Rabia - Rabid (1977)

En mi lista de películas favoritas veo que no he incluido nada de David Cronenberg, lo cual es un error porque si me gustan sus películas, así que por ahora recupero este viejo post que le dediqué hace la tira de años a su gran obra "Rabia":

Un accidente en la carretera es el punto de partida de la más terrible experiencia en la vida de Rose. Ella junto a Hart, su novio, es conducida a la clínica más cercana del lugar donde la motocicleta de ambos se estrelló, llegando a un centro de investigación en cirugía estética. Debido a la gravedad del estado de la bella joven, se decide salvar su vida empleando una técnica experimental de injerto de piel al interior de su organismo. El resultado es desconcertante: Rose se convierte en un ser destructivo, pues bajo uno de sus brazos se extiende una protuberancia capaz de perforar a otra persona, extrayéndole sangre al mismo tiempo que le infecta un virus semejante a la rabia. Este mal se propaga y hace que los infectados se conviertan en seres hambrientos de sangre, por lo que atacan y muerden a todo aquel sujeto que encuentren a su paso. Mientras tanto, Rose recorre las calles silenciosamente, buscando saciar su cruel apetito.

David Cronenberg nació en Toronto, Canadá, en el año 1943. Su formación incluye estudios en literatura inglesa y filosofía, siendo gran admirador de los escritores William Burroughs y Vladimir Nabokov, autores de reconocidas obras como "El almuerzo desnudo" y "Lolita", respectivamente. Sin embargo, su más fuerte inquietud resultó siendo el cine, por lo cual realizó los siguientes cortometrajes: "Transfer"(1966) y "From the drain" (1967). Posteriormente produce y dirige los mediometrajes "Stereo"(1969) y "Crimes of the future"(1970). Para entonces, Cronenberg había constituído la asociación independiente Toronto Films Co-Op junto a su colega Ivan Reitman, reconocido posteriormente como el director en Hollywood de comedias como "Los cazafantasmas" y su secuela.

El debut de Cronenberg en el cine fue en el año 1975 con el largometraje "Shivers", titulado en nuestro idioma "Vinieron de dentro de..." una historia perversa acerca de un experimento realizado por un científico con una joven estudiante, que desata el contagio de unos parásitos mortales al interior de un edificio, convirtiendo a sus habitantes en zombies hambrientos de sexo. El resultado en cuanto a taquilla fue bastante auspicioso. Esta fascinación por el tema de una terrorifica nueva relación entre el cuerpo humano y su entorno es tratado nuevamente por el director en su segundo largometraje, al cual tituló simplemente "Rabia".

Cronenberg ofrece esta historia que podría ser una metáfora de la sexualidad en su vertiente más agresiva, empleando para ello la figura de una actriz muy especial: Marilyn Chambers, una bella y reconocida estrella del cine porno gracias al éxito de su cinta "Behind the green door" del año 1972. La elección inicial para el papel de Rose, la protagonista de "Rabia", había sido la actriz Sissy Spacek, apenas salida de su éxito en "Carrie" de Brian de Palma en el año 1976. Sin embargo, la compañía asociada a la producción del film, Cinépix, prefirió contar con un rostro de sus filas, por lo cual Marilyn Chambers llegó al reparto y se hizo del papel. Consideramos que esto resultó más que adecuado para el director a la hora de plasmar su extraña fantasía.

Su modesto costo de producción de $350,000 no impide que "Rabia" sea un film brillante de principio a fin, y eso gracias a la eficaz labor de David Cronenberg. El director abre el relato con una bien filmada secuencia en la carretera que concluye en un espectacular accidente. Luego, vemos sin reparos la operación quirúrgica a Rose en la clínica estética, donde la sangre y la extirpación de piel se muestran crudamente. A continuación, la intriga y el suspenso empiezan a tomar forma en la extraña reacción de la joven, quien despierta convertida en una cuasi-vampiresa que infecta a sus víctimas con un virus rabioso y sanguinario.

El director hace de su personaje central una femme fatale en términos extremos: ella sufre un insano apetito por la sangre el cual busca aplacar de cualquier forma. Bajo su brazo, en plena axila, oculta un extraño punzón que emerge de su interior para extraer la sangre de otra persona cuando la estrecha fuertemente a su cuerpo, prodigio de los efectos visuales. Estas escenas implican un contenido erótico en las cuales cobra importancia la sensualidad de la actriz en su seductora entrega, tanto a hombres como a mujeres. El director alcanza notas de horror destacables y logra dotar al film de un ritmo que va creciendo en dinamismo e intensidad, al convertir a su protagonista en la portadora de un mal de carácter apocalíptico.

La rabia que se extiende por la ciudad es la extensión del odio que nace en Rose, oculto como un deseo sexual imparable. Como si de ella se desprendiera una atractiva fragancia para la población masculina, más de un varón se le aproxima buscando satisfacción sexual. Sin embargo, serán infectados y convertidos en algo similar a un zombie sediento de sangre que atacará a otras personas, mordiéndolas rabiosamente (incluso, segregan abundante espuma por la boca); aquí encontramos el pequeño homenaje de Cronenberg a la mítica "La noche de los muertos vivientes" de George A. Romero. Marilyn Chambers, cuya belleza particularmente me recuerda a la actriz Lindsay Wagner, se convierte en una hermosa figura seductoramente mortal. Tremendo logro. Mientras tanto, Hart la busca incesantemente hasta lograr enfrentarla con su monstruosa obra, pues ella parece incapaz de comprender el grado de locura y maldad que ha desatado en el mundo su extraño poder, más allá de satisfacer su propia sed de sangre.

Asimismo, el terror adquiere un carácter global al mostrar la forma en que el virus se extiende por las calles en diversos escenarios, como ocurre al interior del metro, en un centro comercial, y en las calles de la ciudad, donde los infectados se lanzan sobre los autos en marcha, siguiendo su feroz apetito. Cronenberg nos muestra un pequeño ambiente apocalíptico cuando la historia señala cómo la OMS declara la epidemia sobre la ciudad, lo cual lleva a establecer la ley marcial en las calles, en medio del pánico y el caos, en pleno ambiente navideño.

El reparto de actores incluye a Frank Moore como Hart, Joe Silver como el socio de la clínica Murray Cypher, Howard Ryshpan como el doctor Keloid y Susan Roman como Mindy Kent, entre otros miembros del elenco. El desempeño de todos ellos resulta muy convincente, lo cual es otra de las virtudes del film. La cinta fue filmada en Montreal, Canadá.

"Rabia" es una gran película que nos muestra a un genial David Cronenberg en sus inicios, violento y bizarro, y al mismo tiempo personalísimo en su propuesta temática: una cruel simbiosis entre el cuerpo y su entorno que logra pervertirlo, lo cual constituye un nuevo estado corporal llamada por muchos "la nueva carne" que ha influido a muchos otros autores como Clive Barker ("Libros sangrientos") o William Gibson ("Neuromante"). Sus obras posteriores como "Cromosoma 3", más oscura aún, "Videodrome", quizás la más delirante, y su más reconocida y exitosa versión de "La mosca" resultan más reveladoras al respecto.

Evil Toons (1992)

 Cuatro señoritas se trasladan hasta una vieja casona abandonada para cumplir las labores de limpieza durante el fin de semana. Las referencias del lugar le dan mala fama pues se cuenta que sus antiguos habitantes desaparecieron sin dejar rastro alguno. Una vez instaladas y dispuestas a descansar, reciben la visita inesperada de un hombre misterioso, quien les entrega un viejo libro con horribles dibujos y textos en lengua extraña; una vez hecho esto, el sujeto desaparece sin explicación alguna. La lectura de un pasaje del libro va a despertar una fuerza maligna, y se hará presente en la forma de ... una caricatura.

"Evil toons" es una película tal como su nombre indica, sobre caricaturas diabólicas, aunque en realidad se trata de una sola caricatura la que vemos en escena y en pocos momentos. A pesar de esto, se trata de una obra que cumple lo que promete, teniendo en cuenta sus referencias. La dirección está a cargo de Fred Olen Ray, veterano realizador con una extensa filmografía la cual recorre distintos géneros, tales como el terror, la ciencia ficción, el erotismo, la aventura y la acción, todas estas producciones realizadas dentro de la serie B, siendo en buena parte títulos de muy bajo presupuesto. Un ejemplo de lo dicho es precisamente la obra que nos ocupa, y basta ver el trailer del film para apreciar la economía de medios en la cual se desarrolla esta producción, lo cual no le perjudica, por el contrario, le otorga un encanto especial hasta hoy en día, más de treinta años después de su desenfadado lanzamiento.

En esta ocasión, dejamos al director al cual sin duda volveremos con otra de sus realizaciones, y vamos a centrarnos en otro de los aspectos más llamativos de esta película: el elenco de actores.

La película es una comedia con tintes de cine de horror, a partir de un argumento descabellado, que no deja de ser la enésima versión de la vieja historia de libro maldito. La puesta en escena es muy representativa del trabajo de su director en las comedias que realizó por aquellos años, con una narrativa sencilla y lineal, de planos fijos, que no lo son tanto, a modo de obra teatral que desarrolla distintas secuencias con muy prologada duración, que muestra la interacción de sus personajes inmersos en espacios cerrados, con sus reacciones y diálogos que los describen de manera sencilla y muy clara, y a unos más que a otros. El guion está escrito por el propio director.

El sentido del humor que desarrolla es bastante moderado, donde se recurre a situaciones absurdas de tono adulto, pero sin caer en los excesos de la grosería o el mal gusto. Si bien sus diálogos no son demasiado picantes, si lo son algunos destapes que realizan sus actrices protagonistas. La falta de mayores medios técnicos hace que lo más atractivo del film sea el elenco protagónico: un elenco de solo ocho actores y un actor de voz. Por un lado, tenemos a cuatro señoritas que aseguran la simpatía del público masculino, realizando las rutinas requeridas por el director, pero sin convertir esto en un film explicito o en exceso gráfico. Además, su trabajo en escena queda bien resuelto, dentro de la propuesta que constituye esta disparatada obra. Y, por otro lado, tenemos a cuatro actores que participan del enredo porque la vida es así, hay que trabajar.

En primer lugar, tenemos al elenco femenino conformado por las actrices Monique Gabrielle, Madison Stone, Stacy Nix y Suzanne Ager. Todas ellas, actrices de cine para adultos, especialmente consagradas como lo son Madeline Stone y Stacy Nix (a.k.a. Barbara Dare), mientras que Suzanne Ager ha alternado su corta carrera con más de una colaboración con el director Fred Olen Ray, en producciones de distintos géneros. Y aquí llegamos al siguiente punto.

Tenemos que hablar de ... Monique Gabrielle.

