda las aventuras post apocalipticas de los años 70s, 80s y 90s, con la saga de "Mad Max" como modelo mayor, pero casi todas realizadas con muy pocos medios, donde lo importante es ofrecer una aventura de acción sin prejuicios, con antiheroes agradables y villanos muy desagradables. O al menos esa es la intención.

De todos modos, dentro de su honesta propuesta, de aventureros cumpliendo una misión suicida, la película se permite un subtexto muy actual que suele estar presente dentro de este subgénero de la acción, como es la recuperación de la justicia en un mundo dominado por autócratas, en este caso, neo nazis apoderándose de la vieja Europa. Sin embargo, esta película mantiene una postura no ideológica, más bien básica en su sentido de la justicia, ya que reconoce en su discurso que el mal y la tiranía pueden ocultarse bajo distintas banderas, y que solo buscan apoderarse del mundo, no por el bien común sino bajo sus propios términos.

A pesar de este mundo, aún queda espacio para el idealismo de sus protagonistas, en este caso los personajes protagonizados por los actores Dave Bautista y Olga Kurylenko. El trabajo de ambos actores es bastante correcto, lo que cabe esperar pues se trata de dos artistas de gran trayectoria y experiencia en este tipo de historias. A ellos se suman el gran Samuel L.Jackson, quien encarna con gran solvencia a un personaje muy a su medida, cosa sencilla para un actor de su categoría. El elenco destacado incluye al actor Kristofer Hivju, a quien sin duda se le recuerda por su personaje en la serie "Juego de Tronos", y al actor Daniel Bernhardt, otro gran actor del género de acción, a quien no falta mucho para verlo en la nueva versión del clásico de espada y brujería "Deathstalker". Ambos cumplen sus roles con bastante corrección, como cabe esperar.

La historia deja espacio para más aventuras, como se viene desarrollando en su serie de comics, pero no hay noticias para su versión fílmica, ya que tuvo una exhibición limitada, y al menos llegó a las salas de cine de mi pueblo, como un milagro del mes de octubre.

Abstenerse quienes busquen un film con un relato denso y de intrincada ejecución. Esto es aventura con mucha acción de bajo presupuesto, una historia que va directo a su desarrollo y termino sin complicaciones, con personajes que se ajustan a moldes habituales, pero bien desarrollados gracias a su elenco de actores competentes. Una película de acción de vieja escuela, que busca un lugar en el actual panorama de nuestras fantasías.

Prayer for the Rollerboys (1990)

En un futuro alternativo los EE.UU. sufren una nueva gran depresión, lo que desata una ola de violencia en las calles. Las autoridades establecen un estado de sitio, con restricciones a las libertades civiles, como toques de queda y bloqueos. En la ciudad de Los Ángeles, una banda juvenil denominada los Rollerboys pretende tomar el control total, distribuyendo a gran escala una peligrosa sustancia adictiva. En estas circunstancias, el joven Grifith y su pequeño hermano Miltie regresan a esta ciudad donde vivieron en su infancia; ambos conocen a Gary Lee, el actual líder de los Rollerboys, un creyente en la supremacía racial, quien al verlos no duda en invitarles a tomar parte de sus peligrosas actividades. Griffith toma una decisión, lo cual desata una serie de acontecimientos que ponen en peligro su integridad y la de aquellos que lo rodean.

Tenemos que hablar de Corey Haim.

Sin duda, Corey Haim fue uno de los actores infantiles más reconocidos del cine de Hollywood de los años ochenta, habiendo formado parte del elenco de películas populares como "Silver bullet", "Lucas" y "Secret admiror". En varias producciones hizo dupla con el actor Corey Feldman, conformando así el dúo de comedia adolescente conocido como "Los dos Coreys", cuyos films más recordados son "The lost boys", "Dream a little dream" y "License to drive". Sin embargo, una vez que el niño pasó a ser adulto, la carrera del actor se hizo más irregular, participando en producciones de menor presupuesto y cada vez con resultados desiguales. Durante los años noventa no dejó de sumar títulos a su filmografía, pero la gran mayoría fueron productos directo a video, ya lejos de la gran pantalla. Su amigo Corey Feldman lo apoyó durante esos años en este tipo de producciones, pero las complicaciones de su salud y conducta le impidieron cualquier progreso.

Es bien sabido que la vida privada del joven actor fue demasiado complicada. Sus depresiones y adicciones fueron intensas. Se dice que esto fue el resultado de lo que costó ser parte de una industria como la de Hollywood, a la cual perteneció desde pequeño y en la cual tuvo muy malas experiencias. Y es que, donde puede haber gran fortuna también puede haber gran maldad. Hay mucha información con documentales y artículos al respecto. Marcado por esto, la vida adulta de Corey Haim se alejó de los grandes reflectores. Su carrera de actor se redujo a pequeñas apariciones en distintos films, algunos incluso sin acreditar. Los últimos años de la primera década del 2000 tuvo una breve recuperación de su actividad, pero esto no fue más que el anticipo de su final en el año 2010, a la edad de 38 años.

