Siendo temporada de Halloween ("it´s the most wonderful time...of the year"), nos hemos pasado las noches aplicando lectura y relectura de comics de terror, como buen periodo festivo. A nuestra manera.
Brevemente, comento algo de lo leído:
Un Cesto Lleno de Cabezas: de Joe Hill y Leomacs
Podría clasificarse esta historia como un slasher sobrenatural, donde una joven inocente se ve envuelta involuntariamente en situaciones muy bestias, a causa de un objeto maldito, en este caso un hacha vikinga. Violencia y humor negro, en un relato de Joe Hill, conocido autor de "Cuernos" y otras novelas, que se prodiga con frecuencia en el mundo del cómic. Y es hijo de Stephen King, aunque ya se ha ganado el reconocimiento por mérito propio. El dibujo de Leomacs es muy aplicado, dinámico y fresco.
Fantasmas. Vol 01 Hurto Hechizado: de Joshua Williamson, Goran Sudzuka y Miroslav Mrva
Intriga en una casa habitada por fantasmas. Los protagonistas lo deben comprobar, y para ello deben capturar a un fantasma tal cual, como prueba del fenómeno sobrenatural, a pedido de un excéntrico y corrupto millonario. Misterio, terror, acción y sorpresas. Williamson es un escritor de larga trayectoria, con bastante buen oficio, y Sudzuka es un artista con un dibujo muy cumplidor a quien vi por primera vez en un comic de Wonder Woman. Todo muy bien.
Wytches: de Scott Snyder, Jock y Matt Hollingsworth
Terror en los bosques, en una historia donde la amenaza proviene de unas brujas y de un cierto culto siniestro. Los protagonistas son una pequeña familia conformada por un padre, una madre y la hija adolescente, quienes se ven atrapados en medio de una trampa infernal, como se puede decir. Terror, muerte y sacrificio, en una historia bien desarrollada por Snyder, actual escritor estrella de DC Comics, con el estilizado dibujo de Jock y el color adecuado a cargo de Hollingsworth, creando una atmosfera muy extraña, como debe ser.
Otoñal: de Daniel Kraus, Chris Shehan y Jason Wordie
Una joven madre y su hija llegan a un pequeño poblado para reclamar la propiedad de una vieja casa. Pero, a medida que transcurren los días, ambas descubrirán que todo aquel que ingresa en estos terrenos luego no podrá salir. Mejor dicho, no podrá escapar, porque una maldad siniestra acecha esta región en busca de víctimas. Cuán larga es la sombra de una historia como la que se cuenta en el clásico film "The Wicker Man". Lo interesante es ver cómo los nuevos relatos aplican ingeniosas vueltas de tuerca, para infundir nuevas pesadillas. Buena propuesta, una historia que logra incomodar, y una propuesta gráfica muy acertada.
Infidel (Infiel): de Pornsak Pichetshote, Aaron Campbell, José Villarubia y Jeff Powell
La nueva inquilina de un viejo edificio, cuya familia es de origen musulmán, intenta llevar la vida en un mundo de discriminación y desigualdad. Pero unas extrañas apariciones ocurren en su nuevo entorno, y sólo ella las puede ver en su forma amenazante. Esto va a ir en aumento, de sustos iniciales hasta llegar a terribles acontecimientos. Porque en ese edificio hay un maligno secreto por descubrir. Un relato de fenómenos sobrenaturales, pero, sobre todo, de denuncia social por la injusticia que se comete contra todo aquel considerado diferente, no importando su inocencia. Una historia de horror muy actual del escritor Pichetshote en lo que ha sido su primera obra luego de ser editor en Vertigo. El comic sube aún más el nivel gracias al impresionante arte de Campbell.
Ahora toca revisar películas, para ver cómo se renueva el cine de horror. En breve volvemos, apresuradamente.