La actriz Monique Gabrielle es uno de los rostros más bellos de aquellos años ochenta, que inició su estrellato como modelo de la revista Penthouse en el año 1982, y su salto al cine fue inmediato. Acredita como primera participación en una película la comedia del director Ron Howard "Nightshift" del año 1982, si bien su aparición en la cinta es casi imperceptible. Este tipo de participaciones o cameos se suceden en más títulos destacados, como "Barchelor party" la cual es una de sus apariciones más recordadas, tanto de su carrera como de la propia película, "Airplane 2", "Flashdance", "Weekend warriors" o "Amazon women on the Moon", hasta lograr su primer rol protagónico en la película "Emmanuelle 5", convirtiéndose en la primera actriz norteamericana que asume el rol del personaje de Emmanuelle en ausencia de la mítica Sylvia Kristel, protagonista de las cuatro anteriores entregas. La producción a cargo de Roger Corman tuvo más de una complicación, pero el film logró un éxito moderado y permitió continuar con la serie de películas, si bien Monique Gabrielle no volvió a interpretarlo.

De regreso a América, la actriz retoma sus habituales colaboraciones con el director Jim Wynorski, otro prolífico artesano de la serie B, en películas bastante reseñables como "Deathstalker 2", "Not of this Earth", "Swamp Thing 2", o la policial "Hard to die", donde demuestra que el cine de acción también lo cumple con buena disposición. Alterna su tiempo trabajando con otros directores, como el especialista en acción Cirio H. Santiago y, por supuesto, Fred Olen Ray. Su carrera empieza a declinar en la segunda mitad de los años noventa, con participaciones en videos para adultos, hasta su retiro en el año 2002, según consta en el imdb.

Monique Gabrielle no solo es muy bella, sino que además es una actriz muy carismática, dentro de la línea de producciones más convencionales que se incluyen en su extensa filmografía, si bien es cierto, el cine para adultos conforma el mayor número de producciones en las cuales ha participado. En "Evil toons", la actriz asume el rol de chica con gafas y tímida compañera de piso, cosa que desarrolla con gran simpatía.

El lado más disparatado de esta historia corre a cargo de la actriz Madeline Stone, quien interpreta con soltura las situaciones más absurdas, como la posesión demoniaca hecha por el dibujo animado, que se reduce a mostrarla con dentadura postiza, sin mayor maquillaje. A eso hay que añadir la aparición de un personaje con capa y sombrero, con lo cual tenemos claro el nivel de esta producción.

Por otro lado, y quizás lo más anecdótico del film se encuentra en el reparto de actores secundarios que acompañan al elenco femenino. En primer lugar, tenemos al mítico actor David Carradine, figura emblemática del cine y la televisión norteamericana de los años setenta, del cual no hay más que decir. Lo más llamativo de esta participación es que hay un momento en el cual vemos al actor compartir escena con una horca colgada del techo, lo cual nos recuerda la noticia de su partida en el año 2009 por asfixia accidental. Esto es lo más siniestro del film, en el rubro "premoniciones". En cuanto a su trabajo, en esta ocasión como el personaje de capa y sombrero que mencionamos, esta debe ser la peor actuación de su carrera, con muy pocos diálogos y luciendo bastante distraído.

Otro miembro del elenco es el entrañable actor Dick Miller, veterana figura del cine realizado por el director Roger Corman durante su mejor época, los años cincuenta y sesenta. En su extensa filmografía, Miller también ha trabajado con directores como Martin Scorsese o Samuel Fuller. En los años ochenta se convirtió en el actor habitual en las obras del director Joe Dante. Ya en los años noventa, y con trabajos cada vez más escasos, participa en esta producción con total buen ánimo, en medio de las absurdas situaciones que aquí se proponen. Sin duda es el mejor actor de la película, a pesar de sus reducidos momentos en escena.

Completan el reparto los actores Arte Johnson y Don Dowe, muy ligados al cine de comedia y con filmografía variopinta. La voz del personaje animado está a cargo del actor Robert Quarry, el recordado Conde Yorga de los años setenta, quien veinte años después mantuvo colaboraciones con el director Fred Olen Ray, como en esta especial ocasión de manera muy limitada.

"Evil toons" es una comedia discreta, producto de videoclub realizado con pocos medios, muy reducidos, al nivel de un sketch de televisión, pero el buen ánimo de su elenco femenino y la presencia de Dick Miller, quien no se toma en serio ni a su propia figura, hacen de esta película una experiencia muy particular, no apta para todos los públicos, sólo para quienes sepan apreciar la disparatada propuesta en que logra convertirse, aún más extraña que su bicho animado.

My fifty favorites films...

Como está de moda eso de mencionar las cuatro películas favoritas, aprovecho el blog para indicar aquí no mis cuatro películas, que me resulta muy poco, sino mis cincuenta películas favoritas, que, la verdad, también resulta poco, como verán. Para no complicar el asunto, solamente el género del Terror. Todas las he visto por lo menos dos veces, así que no creo que cambie mucho mi opinión en adelante. Hay grandes ausentes que también son de mis favoritas: por ejemplo, no están Alien, porque hice a un lado lo espacial, Dracula de Bram Stocker, más cosas de la Hammer, años sesenta y anteriores, cine latinoamericano, más giallo, películas del 2020, etc., pero es que NO CABEN, el cine de horror es numeroso, y haciendo lo posible dentro de una lista de cincuenta esto es lo que hay. El criterio no es la obra cinematográfica mejor realizada, de gran contenido, o la mejor valorada por la crítica más sesuda, sino la película cuyo descubrimiento me hizo el día inolvidable, que es de lo que trata disfrutar de una película, creo yo. Es como un ranking, pero en realidad quise quitarle la numeración, y dejarlo en una lista sencilla, porque TODAS ESTAS PELICULAS ME ENCANTAN, pero por cuestión de orden preferí numerarlo. Digamos que la diferencia entre una y la siguiente es mínima. Bueno, ahí queda como referencia a los gustos y preferencias en este blog, el tipo de cosas que hallamos encantadoras. Los títulos están en su idioma original:

1.- The Exorcist (1973)

2.- Texas chainsaw massacre (1974)

3.- The Thing (1982)

4.- The Omen (1976)

5.- The Shining (1980)

6.- Dawn of the dead (1978)

7.- Hellraiser (1987)

8.- Reanimator (1985)

9.- Rosemary´s baby (1967)

10.- The Wicker man (1973)

11.- Return of the living dead (1985)

12.- Evil dead (1981)

13.- Braindead (1992)

14.- Night of the living dead (1968)

15.- Profondo rosso (1975)

16.- Suspiria (1977)

17.- Jaws (1975)

18.- Halloween (1978)

19.- E tu vivral nel terrore¡ L'aldilá (1981)

20.- In the mouth of madness (1995)

21.- The ring (2002)

22.- Nightmare on Elm Street (1984)

23.- Friday the 13th (1980)

24.- Dracula (1958)

25.- The birds (1963)

26.- The Mist (2007)

27.- Poltergeist (1985)

28.- The Lost Boys (1987)

29.- Possession (1981)

30.- An American Werewolf in London (1981)

31.- The Howling (1981)

32.- I tre volti della paura (1963)

33.- Nightbreed (1990)

34.- Night of the demons (1988)

35.- Busanhaeng (2016)

36.- Dèmoni (1985)

37.- Phenomena (1985)

38.- Urban legend (1998)

39.- REC (2007)

40.- Puppet Master (1989)

41.- Haute Tension (2003)

42.- Return of the living dead 3 (1993)

43.- Army of darkness (1992)

44.- À l'intérieur (2007)

45.- The VVitch (2015)

46.- The descent (2005)

47.- Psycho (1960)

48.- Martyrs (2008)

49.- Scream (1997)

50.- Honogurai mizu no soko kara (2002)

Edito: diez títulos más, que me duele no haber incluido:

51.- The Devil rides out (1968)

52.- The Sentinel (1977)

53.- Ginger Snaps (2000)

54.- Lords of ilusions (1995)

55.- Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors (1987)

56.- Ku bei (2021)

57.- You´re next (2011)

58.- Vampires (1998)

59.- Vamp (1986)

60.- Witchfinder General (1968)

Perseguido - The Running man (1987)

 El legado de Arnold Schwarzenegger como estrella del cine de acción se mantiene vigente de manera abrumadora. No sólo siguen los comentarios sobre la posibilidad de resucitar la saga de películas de "Terminator", sino que actualmente tenemos anunciadas dos nuevas entregas cinematográficas que cobran relevancia por la nostalgia de sus primeras versiones, estelarizadas por el fornido actor durante la segunda mitad de la década del ochenta.

La primera de ellas viene a ser la séptima entrega de la serie de películas que dio inicio en el año 1987 con el mítico título de "Depredador" ("Predator"), esta vez titulada "Depredador: Tierras salvajes", y que apuesta por un giro argumental que merece ser visto, aun cuando se aleja de la esencia del relato original. Esta película ya está en cartelera.

La segunda película es una nueva adaptación de la novela "The Running man", de Richard Bachman, mejor conocido como el autor Stephen King. De próximo estreno, las primeras reacciones describen una versión muy fiel a la obra escrita, lo cual añade mucho interés a lo que espera verse en la pantalla. Porque, siendo sinceros, la primera adaptación realizada en el año 1987 bajo el mismo título, y protagonizada por Arnold Schwarzenegger en su mejor momento como héroe de acción, es sin duda una película hecha para el lucimiento de su actor principal, dirigida de manera efectiva y satisfactoria, pero totalmente alejada de la novela que le sirve de inspiración.

 "Perseguido" se ha convertido en otra recordada película del catálogo de acción de los años ochenta, pero sin destacar al nivel de las mejores obras protagonizadas por Arnold, como "Terminator", "Conan el bárbaro", o la misma "Depredador", que son títulos claves, no solo del cine de acción sino dentro del cine en general. Pero esto no le resta méritos al film dirigido por el actor Paul Michael Glaser como una obra de acción vertiginosa, muy dinámica y espectacular, bajo la estética de una producción de serie B, sin serlo estrictamente. Los escenarios, los vestuarios, la ambientación construida emulando a un gigantesco set de televisión, donde se juega la vida y la muerte. La impresión que nos deja es la de contemplar una cinta muy deudora de la ciencia ficción de los años setenta en cuanto a temática, como pueden serlo "La carrera de la muerte" de Paul Bartel, o "Rollerball" de Norman Jewison, bajo el empaque y la estética de las fantasias retrofuturistas de los años ochenta, como "Escape de New York" de John Carpenter. 

En esta película, el personaje de Ben Richards es un miembro de las fuerzas del orden en un sistema corrompido, quien por negarse a participar en una ejecución masiva de inocentes es condenado a la prisión del estado, hasta que los directivos del concurso más popular de la televisión ven en su caso un reality ganador de audiencias, por ello lo llevan a participar del concurso más peligroso que se haya conocido.