Una vez que se revisan los filmes juveniles de Corey Haim queda demostrado que fue un actor con mucho talento, muy versátil y expresivo, con carisma innegable que le permitía adueñarse de la pantalla con mucha facilidad. Esto también sucede en una producción menor como lo es "Prayer for the Rolleboys", película del año 1990, de la cual nos vamos a ocupar,

Esta es una historia de intriga y acción, muy acorde al policial juvenil del tipo "21 Jump Street", la serie de TV donde un comando de jóvenes encargado por la policía debía infiltrarse en una banda de delincuentes, ganarse su confianza para conseguir información, reunir pruebas y entregarlos a la justicia. Sin embargo, "Prayer for the Rollerboys" propone un singular escenario: la ciudad de Los Angeles en una distopia no muy lejana del siglo XX, donde una gran crisis económica en todo el país ha llevado a instaurar un estado represor que intenta recuperar un nuevo orden en la sociedad, la cual ha caído víctima del crimen organizado, el comercio ilegal y la inseguridad que se han implantado en sus calles. El retrato de esta crisis de la civilización se refleja en la visión de zonas marginales, sin señales de aquella urbe moderna que caracteriza a Los Angeles, salvo su condición de ciudad costera, con miradores a la playa, o paseos nocturnos por la zona portuaria.

Hay un momento durante la película en el cual se escucha en una radio portátil las noticias en vivo, donde se señala que un grupo de norteamericanos fue capturado al intentar cruzar la frontera hacia México, huyendo de la inseguridad reinante en el país, muy lejos de ser la primera nación del mundo, pues ahora Alemania y Japón son las primeras economías mundiales, según es señalado en esta historia.

Por su parte, el escritor y guionista autor de este film W. Peter Iliff resume su historia como ""La Naranja Mecanica" conoce a "Blade Runner", a través de "El Señor de las Moscas"". Consciente de esto, el director Rick King hace un buen trabajo al sacar adelante una producción con pocos recursos, lo cual es muy notorio, pero al mismo tiempo lo hace de un modo muy resuelto y con mucho dinamismo, al combinar la acción explosiva con la coreografía del patinaje a toda velocidad, contando para esto con un elenco de actores muy jóvenes y entusiastas.

La película es una producción de bajo presupuesto, por ello, los realizadores se las apañan para mostrar ese nuevo entorno para sus protagonistas con el empleo de locaciones muy reducidas, con mayor relevancia en áreas despobladas que corresponden a la zona portuaria o industrial.

Las imágenes en exteriores mantienen un filtro de tono sepia, el que se emplea en otras cintas para retratar zonas o países fronterizos lo que permite distinguir el cambio de escenario: aquí esa ambientación se extiende a esta parte de EE.UU., producto de la crisis económica y social que sufre la ciudad. Elementos que sirven de manera practica para destacar el contexto de esta historia.

En cuanto a sus personajes, hay que destacar que la película realiza un trabajo muy eficaz en su presentación, siendo estos muy bien descritos en cuanto a sus personalidades e intereses. El protagonismo de Corey Haim como Griffith es muy correcto, lo cual sin duda se debe en mayor parte a su trabajo actoral, demostrando a un joven abrumado de problemas, con la responsabilidad de su pequeño hermano, y presionado por la amenaza que representan los Rollerboys, pero demostrando que es un joven decidido y con mucha actitud en cada una de las situaciones que debe enfrentar. Patricia Arquette es Casey, la encantadora y audaz joven que irrumpe en la vida de Griffith por motivos que luego son revelados.

Por su parte, Gary Lee, el líder de los Rollerboys: es sin duda el más peligroso de los delincuentes que amenazan la ciudad y a nuestros protagonistas. El papel está a cargo del actor Christopher Collet, quien interpreta a su personaje como un líder frío y calculador, supremacista blanco, fanático de teorías extremas con las cuales convence a quienes lo siguen y conforma una agrupación de delincuentes que pretenden destruir lo poco que queda del antiguo orden, y así obtener un control absoluto en medio del caos reinante, a través de la distribución de sustancias nocivas.

Lo que tenemos es un relato de acción y violencia urbana, habitual en el cine norteamericano, pero de corte juvenil, que destaca por una realización efectiva, con una historia que plantea un escenario dotado de elementos interesantes: el patinaje y el skateboard practicados en las actividades callejeras juveniles, los uniformes empleados por la pandilla de delincuentes como simbolismo de su nuevo estatus y del culto establecido por su líder, un guiño al film "A Clockwork Orange", y el retrato que nos muestra del lavado de cerebro realizado por sectas que emplean la seducción de la membresía, la ceremonia, la parafernalia y el consumo de sustancias prohibidas para la captación de miembros. De manera didáctica, la película hace un recorrido por estos tópicos a través de la mirada de Griffith, con un Corey Haim metido en uno de sus papeles más logrados.

Las escenas de acción están bien rodadas, dentro de sus limitaciones, con dinamismo y un buen uso del patinaje a plena carrera en áreas fuera del contexto urbano, tanto de día como de noche. La música está presente y acompaña la estilización del film, con los sonidos de artistas como Nine Inch Nails o King Swamp.

"Prayer for the Rollerboys" es un ejemplo disfrutable de una distopía de la serie B, con todo el estilo del cine de los años ochenta, que vio la luz a principios de la década noventera como ultimo destello de una época colorida y dinámica, para dar paso a nuevas tendencias, marcando un punto final para aquella década. Y también, a la carrera de algunas estrellas, como ocurrió con Corey Haim, uno de aquellos actores que nos dejó muy pronto.