El gran Arnold desempeña muy bien su rol, como bien lo sabe hacer: carga el film sobre sus hombros y lo convierte en otra de sus aventuras, en las que un sólo hombre derrota todo un sistema de poder corrupto. La narrativa del film pasa por alto todo el drama contenido en la novela original, donde el protagonista es un hombre de la calle, normal y corriente, que en la situación desesperada de perder a su familia encuentra como única salida su participación en el concurso. Pero esta es la opción por la que apuesta la producción y la dirección que asume en último momento el actor Paul Michael Glaser, el recordado detective Starsky. El resultado es una película con entidad propia, y bastante eficaz en sus intenciones, lo cual demuestra la habilidad del director, quien lamentablemente no ha tenido una filmografía más prolífica, pero esta obra, y otra como "Pasión por el triunfo" ("The cutting edge"), del año 1992, demuestran que el actor mantuvo un talento muy respetable, desaprovechado por la industria, como suele ocurrir.

La revisita a "The Running man" ha merecido la pena, sobre una película que debe ser reivindicada, lo cual parece que ha ocurrido gracias a la mira puesta en ella por la nueva versión que está por llegar a los cines, en una producción de mayor tamaño y con todos los recursos técnicos de los que hoy en día se disponen. De todos modos, gracias a Arnold, a Paul Michael Glaser, a María Conchita Alonso, quien acompaña al héroe en su recorrido con un despliegue físico digno de aplauso, a Richard Dawson, el villano de turno y sin duda la mejor actuación de la función, inolvidable como el perverso maestro de ceremonias, a Yaphet Kotto, un actor cuya presencia nunca dejaba indiferente al público, y a todo el elenco de actores, y a todo el equipo por el buen espectáculo entregado en una hora y cuarenta y un minutos de duración.

The House on Tombstone Hill - Dead Dudes in the House (1989)

 Un grupo de jóvenes llega hasta una vieja casona cuya propiedad ha sido asignada a uno de ellos. En las afueras del lugar encuentran una lápida, la cual es tirada abajo por puro gusto. Ellos desconocen que acaban de despertar un ser maligno en la forma de una anciana dentro de la casa: ella es la antigua propietaria del lugar, y se hará cargo de los recién llegados, preparando una trampa de la cual no podrán escapar con vida.

El realizador James Riffel se encarga de escribir y dirigir una producción independiente titulada originalmente "The dead come home", hasta su llegada al mercado de los videoclubs bajo la distribución de Troma Entertainment. En ese trayecto, el film cambia el titulo a "The House on Tombstone Hill" y finalmente "Dead dudes in the House", a lo cual Troma le añade una portada de VHS muy de comedia de aquellos años, sin referencia alguna a la obra realizada. Esto no quita su valor, pues una vez vista la película nos queda en el recuerdo por el buen rato que ofrece al espectador.

La historia es un mix de "casa encantada" y "poseídos" visto en muchas películas previas, cuyo modelo mayor es sin duda el gran clásico "Evil dead", del director Sam Raimi, o ya puestos en marcha, su secuela "Evil dead II". Estos son obras que sin duda han inspirado a muchos realizadores del género del horror, y por ello apostar por este tipo de historias es una constante que no se detiene hasta la fecha. Dentro de todo ese grupo hay títulos que logran personalidad propia y demuestran mucha creatividad, lo que sin duda es una de las mayores lecciones que ha dado la obra de Raimi. "Dead dudes in the House" es uno de esos extraños casos. Si bien es una comedia de humor negro en toda su propuesta, no deja de recorrer caminos bastante turbios a medida que la historia se hace más intensa en emociones.

Sin ser un corta y pega, la historia que propone esta película podría decirse que retoma el asunto de anciana atrapada en el sótano en "Evil dead", pero aquí es liberada dentro de esta casa abandonada. Sin duda, esa situación es una trampa mortal para quienes se atrevan a ingresar en ese recinto. En esta producción, la anciana es un ser de extraña apariencia y con un maquillaje muy de bajo costo. En esto cobra importancia la caracterización realizada por el actor Douglas Gibson con un andar característico y una expresión facial perturbadora: el actor también interpreta a uno de los personajes atrapados dentro de la casa, lo cual es resuelto por el realizador de manera práctica con la participación de un doble del actor. Además, hay una actriz de voz para los diálogos del personaje, los cuales son pocos, pero resultan muy efectivos.

La película es una realización de bajo presupuesto, con escenarios reducidos, cuenta con un elenco de actores debutantes, de los cuales solo unos pocos han logrado una carrera en cine y televisión, y con una producción muy ingeniosa en decorados y efectos visuales muy atractivos, siendo esto último su mayor fortaleza dentro de la legión de admiradores que mantiene. No tanto así el maquillaje, que se aprecia a un nivel muy básico. La dirección de James Riffel es muy dinámica, con planos acertados, y con mucho entusiasmo en los momentos de mayor tensión. La dirección de actores es correcta en cuanto a la dinámica que desarrolla y ello permite que el relato de escaso metraje no decaiga en ningún momento.

Siendo este un producto destinado al mercado doméstico del videoclub, el cual está lleno de títulos muy representativos de la década de los años ochenta, y también de muchos productos bastante olvidables, "Dead dudes in the House" es una obra muy digna en sus intenciones, que entretiene sin reparos y que cumple con su público objetivo, aquel que es muy consumidor del cine de horror artesanal y de emociones fuertes, más ingeniosas que brillantes.

El sueño del demonio - Dream Demon (1988)

 Diana es una joven británica comprometida con un héroe de guerra. Se muda a Londres en espera de su matrimonio, hasta una vieja casona adquirida por su padre. Sin embargo, ella empieza a sufrir pesadillas muy intensas y terroríficas; su doctora atribuye esta situación a la ansiedad a raíz de su próxima boda. Además, dos periodistas muy desagradables la acosan por la fama de su novio, lo cual agrava su inquietud. Sorpresivamente, hasta la puerta de su casa se presenta Jenny, una joven solitaria quien ha viajado desde EE.UU., atraída inexplicablemente por el viejo edificio. Ella se gana la confianza de Diana y es invitada a alojarse. Las dos mujeres van a descubrir el misterio que se oculta en estas cuatro paredes: una dimensión de terror, detrás de los espejos.

"Dream Demon" es una película que narra una historia sobrenatural, muy a las maneras de pesadillas fílmicas bastante populares hechas en Norteamérica, nos referimos a la saga de "Pesadilla en Elm Street", pero que en este caso se trasladan geográficamente hasta Londres, esa ciudad que nos da la impresión y recuerdo de un estilo Hammer tardío, pues ya estamos a finales de la década de los ochenta. Esto es precisamente lo que le otorga un particular encanto a nuestra vista, ya que se trata de una puesta en escena bastante correcta y conseguida con lo justo, sin mayores alardes. El realizador norteamericano Harley Cokeliss, el mismo de la película "Battletruck" del año 1982, hace un buen esfuerzo por contar una historia inquietante de manera muy dinámica y entusiasta, contando para ello con un elenco de actores bastante competente, así como un equipo técnico que se aprecia muy correcto en sus funciones. De todas maneras, la economía de medios se hace notar, ante la falta de mayores efectos audiovisuales que brinden mayor relieve al espectáculo, siendo más bien de desarrollo discreto, funcional, y muy comedido, pero sobretodo, y esto es lo importante, que resulta bien conseguido.

La historia nos cuenta la situación crítica a la que se enfrenta una joven quien sufre pesadillas frecuentes, las cuales parecen cobrar vida cuando se intensifican. El velo que cubre los sueños de la realidad parece desgarrarse de manera inexplicable, todo ello a raiz de su traslado a una vieja casona, la cual, como descubrirá más tarde, guarda un secreto terrible. Es como si Diana, nuestra protagonista, hiciera uso de un poder mental que ha despertado en una coyuntura emocional muy intensa, como es la proximidad del matrimonio con su novio Oliver, un militar de renombre y héroe de guerra. A la cadena de acontecimientos se suma la llegada de Jenny, una simpática joven norteamericana de carácter jovial, muy autosuficiente y decidida, que sabe cuidarse muy bien, como lo demuestra ante dos periodistas acosadores muy desagradables. Jenny es una fuerte personalidad que se convierte en el principal apoyo emocional de Diana ante los inexplicables sucesos, y sin duda un personaje clave en el subtexto que nos presenta esta historia, cuando ambas jóvenes establecen un fuerte lazo que les permitirá resolver el misterio que se oculta en la vieja casona.

La historia, además, puede inscribirse dentro del rubro de casas encantadas, con un sótano que despierta una extraña fuerza maligna, que llena de sombras los corredores y ambientes, y que convierte a los espejos en portales a otra dimensión, donde el mal llega a poseer a aquellos que caigan atrapados en sus entrañas. La película desarrolla su metraje casi en su totalidad al interior de esta casa, haciendo uso de escenografías acondicionadas para la ocasión, con efectos de iluminación y sombras asi como niebla y decorados inquietantes; superficies viscosas, muros que sangran y figuras fantasmales. Se aprecian efectos visuales de gore artesanal en más de una ocasión, así como maquillaje de horror para las clásicas posesiones malignas. Cabe destacar que estos elementos se presentan de manera gradual y discreta, si bien es cierto, la secuencia inicial es un pequeño momento gore que busca enganchar a su público.

El elenco de actores está encabezado por Jemma Redgrave, actriz británica que forma parte de una familia artística de gran trayectoria, siendo hija del actor Corin Redgrave, nieta del actor Michael Redgrave, y sobrina de las reconocidas actrices Vanessa Redgrave y Lynn Redgrave, así como prima de Joely Richardson y de la recordada Natasha Richardson, solo por mencionar algunos nombres. En esta película su personaje es una frágil mujer que pasa el día entre el sueño y el terror, atacada por pesadillas sobrenaturales; es ahí cuando la vemos ser conducida por tenebrosos pasadizos oscuros y atacada por seres poseídos por el mal. La actriz hace un trabajo bastante correcto en su interpretación y se convierte en muy digna protagonista de esta historia.

En segundo lugar, tenemos a Jenny, rol protagonizado por la actriz norteamericana Kathlenn Wilhoite, a quien recordamos como aquel personaje secundario inolvidable en la cinta de culto "Wiltchboard" del director Kevin Tenney: una parasicóloga new wave con mucha comedia, En "Dream Demon" el personaje de Jenny es una chica singular y algo extravagante en su apariencia, frente a la corrección de Diana, pero demuestra convicción y gran carácter cuando es debido; en cierto momento, vemos como ella toma una decisión que suele extrañarse en las películas de horror: si la casa es maligna, sal de ahí inmediatamente. A pesar de ello, las cosas se complican, y, en definitiva, su rol cobra vital importancia para la salvación de ambos personajes.

Completan el elenco principal el actor Timothy Spall, actualmente, uno de los mejores artistas del cine y la televisión británica, ganador como mejor actor en el Festival de Cannes en 2014 por el film "Mr. Turner", así como muchos otros reconocimientos, y que en esta producción participa con total entrega como un desagradable fotógrafo, yendo de la comedia absurda al terror visual de videoclub con buenos resultados. Acompaña a su personaje el actor Jimmy Nail, otro artista de larga trayectoria en cine y televisión.

"Dream Demon" es una película de horror sobrenatural correcta: de casa maldita, espectros del pasado y entidades malignas, que se convierte en una fábula sobre el descubrimiento personal, que permite erradicar temores y descubrir verdades, asuntos que reconducen la vida por el camino correcto en busca de su destino.

PROXIMO ESTRENO: "EL RITUAL DEL LIBRO ROJO: LA PUERTA DEL INFIERNO"

 

Nos sumamos al anuncio del próximo estreno en cines de una nueva película del reconocido cineasta argentino Hernán Moyano.

Los detalles, a continuación:

El 30 de octubre se estrena en los cines argentinos, "EL RITUAL DEL LIBRO ROJO: LA PUERTA DEL INFIERNO", la nueva película de Black Mandala Films en coproducción con la compañía paraguaya Urban Achievers S.A., dirigida por René Ruiz Díaz. Esta historia de horror fue un verdadero suceso en Rusia ¡se proyectó en más de 940 salas!

La escalofriante película está dirigida por Hernán Moyano, referente del cine de género, reconocido cineasta, guionista y productor argentino (El Camino Eterno, Belisario);  Carlos Baena; Hugo Cardozo; Nathan Crooker; Sonny Laguna, Dawson Taylor y Tommy Wiklund.  

Y protagonizada por actores de la talla de Georgina Campbell (Barbarian, The Watchers); Misha Osherovich (Freaky); y Lucía Baez (The List), entre otros.

Sinopsis
Robbie es un joven afligido que busca contactar a su novia fallecida a través del peligroso ritual del Libro Rojo. Al realizar la invocación en una casa abandonada, con un grupo de amigos, despiertan fuerzas sobrenaturales que los obligará a enfrentar miedos ancestrales para sobrevivir.

Directores: Hernán Moyano, Carlos Baena, Hugo Cardozo, Nathan Crooker, Sonny Laguna, Dawson Taylor and Tommy Wiklund

Guion: Hernán Moyano
Cast: Georgina Campbell, Misha Osherovich, Lucia Baez, Mario González Martí, Lizzie Gómez, Matias Miranda, Tainá Lipinski, Bianca Vacchetta
Fotografía: Armando Aquino
Música: Luciano Onetti
Vestuario: Estefanía Ortiz, Josefina Vera, Priscila Fernández
VFX: Anibal Morales
Special effects: Leo Sobrino
Maquillaje y Peinados: Laura Vera
Sonido: Germán Suracce, Jonatan Montiel
Productores: Michael Kraetzer, Nicolás Onetti, Rene Ruíz Díaz
Productor Ejecutivo: Carlos Baena
Compañías Productoras: Black Mandala, Urban Achievers S.A

El Manicomio - Doom Asylum (1988)

 Una pareja de amantes conduce su coche por la carretera, en camino a cometer una fechoría. Sin embargo, la imprudencia hace que pierdan el control del vehículo y se estrellen violentamente. Ella muere en el acto, mientras que su pareja sobrevive, pero queda muy grave y completamente desfigurado. Tras perder el conocimiento, el sujeto despierta en un hospital para enfermos mentales, a merced de dos médicos de dudosa condición, quienes le han realizado un experimento a su cuerpo destrozado. Su reacción es violenta, y acaba con ambos médicos en forma brutal. Muchos años después, hasta aquel hospital llegan cinco jóvenes a pasar el fin de semana en lo que suponen es un terreno abandonado. Sin embargo, el viejo hospital no está vacío: tres figuras emiten extraños sonidos desde el interior, mientras tanto, en el sótano, un siniestro ser deambula en las sombras en busca de venganza... o sin motivo alguno.

"Doom asylum" es una comedia negra de horror dirigida por Richard Friedman, quien a su vez escribe la historia junto a Steven G. Menkin y Rick Marx. Se trata de una parodia de las películas sobre "mad doctors", muy al estilo del subgénero slasher. El director Friedman desarrolló su carrera en la serie B, y tiene en su extensa filmografía una película titulada "El talismán del terror" ("Scared stiff") del año 1987, con el actor Andrew Stevens, quizás su obra más referida, siendo una película de horror correcta, típico producto de videoclub, sobre posesiones diabólicas y antiguos maleficios. Fuera del cine, es el realizador del videoclip del gran cantautor norteamericano Billy Joel, de su canción "You´re only human", del año 1985, en cuyo video se cuenta otra versión de la clásica cinta "Qué bello es vivir" de Frank Capra, inspirada a su vez en el "Cuento de Navidad" de Charles Dickens.

La tendencia actual por recuperar muchas producciones del siglo XX, de distintas procedencias y condiciones, ha permitido rescatar esta pequeña obra lanzada en el año 1988 bajo el formato VHS para el mercado doméstico. En mi opinión hay dos motivos muy destacados que impiden el olvido de esta película, y tienen nombres propios.

Tenemos que hablar de Patty Mullen y Kristin Davies.

Patty Mullen es una modelo y actriz norteamericana, quien saltó a la fama en 1986 como modelo de la revista para adultos Penthouse, hasta convertirse en la modelo Pet del año 1988. Justamente en ese mismo año, es lanzado al mercado del videoclub esta película con su nombre en el reparto estelar, es decir, todo un vehículo para su lucimiento, como puede decirse. Y no lo hace nada mal. La actriz no solo es uno de los rostros más bellos del cine de género, sino que demuestra ante las cámaras su buena labor, captando el tono adecuado para esta comedia negra, una historia que puede resultar muy sencilla, con unos diálogos que pueden causar gracia, o no, pero en cuyo desarrollo la presencia de Patty Mullen es vital y de gran importancia. Cabe indicar que, desde su inicio y sobretodo en su simpático final, nada de esto funcionaria sin la belleza y el carisma de la actriz, algo plenamente demostrado en su posterior trabajo, como lo es el clásico de la comedia de horror "Frankenhooker", del gran realizador Frank Henenlotter.

Kristin Davis es una actriz reconocida mundialmente en el panorama actual gracias a su papel en la serie televisiva de culto "Sexo en la ciudad", un producto con muchos años de duración, con una legión de fans a nivel mundial, y que llegó a los cines en dos entregas en los años 2008 y 2010. Pero fue en el año 1988 en esta pequeña película llamada "Doom asylum" donde Kristin Davies tuvo su primer trabajo en un largometraje, con tan solo 23 años. Pero lo suyo siempre ha sido el mundo de la televisión, por lo cual, participó en muchas producciones televisivas durante toda una década, hasta el año 1998 cuando logró su papel en "Sexo en la ciudad". Sin embargo, en esta pequeña película tenemos la excusa perfecta para apreciar la natural belleza y el singular encanto de esta actriz frente a las cámaras, cuando nadie presagiaba su posterior popularidad.

Con estas dos figuras, la película ya tiene dos puntos a favor.

En cuanto a la realización, se trata de una comedia negra de muy bajo presupuesto casi palpable, con un guion escrito por Rick Marx, que está lleno de situaciones absurdas y personajes de un solo trazo, todo de manera funcional para las distintas secuencias que se desarrollan en sus escasos 79 minutos, y que, a pesar de ello, en algún momento se hacen muy largos. La salvación de la cinta está en su elenco de actores, el cual hace un trabajo adecuado para lo que tenemos en pantalla: todos ellos como personajes caricaturescos, con diálogos disparatados, y reacciones increíbles, en el mal sentido. Atención a la galeria de personajes, cada cual más inverosimil, pero muy en tono con esta demencial historia. Algunas secuencias son ridículas hasta el extremo, lo que sorprende por la forma en que captan la atención del espectador. Hay situaciones terroríficas, con un despliegue visual de gore artesanal bien conseguido, que forman parte de lo positivo del film.

"Doom asylum" es una comedia de horror, y como tal no es recomendable para todo público, ni siquiera para fanáticos del género, porque el humor es algo muy subjetivo, y funciona para unos y no para otros. Tener en cuenta que se trata de una pequeña parodia de las modélicas cintas de horror gore habituales, en una producción para el mercado del videoclub, de sencilla narración, escenarios reducidos, actores desconocidos, salvo los dos nombres subrayados, que se prestan al juego propuesto. Todo el relato resulta previsible, pero ver a Patty Mullen como la "final girl" de la función tiene su valor, no tenemos duda en eso. Los planos finales de la actriz valen toda la función. Confesión de un rendido admirador.

Cazadores del fin del mundo- Afterburn (2025)

 En un futuro no muy lejano el mundo fue abrasado por una tormenta solar gigante, lo cual puso fin a la civilización que construimos en milenios. De vuelta a una vida sin tecnología, las ciudades en Europa se han convertido en tierras sin ley, donde los más poderosos reclaman el dominio e imponen su orden. En este contexto, un cazador de reliquias, que recorre los viejos territorios abandonados, recibe una última misión antes de su retiro: recuperar el célebre cuadro de la Mona Lisa, oculto en el territorio francés. Para lograr esto, debe enfrentar a un ejército de soldados neo nazis, quienes se han apoderado de la región, diezmando la resistencia de la población sobreviviente. El viejo cazador acepta la misión para poder cumplir su sueño del retiro a alta mar, lejos de la barbarie que consume lo último que nos queda de la humanidad.

El director J.J. Perry, otro de los actores dobles de acción convertidos en realizadores cinematográficos, nos trae una historia basada en un comic independiente norteamericano, de título "Afterburn", de la editorial Red 5 Comics. No he leído el comic ya que no se dispone de edición en español a la fecha ni tampoco de material importado USA. Anotado a mi lista de pendientes.

El comic original es obra de los escritores Scott Chitwood, Paul Ens, y el artista Wayne Nichols. La película cuenta con el guion a cargo de Nimrod Antal y Matt Johnson. Se puede destacar a Nimrod Antal, guionista y también director especialista en cintas de acción y suspenso, de las que se pueden citar algunos títulos, como "Contrarreloj" con el actor Liam Neeson, "Vacancy", cinta de terror y suspenso con Kate Beckinsale y Luke Wilson, y "Depredadores", la tercera entrega del clásico ochentero sci-fi, esta vez con el protagonismo del actor Adrian Brody, dos veces ganador del premio Oscar. Todas estas cintas nombradas son bastante cumplidoras, lo que revela a un buen narrador cinematográfico.

Con estas credenciales, queda claro que "Cazadores del fin del mundo" es una película de acción pura y dura, y que ofrece lo que promete: un relato que nos recuerda las aventuras post apocalipticas de los años 70s, 80s y 90s, con la saga de "Mad Max" como modelo mayor, pero casi todas realizadas con muy pocos medios, donde lo importante es ofrecer una aventura de acción sin prejuicios, con antiheroes agradables y villanos muy desagradables. O al menos esa es la intención.

De todos modos, dentro de su honesta propuesta, de aventureros cumpliendo una misión suicida, la película se permite un subtexto muy actual que suele estar presente dentro de este subgénero de la acción, como es la recuperación de la justicia en un mundo dominado por autócratas, en este caso, neo nazis apoderándose de la vieja Europa. Sin embargo, esta película mantiene una postura no ideológica, más bien básica en su sentido de la justicia, ya que reconoce en su discurso que el mal y la tiranía pueden ocultarse bajo distintas banderas, y que solo buscan apoderarse del mundo, no por el bien común sino bajo sus propios términos.

A pesar de este mundo, aún queda espacio para el idealismo de sus protagonistas, en este caso los personajes protagonizados por los actores Dave Bautista y Olga Kurylenko. El trabajo de ambos actores es bastante correcto, lo que cabe esperar pues se trata de dos artistas de gran trayectoria y experiencia en este tipo de historias. A ellos se suman el gran Samuel L.Jackson, quien encarna con gran solvencia a un personaje muy a su medida, cosa sencilla para un actor de su categoría. El elenco destacado incluye al actor Kristofer Hivju, a quien sin duda se le recuerda por su personaje en la serie "Juego de Tronos", y al actor Daniel Bernhardt, otro gran actor del género de acción, a quien no falta mucho para verlo en la nueva versión del clásico de espada y brujería "Deathstalker". Ambos cumplen sus roles con bastante corrección, como cabe esperar.

La historia deja espacio para más aventuras, como se viene desarrollando en su serie de comics, pero no hay noticias para su versión fílmica, ya que tuvo una exhibición limitada, y al menos llegó a las salas de cine de mi pueblo, como un milagro del mes de octubre.

Abstenerse quienes busquen un film con un relato denso y de intrincada ejecución. Esto es aventura con mucha acción de bajo presupuesto, una historia que va directo a su desarrollo y termino sin complicaciones, con personajes que se ajustan a moldes habituales, pero bien desarrollados gracias a su elenco de actores competentes. Una película de acción de vieja escuela, que busca un lugar en el actual panorama de nuestras fantasías.

Prayer for the Rollerboys (1990)

En un futuro alternativo los EE.UU. sufren una nueva gran depresión, lo que desata una ola de violencia en las calles. Las autoridades establecen un estado de sitio, con restricciones a las libertades civiles, como toques de queda y bloqueos. En la ciudad de Los Ángeles, una banda juvenil denominada los Rollerboys pretende tomar el control total, distribuyendo a gran escala una peligrosa sustancia adictiva. En estas circunstancias, el joven Grifith y su pequeño hermano Miltie regresan a esta ciudad donde vivieron en su infancia; ambos conocen a Gary Lee, el actual líder de los Rollerboys, un creyente en la supremacía racial, quien al verlos no duda en invitarles a tomar parte de sus peligrosas actividades. Griffith toma una decisión, lo cual desata una serie de acontecimientos que ponen en peligro su integridad y la de aquellos que lo rodean.

Tenemos que hablar de Corey Haim.

Sin duda, Corey Haim fue uno de los actores infantiles más reconocidos del cine de Hollywood de los años ochenta, habiendo formado parte del elenco de películas populares como "Silver bullet", "Lucas" y "Secret admiror". En varias producciones hizo dupla con el actor Corey Feldman, conformando así el dúo de comedia adolescente conocido como "Los dos Coreys", cuyos films más recordados son "The lost boys", "Dream a little dream" y "License to drive". Sin embargo, una vez que el niño pasó a ser adulto, la carrera del actor se hizo más irregular, participando en producciones de menor presupuesto y cada vez con resultados desiguales. Durante los años noventa no dejó de sumar títulos a su filmografía, pero la gran mayoría fueron productos directo a video, ya lejos de la gran pantalla. Su amigo Corey Feldman lo apoyó durante esos años en este tipo de producciones, pero las complicaciones de su salud y conducta le impidieron cualquier progreso.

Es bien sabido que la vida privada del joven actor fue demasiado complicada. Sus depresiones y adicciones fueron intensas. Se dice que esto fue el resultado de lo que costó ser parte de una industria como la de Hollywood, a la cual perteneció desde pequeño y en la cual tuvo muy malas experiencias. Y es que, donde puede haber gran fortuna también puede haber gran maldad. Hay mucha información con documentales y artículos al respecto. Marcado por esto, la vida adulta de Corey Haim se alejó de los grandes reflectores. Su carrera de actor se redujo a pequeñas apariciones en distintos films, algunos incluso sin acreditar. Los últimos años de la primera década del 2000 tuvo una breve recuperación de su actividad, pero esto no fue más que el anticipo de su final en el año 2010, a la edad de 38 años.

Una vez que se revisan los filmes juveniles de Corey Haim queda demostrado que fue un actor con mucho talento, muy versátil y expresivo, con carisma innegable que le permitía adueñarse de la pantalla con mucha facilidad. Esto también sucede en una producción menor como lo es "Prayer for the Rolleboys", película del año 1990, de la cual nos vamos a ocupar,

Esta es una historia de intriga y acción, muy acorde al policial juvenil del tipo "21 Jump Street", la serie de TV donde un comando de jóvenes encargado por la policía debía infiltrarse en una banda de delincuentes, ganarse su confianza para conseguir información, reunir pruebas y entregarlos a la justicia. Sin embargo, "Prayer for the Rollerboys" propone un singular escenario: la ciudad de Los Angeles en una distopia no muy lejana del siglo XX, donde una gran crisis económica en todo el país ha llevado a instaurar un estado represor que intenta recuperar un nuevo orden en la sociedad, la cual ha caído víctima del crimen organizado, el comercio ilegal y la inseguridad que se han implantado en sus calles. El retrato de esta crisis de la civilización se refleja en la visión de zonas marginales, sin señales de aquella urbe moderna que caracteriza a Los Angeles, salvo su condición de ciudad costera, con miradores a la playa, o paseos nocturnos por la zona portuaria.

Hay un momento durante la película en el cual se escucha en una radio portátil las noticias en vivo, donde se señala que un grupo de norteamericanos fue capturado al intentar cruzar la frontera hacia México, huyendo de la inseguridad reinante en el país, muy lejos de ser la primera nación del mundo, pues ahora Alemania y Japón son las primeras economías mundiales, según es señalado en esta historia.

Por su parte, el escritor y guionista autor de este film W. Peter Iliff resume su historia como ""La Naranja Mecanica" conoce a "Blade Runner", a través de "El Señor de las Moscas"". Consciente de esto, el director Rick King hace un buen trabajo al sacar adelante una producción con pocos recursos, lo cual es muy notorio, pero al mismo tiempo lo hace de un modo muy resuelto y con mucho dinamismo, al combinar la acción explosiva con la coreografía del patinaje a toda velocidad, contando para esto con un elenco de actores muy jóvenes y entusiastas.

La película es una producción de bajo presupuesto, por ello, los realizadores se las apañan para mostrar ese nuevo entorno para sus protagonistas con el empleo de locaciones muy reducidas, con mayor relevancia en áreas despobladas que corresponden a la zona portuaria o industrial.

Las imágenes en exteriores mantienen un filtro de tono sepia, el que se emplea en otras cintas para retratar zonas o países fronterizos lo que permite distinguir el cambio de escenario: aquí esa ambientación se extiende a esta parte de EE.UU., producto de la crisis económica y social que sufre la ciudad. Elementos que sirven de manera practica para destacar el contexto de esta historia.

En cuanto a sus personajes, hay que destacar que la película realiza un trabajo muy eficaz en su presentación, siendo estos muy bien descritos en cuanto a sus personalidades e intereses. El protagonismo de Corey Haim como Griffith es muy correcto, lo cual sin duda se debe en mayor parte a su trabajo actoral, demostrando a un joven abrumado de problemas, con la responsabilidad de su pequeño hermano, y presionado por la amenaza que representan los Rollerboys, pero demostrando que es un joven decidido y con mucha actitud en cada una de las situaciones que debe enfrentar. Patricia Arquette es Casey, la encantadora y audaz joven que irrumpe en la vida de Griffith por motivos que luego son revelados.

Por su parte, Gary Lee, el líder de los Rollerboys: es sin duda el más peligroso de los delincuentes que amenazan la ciudad y a nuestros protagonistas. El papel está a cargo del actor Christopher Collet, quien interpreta a su personaje como un líder frío y calculador, supremacista blanco, fanático de teorías extremas con las cuales convence a quienes lo siguen y conforma una agrupación de delincuentes que pretenden destruir lo poco que queda del antiguo orden, y así obtener un control absoluto en medio del caos reinante, a través de la distribución de sustancias nocivas.

Lo que tenemos es un relato de acción y violencia urbana, habitual en el cine norteamericano, pero de corte juvenil, que destaca por una realización efectiva, con una historia que plantea un escenario dotado de elementos interesantes: el patinaje y el skateboard practicados en las actividades callejeras juveniles, los uniformes empleados por la pandilla de delincuentes como simbolismo de su nuevo estatus y del culto establecido por su líder, un guiño al film "A Clockwork Orange", y el retrato que nos muestra del lavado de cerebro realizado por sectas que emplean la seducción de la membresía, la ceremonia, la parafernalia y el consumo de sustancias prohibidas para la captación de miembros. De manera didáctica, la película hace un recorrido por estos tópicos a través de la mirada de Griffith, con un Corey Haim metido en uno de sus papeles más logrados.

Las escenas de acción están bien rodadas, dentro de sus limitaciones, con dinamismo y un buen uso del patinaje a plena carrera en áreas fuera del contexto urbano, tanto de día como de noche. La música está presente y acompaña la estilización del film, con los sonidos de artistas como Nine Inch Nails o King Swamp.

"Prayer for the Rollerboys" es un ejemplo disfrutable de una distopía de la serie B, con todo el estilo del cine de los años ochenta, que vio la luz a principios de la década noventera como ultimo destello de una época colorida y dinámica, para dar paso a nuevas tendencias, marcando un punto final para aquella década. Y también, a la carrera de algunas estrellas, como ocurrió con Corey Haim, uno de aquellos actores que nos dejó muy pronto.

Siete mujeres atrapadas - The House on Sorority Row (1982)

 Siete bellas jóvenes son miembros de una fraternidad estudiantil, y están a punto de organizar una gran fiesta en la mansión que pertenece a la señora Slater, ausente hace buen tiempo. Sin embargo, la noche previa a la reunión, la dueña regresa inesperadamente y les advierte que impedirá la reunión en su propiedad. Al día siguiente, una serie de acontecimientos lleva a los habitantes del lugar a perder totalmente el control de sus actos. Un terrible suceso es el preludio de una ola de muertes, como producto de un secreto guardado por años. La gran noche de la fraternidad se convertirá en la última noche de sus vidas.

El escritor y director norteamericano Mark Rosman inicia sus labores en el mundo del cine como asistente de dirección en el film "Home movies" del cineasta Brian De Palma, gran exponente del cine posmoderno y el mejor heredero del cine clásico del británico Alfred Hitchcock. A propósito de lo dicho, en la trayectoria de Rosman se incluye su participación en el año 1988 en un episodio de la serie "Alfred Hitchcock presenta", que hacía su regreso con una tercera temporada.

La carrera posterior del director Rosman no siguió en este género, pasando en los años noventa a producciones de bajo presupuesto para el mercado doméstico, como el thriller fantástico "The Force", entretenida película, habitual del videoclub y la televisión nocturna, así como "Evolver", donde desarrolla una cinta de ciencia ficción para todo público. En este siglo XXI, la mayor parte de su filmografía se encuentra en las producciones de corte familiar y juvenil, como la exitosa serie de TV "Lizzy Maguire" y películas para la gran pantalla y lucimiento de la actriz Hillary Duff. Sin duda, películas bien realizadas, dentro de su género.

Con un relato que escribe en el año 1980, Mark Rosman empieza su carrera cinematográfica con su primera cinta en el año 1982, a la que titula "The House on Sorority Row". La historia parte de su experiencia universitaria, y elabora una historia con elementos del cine de horror predominante. Para el momento crucial de la película, el director guionista se inspira en la obra "Les diaboliques", de Henri-Georges Clouzot, del año 1955. De esta manera, se obtiene una cinta de terror que propone una vuelta de tuerca al slasher genérico, con muy buenos resultados pues no decepciona en absoluto.

"The House on Sorority Row" puede ser considerada una de las mejores películas que se han realizado dentro del cine de horror de los años ochenta, y con mucha dignidad puede incluirse en una selección al lado de las mejores películas dentro de su temática. Para quien escribe, resulta mejor que "Slumber party massacre" y mucho mejor que "Sorority house massacre".

La obra pone énfasis en la construcción dramática de su relato a partir de una situación que estalla en el justo momento, a partir del cual se establece una atmosfera cada vez más agobiante y enrarecida, apoyada en forma sobresaliente por las actuaciones de su elenco, totalmente acertado en su desempeño. La actriz Kate McNeil cumple eficazmente su rol de "final girl", lo cual sorprende al ver que no disponga de una mayor trayectoria fílmica, pues aquí se aprecia que es una actriz con muy buenos recursos de interpretación. Por su parte, el resto del elenco compone un interesante cuadro de personajes, todos muy representativos dentro de este tipo de historias, pero bien desarrollados, destacando la actriz Eileen Davidson como la compañera conflictiva, amante de las armas, y causante de la crisis detonante del horror.

Sin duda, la dirección de Mark Rosman es el eje central para el buen resultado del film, conduciendo el relato desde lo cotidiano, la ensoñación juvenil y la rebeldía, hacia la ira y la locura violenta propia del género. El aspecto visual de la película demuestra amplios recursos de estilo, con primeros planos impresionantes, uso acertado de las sombras, sonido e iluminación inquietante, e incluso plano en picado. Así como imágenes de horror que sorprenden con su precisión, sin despliegue abrumador del trucaje gore habitual para estas producciones, lo cual demuestra un buen manejo de tensión narrativa sin mayores efectos. Por su parte, la música resulta muy eficaz en su ejecución dramática, obra del reconocido compositor Richard Band, uno de los más importantes músicos del género, demostrado en su larga trayectoria posterior a este film.

De esta manera, consideramos que "The House on Sorority Row" es uno de los mejores títulos del cine slasher de la década de los ochenta, y uno de los más importantes del cine de horror del siglo XX, al lado de "Halloween" de John Carpenter y "Black christmas" de Bob Clark. A ese nivel la ubicamos, sin problema. En el año 2009 se realizó un remake, como se hizo con muchas producciones clásicas. Pero esa es otra historia.

 

La zona muerta (1983)

(post re-subido del 20/01/2007)

Johnny Smith es un joven profesor universitario que lleva una vida satisfactoria en Castle Rock. Está a punto de casarse con su novia Sarah, y su carrera resulta prometedora. Sin embargo, un terrible accidente automovilístico lo deja en estado de coma durante cinco años, luego de los cuales despierta y busca recuperar su vida. Pero el tiempo ha pasado y nada será como antes. Su novia se ha casado y tiene un hijo, la salud de su madre está en una condición delicada y su carrera ha quedado truncada. Pero además de ello, Johnny descubre que su mente ha adquirido un extraño poder que le permite ver el futuro de las personas con las cuales tiene contacto físico, llegando a tener horribles visiones de tragedias y muertes las cuales luego se comprueba que llegan a convertirse en realidad. Alejado de las personas y de los medios de comunicación que lo consideran un fenómeno, Johnny busca aislarse de todos. Pero la carrera ascendente de un político local llama su atención: así, logra descubrir que una maldad siniestra se oculta tras su imagen y que sólo él puede detenerlo.

Buenísima película del director David Cronenberg, y una de las mejores adaptaciones de una novela del escritor Stephen King, quizás hasta sea la mejor. Madura, inteligente, sobria y eficaz. Con un tono triste en todo su desarrollo, muy acorde con la novela, apoyada en un paisaje nevado y sombrío del pueblo de Castle Rock. Nos narra la historia de un antihéroe, el joven Johnny Smith quien tiene un gran poder que se resiste a usarlo, ya que poco le importa convertirse en héroe, pues su deseo es el de vivir una vida normal. Sin embargo, sabe que su destino no es ese, y por ello, como una forma de "retribuir" esta maldición decide alterar el destino de otras personas y cambiarlo, como lo hace con uno de sus alumnos. Pero como bien sabe, nunca podrá cambiar su propio destino. Aceptando esto se recluye en su hogar, pero al descubrir una siniestra amenaza que va a desencadenar una tragedia a escala mundial (¿¿el Apocalipsis??) decide intervenir en contra de la voluntad del destino (¿¿Dios??). Como se puede ver, es el deseo de vivir en contra del destino; aunque el atrevimiento debe pagarse, por lo que Johnny utilizará todo su ingenio para lograr su propósito a costa de todo. Cronenberg narra esta historia en forma magistral, contando con un buen reparto de actores que incluyen a Martin Sheen, Brooke Adams, Tom Skerrit, Herbert Lom, y a la cabeza de todos, al gran Christopher Walken, impecable como el desdichado protagonista, que camina tambaleante apoyado en un bastón en medio de un paisaje frio, pero que llega a mantener una gran convicción sobre lo que debe hacer.

Fiel a la novela, Cronenberg hace una película algo alejada de lo que habitualmente realiza, quedando el horror y el gore que puede verse en películas como "Videodrome", "Scaners" o "Vinieron de dentro de" reducidos a lo necesario, pero sin escatimarlo en absoluto, y más bien manejando adecuadamente los momentos de suspenso. En mi opinión, resulta comparativa a lo hecho en uno de sus filmes de este nuevo milenio como es "Una historia de violencia", película que deslumbró por su solidez, pero que no debía sorprender en vista del gran trabajo realizado en previas obras como la que nos ocupa hoy. Por mi parte la califico como magnifica.

Historias Extraordinarias (1968)

(Recupero este post publicado originalmente en fecha 03/02/2007, actualizado con el trailer de la película, y un recuerdo para la figura del gran actor Terence Stamp. y a todos los participantes de esta gran película)

Una joya que debe ser revisada, se trata de la adaptación fílmica de tres historias creadas por el escritor Edgar Allan Poe, que hasta entonces había merecido varias películas de la productora Hammer, pero en este caso, se trata de una realización franco-italiana que reunió a tres directores de gran renombre, quienes no sólo se limitaron a narrar con eficacia los oscuros cuentos del señor Poe, sino que llegan a hacerlo con bastante libertad, obteniendo distintos resultados en cuanto a calidad. Las tres historias son las siguientes:

- "Metzengerstein", dirigida por Roger Vadim, con las actuaciones principales de Jane Fonda y Peter Fonda, la adaptación difiere del relato original al otorgar el protagonismo a un personaje femenino, la condesa Federica, quien se enamora de su primo el conde Wilhem, papeles a cargo de los hermanos Fonda; ella, al no aceptar su rechazo, incendia sus tierras. El barón muere en medio del fuego, pero luego reencarna en un caballo, el cual lleva a la condesa a un juramento de amor eterno. El trabajo de Vadim se beneficia de la presencia en pleno esplendor de su entonces esposa a quien aligera de ropas varias veces, incluyendo el segmento final, sin embargo, su estilo visual onirico no contribuye demasiado, ni sorprende.

- "William Wilson", dirigido por Louis Malle, es la adaptación del relato del mismo nombre, uno de los más recordados cuentos de Poe, en este corto, el director francés logra un trabajo estupendo, al narrar una historia extraña, retorcida, intensa y sorprendente. En ella, el joven William Wilson, papel a cargo del astro Alain Delon, busca huir de un misterioso personaje que se ha convertido en su sombra desde que era niño: nada menos que su doble, de nombre y de cuerpo, quien en más de una ocasión ha intervenido en su vida y le llevado a convertirse en un errante que busca los más extraños placeres y viles perversiones, como castigar físicamente a una seductora Brigitte Bardot, pero que siempre es detenido por aquel misterioso ser. La angustia y la desesperación se apoderan de él y busca librarse de la fatalidad, cosa difícil. Como dije, este segmento es una realización estupenda, limitada sólo por los medios técnicos de entonces, pero narrada plano a plano con absoluta brillantez. Cabe decir además que Alain Delon esta formidable en su doble papel.

- "Toby Dammit", dirigido por Federico Fellini, adaptación del relato "No apuestes tu cabeza con el diablo". En esta adaptación, Fellini nos lleva al mundo de Toby Dammit (gran desempeño del actor inglés Terence Stamp), un director de cine traumatizado, sumido en miedos, pues hasta teme a las luces de las cámaras fotográficas, y que asiste a las conferencias de prensa y presentaciones de su último trabajo, un western de connotaciones religiosas, según se comenta, con total indiferencia, pero ello debido a que ha tenido misteriosos sueños con una niña rubia que juega con una pelota, pero que le lanza una mirada maligna que lo perturba terriblemente. En medio del asedio de personas que parecen formar parte de un manicomio, Toby permanece en medio de ellos hasta que la pesadilla vuelve a su mente, aterrándolo, pues parece haber descubierto su significado. Con respecto a este corto, diría que es el más interesante de los tres, con perdón del que realiza Malle, pero es que Fellini muestra aquí toda su imaginería visual, su toque surrealista tan inquietante que es capaz de impresionar y hasta dar miedo con la aparición de ese demonio en forma de niña. Y no solo eso, pues el personaje de Tobby Dammit resulta ser la mejor descripción del propio Edgar Allan Poe, tras la muerte de su esposa Virginia: un creador sumido en miedos, angustias, y también en el alcohol y las drogas. Un impresionante trabajo del actor Terence Stamp.

Asi, el conjunto de las tres historias si bien obtiene distintos resultados, conforman una obra realmente excepcional.

El Hombre de Mimbre (1973)

Titulo original: The Wicker Man (UK)

(Recupero este post, con actualización del trailer por restauración del film)

Hombre virtuoso, devoto católico, profesional serio y recto, el sargento Neil Howie parece ser el indicado para resolver cualquier tipo de situaciones. De este modo, un dia recibe un misterioso correo desde Summerisle, un apartado lugar ubicado en la costa oeste de Escocia. En este mensaje se le notifica acerca de la desaparición de una pequeña niña de nombre Rowan Morrison. Sin dudar ni un instante, el oficial se traslada hasta dicho lugar, iniciando su búsqueda; pero lo que encuentra es un pueblo sumido en un prácticas y rituales que van en contra de sus creencias y de su estricta moralidad. Horrorizado ante lo visto, él pronto comprenderá que más allá de simples supersticiones existe algo siniestro y que parece acecharlo insistentemente. La respuesta a este misterio la tiene el llamado Hombre de Mimbre.

Había una vez, hace muchísimos siglos atrás en el viejo continente europeo, una cultura no muy propensa a dejar rastros de ni huellas muy tangibles de su paso por este mundo. Dentro de las cosas que la ciencia ha podido descubrir, el cuasi-mítico pueblo Celta contaba con un grupo de habitantes dedicados a la orfebrería, la agricultura y al arte de la guerra. Buena parte de la información acerca de ellos se ha encontrado en los vestigios del poderoso imperio Romano, cuyo ejército luchó y venció a estos viejos guerreros, apoderándose de sus territorios. Los romanos encontraron un pueblo de costumbres muy arraigadas, y ello debido a su concepción espiritual del mundo, donde la naturaleza, es decir el clima y la tierra pródiga de alimentos, mantenía una estrecha vinculación con ciertos rituales y prácticas de magia, que buscaba satisfacer a sus deidades con el fin de asegurar la prosperidad de su vida terrenal. Los encargados de estos rituales eran los viejos druidas: míticos hechiceros, cuyo saber, según se cuenta, provenía de lugares como Egipto o La India, lo cual los convertía en idóneos intermediarios entre el pueblo y los dioses. En este aspecto, fue el emperador Julio César quien afirmó haber presenciado ciertos rituales llevados a cabo por los Celtas en sus ceremonias: se asegura que ellas resultaban aterradoras al incluir sacrificios humanos que consistían en encerrar a la víctima al interior de una extraña jaula gigante en forma humana hecha rústicamente, a la cual se le prendía fuego hasta su consumación total, con todo y su ocupante, el cual moría calcinado.

Lo que imaginaron el guionista Anthony Shaffer y el director Robin Hardy fue la reacción de un cristiano al presenciar lo que describió Julio César; con ello elaboraron el guion del film "El hombre de mimbre". La idea inicial fue inspirada por la novela "The ritual" de David Pinner, pero el resultado final fue una historia concebida por Shaffer y Hardy tomando en cuenta sus investigaciones sobre los rituales precristianos de los Celtas. Se crea un ficticio escenario llamado Summerisle, aunque bien inscrita en los terrenos de Escocia, con sus campiñas, sus montes y sus playas, lugares que pueden apreciarse en el film durante el recorrido iniciático del protagonista, el obstinado sargento Howie. La producción estuvo a cargo de la British Lion Films, una humilde productora de películas en plena época de difícil situación para el cine británico.

Con pocos recursos pero con mucho potencial que incluían una historia fascinante, un director inspirado y un elenco formidable se obtuvo un relato de suspenso y misterio que emplea diversas piezas musicales compuestas por Paul Giovanni y el grupo escocés Magnet, las cuales resultan de sonido agradable. Melancolía, encanto, fascinación por la naturaleza, es lo que parece sugerir cada una de las canciones que se dejan escuchar en distintos momentos a lo largo del metraje, y que nos recuerdan el espíritu hippie de finales de los años 60´s e inicios de los 70´s, y también la new age acuariana, que anunciaba el fin de los dogmas y la apertura al conocimiento del saber antiguo. El mismísimo Robin Hardy catalogó a su trabajo como un musical, apreciación subjetiva la cual queda a consideración de cada espectador.

El rol protagónico esta a cargo del actor televisivo Edward Woordward, quien realiza un trabajo espléndido como el sarganto Howie. Si en un principio se pensó en actores como Michael York o Peter Cushing para este papel, no se puede negar que Woodward se apropia del personaje dotándolo de suficientes cualidades para convertirlo en el centro de la intriga tejida por los habitantes de esta singular comunidad. El sargento Howie representa la autoridad del mundo civilizado puesta a prueba hasta sus últimas consecuencias en un lugar donde se observa la vida humana desde otra dimensión. El oficial se coloca en situaciones que ponen a prueba su fe religiosa y sus principios de moralidad; la justicia divina en la cual cree no parece habitar en este lugar, mucho menos la ley de los hombres.

Como impulsor de esta realidad paralela se encuentra Lord Summerisle, quien narra la forma en que recibe la forma en que recibe la herencia de sus antepasados, la readapta y estimula, entendemos que para sus propios fines por cuanto mantiene el status quo en ese pueblo agrícola donde se distingue como el señor de la tierra y único noble. El actor Christopher Lee, la gran figura del cine de horror, es quien compone nuevamente un personaje inolvidable, distinguido y al mismo tiempo siniestro.

El variopinto desfile de personajes permite brevemente la aparición de otros rostros conocidos del cine británico. La actriz y modelo Britt Ekland, quien llegó a ser una de las chicas Bond en el film "El hombre de la pistola de oro" es una belleza que forma parte de esta comunidad, donde también hay lugar para el encanto de Ingrid Pitt, gran figura de la Hammer Films gracias a sus clásicos "La condesa Dracula" y "Las amantes del vampiro". Como se puede notar el elenco femenino es sumamente seductor, lo cual resulta significativo en esta historia de cultos ancestrales, devoción a la naturaleza en su estado más desatado, reconocido como la fuerza motriz para el crecimiento espiritual, haciendo que la educación infantil resulte demasiada precoz y enfermiza a los ojos del oficial extranjero.

La atmósfera del film se construye en medio de un pueblo costero, de viviendas modestas con pequeños espacios interiores; estos escenarios se conjugan con el empleo de locaciones al aire libre, de calles pequeñas y de amplios espacios de verde vegetación, así como otros lugares en la zona costera, como la playa y sus alrededores cubiertos de grandes elevaciones rocosas, donde también se oculta una red de túneles. Es decir, la película nos muestra cada uno de estos paisajes como si fuese el recorrido a través de un pequeño reino, único, aislado y muy cohesionado pues sabemos que en cada lugar se cumple un propósito para un siniestro fin.

El director Hardy desarrolla la narración limpiamente y sin efectismos, incluso en su brillante final que resulta impactante por si misma; mantiene el punto de vista del visitante extranjero, el cual encuentra a su paso diversas manifestaciones que gradualmente revelan el terrible secreto en el enfrentamiento final.

"The wicker man" es el retrato de un ambiente oculto, uno que se muestra como una realidad paralela de misticismo y ritos arcanos que alguna vez rigieron el mundo, hace muchos siglos, lo cual hace aún más inquietante a esta historia sin necesidad de monstruos ni efectos fantásticos, pues cuenta con una atmósfera extraña, personajes extravagantes y un astuto amo titiritero de todo este cuento malvado. Como ocurre en las mejores películas del género, el horror es una amenaza exterior que se manifiesta sigilosamente, invade la realidad tal como la conocemos en forma inquietante, hasta alcanzar una violenta irrupción, que en este caso resulta muy singular pues la línea divisoria entre la realidad y la ficción aún se siente muy frágil, y atemoriza pensar que algo así podría aun ocurrir en nuestros días.

Los Cuatro Fantásticos (2025)

Si Superman fue el personaje que dio origen al Universo DC, entonces, Los Cuatro Fantásticos fueron aquellos que dieron origen al Universo Marvel.

Fue en el año 1961 cuando se publicó por primera vez una aventura de Los Cuatro Fantásticos en su propia serie, sin haber llegado de otra publicación, es decir, esta obra realizada por el guionista Stan Lee y el dibujante Jack Kirby fue una apuesta contra todo pronóstico. La autoría conjunta de ambos talentos dio forma a la más mítica cabecera de la llamada "Casa de las Ideas", con permiso del amable vecino Spiderman. Durante casi nueve años, las aventuras publicadas bajo este título constituyen una de las piedras angulares del Universo Marvel, sobre la cual se han construido innumerables historias, derivaciones, relanzamientos y renovaciones, pero siempre buscando mantener la esencia de lo que sus autores establecieron de forma tan sólida como los golpes de La Cosa.

Hora de hacer un repaso al mítico elenco de personajes protagonistas:

Reed Richards: El Señor Fantástico, líder del grupo, el ser humano más inteligente del mundo, siempre dispuesto a resolver cualquier tipo de crisis

Sue Richards: La Mujer Invisible, el alma del grupo, es quien une a todos los integrantes, el centro de la familia

Johnny Storm: Antorcha Humana, el más joven integrante del grupo, y quizás el más peligroso por su nivel de poder

Ben Grimm: La Cosa, el más fuerte y potente miembro del grupo, y al mismo tiempo, el más noble de ellos, unido a la familia por la amistad más pura y sincera.

Agua, aire, fuego y tierra, respectivamente. Todos los elementos que se unen y conforman una sola fuerza y el poder más grande de nuestro mundo.

Tanto Lee como Kirby conciben al grupo no sólo como un equipo de superhéroes, sino mucho más como un equipo de exploradores de lo desconocido, ya que sus aventuras son consideradas de las más alucinantes que se hayan realizado en una serie de comics. Los cuatro protagonistas se ganaron el cariño del público, no sólo por el heroísmo demostrado sino por conformar una familia ejemplar, unidos por un amor verdadero, y por ello se convirtieron en un clásico indiscutible de la historia del noveno arte. Los relatos muestran a estos personajes en medio de situaciones cotidianas y conflictos familiares, interrumpidos por eventos cada vez más alucinantes y asombrosos.

Mundos subterráneos, dioses galácticos, invasiones extraterrestres, científicos locos, hechiceros poderosos, submundos atómicos, civilizaciones ocultas, etc. Toda fantasía desbordada encuentra lugar en sus páginas, a lo largo de nueve años (1961 a 1970), en relatos muy vibrantes que cuentan con la prosa grandilocuente de Stan Lee y el apartado gráfico alucinante desarrollado por el artista Jack Kirby, ambos logran dar vida a una serie de relatos memorables que constituyen las bases de la mitología del Universo Marvel y que a la fecha se mantienen vigentes.

Nos ha tocado vivir la época más alucinante de los medios audiovisuales, con el arte del cine atravesando una etapa de transformación, la más importante desde su creación a finales del siglo XIX.

El avance tecnológico alcanzado nos permite contemplar el desarrollo de propuestas visuales cada vez más arriesgadas. En este sentido, la productora Marvel Studios se atreve a realizar una nueva adaptación fílmica, un live-action de "Los Cuatro Fantásticos", en espera de lograr una revisión que sea todo un homenaje a su mítico cómic y a sus emblemáticos personajes.

No me voy a extender demasiado porque de esta película hay miles de videos y textos dedicados a ella donde muchísima gente experta en cine y comics han dado su opinión fundamentada respecto de esta película. Solamente me queda expresar que a mí me ha encantado. Es la película de Los Cuatro Fantásticos que hemos esperado mucho tiempo.

Es un relato con toda la ciencia ficción habitual en los comics desarrollados por sus creadores en la década del sesenta, en los inicios de la Marvel Comics, y justamente con esa ambientación propia de aquellos años: una ciudad de Nueva York en clave de fantasía urbana, donde en cada día pueden ocurrir extrañas situaciones, como una invasión extraterrestre o el ataque de un monstruo gigante, y la ciencia disponible para enfrentar estas amenazas es capaz de maravillarnos, porque es tan eficaz que bordea la magia, apoyándose en los efectos de los rayos cósmicos y la radioactividad, sin mayores explicaciones. Esta capacidad de asombro se encuentra presente en la historia propuesta por este film.

Un accidente espacial ha convertido a nuestros cuatro protagonistas en seres extraordinarios, y esto es aceptado y se vuelve cotidiano en este mundo alternativo. Por ello, cuando la amenaza desconocida se cierne sobre el planeta, no hay duda de que los llamados Cuatro Fantásticos se harán cargo del problema y lo solucionarán. Pero la magnitud de la crisis y el sacrificio que exige hace que se ponga en duda la capacidad de los héroes para resolver la situación.

Sin duda, el mayor acierto de la pelicula se encuentra en la caracterización de sus cuatro protagonistas, a cargo de los actores Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn y Ebon Moss-Bachrach, quienes realizan una magnifica interpretación de estos personajes, en forma individual asi como en la manera de relacionarse entre ellos, tal cual los recordamos de las historietas, de la mejor manera posible. Pedro Pascal, quien ya es la estrella de cine del momento, se convierte en forma muy convincente en Reed Richards: el científico perfecto, obsesionado con la investigación y la resolución de problemas. Vanessa Kirby es Sue Richards, la maravillosa esposa que muestra una capacidad absoluta y una fuerza de voluntad inspiradora. Johnny Storm, es el hermano de Sue, el más joven del grupo y lleno de energía, que demuestra un gran criterio para la resolución de dificultades. Y por último, Ben Grimm, el más fuerte del grupo, la mayor fortaleza física, y al mismo tiempo el gran apoyo emocional por su enorme bondad y nobleza.

La dirección de Matt Shakman es totalmente correcta y eficaz, en cada momento de interacción de los personajes, asi como en las situaciones de acción impresionante y de asombro fantástico. Muy deudor de la estética de los cómics realizados por el artista Jack Kirby, a los cuales se rinde homenaje con la recreación de esa ciudad de Nueva York idealizada, las imágenes fantásticas tomadas como si fueran splash pages, y ese viaje espacial que recuerda a "2001, Odisea del espacio", pero a la versión en cómic de Jack Kirby: puro asombro espectacular.

Si bien es cierto que la historia en su último tercio se vuelve predecible eso es algo que no afecta nuestra apreciación, ya que la puesta en escena no escatima en recursos y en su capacidad de maravillarnos, conduciendo la narración con toda soltura hasta su magnífico desenlace.

"Los Cuatro Fantásticos" de Matt Shakman es sin duda la mejor película de superhéroes del 2025. Tanto DC como Marvel han presentado sus excelentes y muy disfrutables propuestas, y cada cual, con distinto estilo y forma narrativa, dos maneras de abordar propuestas llenas de espectáculo y maravilla. Pero el gusto cinéfilo nos inclina por poco hacia el estilo más clásico y evocador. De todos modos, estamos en un gran año para el cine inspirado en el noveno arte, pese a quien le pese.

Superman (2025)

"Superman" es una película escrita y dirigida por James Gunn, y ya sólo por esto se puede decir que es una obra de autor. Un cineasta con la visión de un fan que ha podido cumplir su sueño, es decir, realizar a su manera la película del superhéroe de su infancia. La película propone una nueva historia del superhéroe más importante del noveno arte, el cual existe desde hace 87 años de publicaciones, todo esto bajo una puesta al día para la cinematografía actual: una fantasía en plena revolución tecnológica, un relato de acelerado dinamismo, con imágenes de nitidez impecable y espectaculares efectos digitales.

 Esta nueva obra es un entretenimiento notable de principio a fin, y un relato muy dinámico, ya que logra dar consistencia a una narración muy ambiciosa: una fábula que busca maravillarnos y al mismo tiempo busca convertirse a conciencia en una señal de nuestros tiempos: así, el relato refleja muchos de nuestros males: conflictos bélicos despiadados, odio que divide, tecnología inabarcable, falsedad antes que verdad, y manipulación de conciencias. Superman es el gran héroe luminoso, en medio de una galería de personajes especialmente numerosa; de todos modos, la dirección consigue un equilibrio de manera satisfactoria, sin descuidar el protagonismo absoluto del héroe kryptoniano, y la gran presencia escénica del amor de su vida, la periodista Loise Lane, papel a cargo de la encantadora actriz Rachel Brosnahan, la mejor Loise Lane del cine desde Margot Kidder. Ella mantiene una importancia innegable en el desarrollo de la historia.

La actuación de David Corenswet en el papel de Superman es la caracterización que busca ser la mejor versión posible del personaje que nació en las páginas de un cómic. El primer superhéroe de nuestra cultura, y que surgió justo un año antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, uno de los periodos más nefastos de la historia. Superman lleva más de ocho décadas de aventuras a cuestas, desde sus orígenes bajo la autoría del escritor Jerry Siegel y el dibujante Joe Shuster, pasando por sus posteriores versiones a cargo de numerosos artistas hasta nuestros días.

El Hombre de Acero se ha caracterizado por ser el más grande defensor de la justicia e igualdad, y el protector de los débiles y de los oprimidos. Más de una vez se ha contado historias donde Superman logra impedir el desarrollo de guerras y enfrentamientos surgidos en cualquier parte del mundo: Siegel y Shuster dieron el punto de partida contando un relato al respecto, en la revista Action Comics nro. 2.

Sin embargo, Kal-El, su nombre kriptoniano, lleva a cabo esta labor en nuestro mundo mientras vive en la ciudad de Metropolis como uno de nosotros, bajo la apariencia del periodista Clark Kent. Llegó a la Tierra siendo muy niño y creció en este planeta al lado de sus padres adoptivos; ellos le enseñaron que la bondad y el amor al prójimo es el mayor poder de todo ser humano. Esto y su natural invulnerabilidad, el ,legado de su planeta de origen, lo convierten en el mayor defensor de la humanidad.

Todos estos elementos están presentes en la película, y se reflejan en la excelente interpretación de Superman a cargo del actor norteamericano David Corenswet, bajo la acertada dirección de James Gunn. Una caracterización más humanizada y menos omnipotente, siempre entregado a la defensa de la vida, no por naturaleza porque la suya es formidable, sino por los sentimientos y las emociones que comparte al lado de sus seres queridos, en la vida que ha construido en nuestro mundo.

De esta manera, Clark Kent/Superman es muy expresivo, con momentos de exaltación que en versiones fílmicas previas no se han visto, y que han sido motivo de crítica, en mi opinión, infundada. La clásica visión cinematográfica de Superman siempre ha mostrado especial atención hacia su condición e imagen de ser invulnerable, sin destacar la humanidad que ha adquirido durante su vida y que forma parte innegable de su carácter. En esta versión, el director y guionista ha otorgado relevancia a este aspecto esencial del héroe, sin reñir con la representación gráfica descrita por notables autores como Siegel y Shuster, Grant Morrison, Denny ONeil, Mark Waid, John Byrne, Geoff Johns, Dan Jurgens y muchos más.

También se ha criticado una supuesta alteración de la leyenda de Superman, lo cual tampoco es correcto, ya que la propia DC Comics en su evento denominado "Renacimiento" publicado en el año 2016 ha planteado cambios más radicales a la leyenda de los orígenes del héroe. Lo que este nuevo film propone forma parte de la visión integral que su autor, James Gunn, plantea de manera concreta, y es un cambio mucho menos sustancial que lo propuesto en los comics publicados en este nuevo milenio.

Por último, hay críticas al sentido del humor que se desprende en varios momentos del film, lo cual es característico en el cine realizado por su director. Si bien es cierto, entramos al terreno de lo subjetivo, no hay que olvidar que esta película es puro entretenimiento, y hace uso de este recurso narrativo adecuadamente. Es la película de superhéroes de James Gunn con el humor más comedido y contenido que se ha visto a la fecha, y aun así está muy presente en forma acertada. Esto es lógico, teniendo en cuenta las distintas tramas a las que apunta la película a lo largo de su desarrollo, y que requieren estas válvulas de escape para agilizar la narración, siempre en forma oportuna, sin caer en el exceso.

El resto de los personajes contribuyen con distintos elementos y situaciones que complementan la historia en su conjunto, siendo todos piezas claves dentro de la totalidad del relato estructurado por el director en forma satisfactoria. Gunn es experto en esto, lo cual está demostrado en sus tres películas de "Guardianes de la Galaxia", en "El Escuadrón Suicida", e incluso en uno de sus primeros grandes trabajos como guionista, como lo es el remake de "El Amanecer de los muertos", donde un elenco de sobrevivientes atrapados en un centro comercial debía enfrentar el apocalipsis zombie. James Gunn siempre ha demostrado su talento para construir relatos donde la galería de personajes, heroes, villanos, y de todo tipo, todos cumplen una función especial que contribuye al desarrollo y resolución de su narrativa, y a lo largo de estos años ha logrado gran experiencia en esto. Por ello, no dudo en decir que este es el mayor acierto de la película.

Como es de esperar, el elenco de actores y actrices que ha congregado el director es sin duda el mejor y más acertado equipo de artistas al servicio de la gran historia que nos cuenta el film. Poco más que agregar, cuando toda internet está llena de información y reseñas al respecto. Solo queda señalar que Nicolas Hoult como Lex Luthor es el villano de toda la vida: frio y calculador en su ofensiva, pero lleno de odio hacia el superhéroe que escapa de su control mundial. La Pandilla de la Justicia está conformada en todo su esplendor por Guy Gardner, Hawgirl y el asombroso Mister Terrific, y no puede tener mejores actores para su puesta en escena como el gran Nathan Fillon, la joven Isabela Merced y el notable Edi Gathegi, 

Abiertas las puertas para el nuevo Universo Cinematografico de DC, quedamos a la espera de la próxima gran propuesta a cargo del director Craig Gillespie, que nos trae a Kara Zor-El, Supergirl. Es tiempo de mirar a todos lados, porque los Metahumanos ya se apoderan de las pantallas.