Bridget es la esposa de Clay, un médico venido a menos el cual logra vender un paquete de sustancias dentro del bajo mundo, por lo cual recauda una fortuna. Sin embargo, ella le roba todo el dinero y huye de la ciudad. En Nueva York, Bridget cambia de identidad e inicia una nueva vida. Pero su esposo le sigue los pasos desesperadamente, así que ella decide poner en marcha un plan para librarse de él. Ahí es cuando conoce a Mike, un vendedor de seguros, el cual cae bajo sus encantos sin remedio y se convierte en la pieza clave de sus siniestras intenciones.
Completando mi anterior pequeño repaso de films Neo Noir de los años noventa, toca el turno de comentar esta película del director John Dahl. De este realizador ya habíamos visto y posteado "Red Rock West" del año 1993. Apenas un año después, se estrenó en salas esta obra suya la cual alcanzó mayor resonancia. "The Last Seduction" es una película que causó cierto revuelo por su trama bien construida y sus momentos de erotismo sin tapujos. Los años noventa mostraron quizás los últimos films hechos en Hollywood donde la sensualidad y la pasión formaban parte importante de la trama, sin mayores dificultades.
En esta década se pudo ver parejas cinematográficas como Bruce Willis y Jane March en "Color of Night", Nicolas Cage y Erika Anderson en "Zandalee", Sharon Stone y William Baldwin en "Sliver" o Michael Douglas y Demi Moore en "Disclosure", con historias que en el nuevo milenio se han convertido en materia para un cine independiente, pues los grandes estudios cedieron ante las nuevas tendencias dirigidas hacia un relato fílmico menos explicito. Actualmente, lo más cercano a estos relatos y que se ha realizado en Hollywood son las adaptaciones de las novelas de la escritora E. L. James y su trilogía "50 Shades of Grey", así como la adaptación de la novela "The Housemaid", de la escritora Freida McFadden, en el año 2025. Pero no se trata de una recuperación de estos temas, sobre todo en estos tiempos donde el drama sin censura y la mediana producción han perdido terreno y no hay cuando se recupere.
"The Last Seduction" es la historia de Bridget, una mujer inteligente y muy astuta; un ser independiente, porque, según vemos, ella se vale de sus relaciones con sus parejas como un medio para conseguir sus objetivos. Además, ella es totalmente amoral: no tiene límites y no hay un rastro de afecto o consideración en todo su accionar, lo cual la convierte en una persona completamente peligrosa. De esta manera, tanto su esposo como su amante, y todo aquel que se atraviese en su camino, se ven arrastrados por la cadena de acontecimientos que se desatan una vez que Bridget emprende acciones para salir adelante. Ni la masculinidad tóxica ni el sentimiento sincero pueden doblegar su voluntad ni alejarla de sus objetivos.
La historia escrita por el guionista Steven Barancik recorre los bajos fondos de una gran ciudad hasta las oficinas de respetadas compañías de seguro, a las cuales la protagonista accede haciendo uso de sus habilidades para la comunicación. Prácticamente, Bridget es el único personaje femenino de todo el film, en medio de un mundo masculino que se encuentra superado por su audacia.
El rol está a cargo de la actriz Linda Fiorentino, quien se luce como una moderna Femme Fatale de nuestros días, en belleza, voz y actitud seductora. Con este rol Fiorentino logró tal connotación que poco tiempo después se convirtió en la protagonista de otro emblemático título de aquellos años, como lo es "Jade" del gran director William Friedkin. La presencia avasalladora de la actriz se ve bien acompañada por los destacados actores Bill Pullman, Peter Berg, Bill Nunn y J.T. Walsh. Todos ellos realizan un trabajo formidable, en aras de una película muy lograda.
La dirección de John Dahl es fluida y con un estilo muy clásico, con un trabajo de actores muy logrado. Todo ello en su mayor parte dentro de espacios cerrados, entre cuatro paredes y especialmente a media luz, con primeros planos a sus rostros. La interacción entre ellos resulta bastante certera. También hay momentos en exteriores, principalmente para ver a Bridget caminar por esas calles donde su elegancia y frialdad parecen extenderse a su paso, en una pequeña ciudad cuya amabilidad de sus habitantes a ella le resulta algo incomprensible.
"La Última Seducción" es sin duda un título imperdible dentro del llamado cine negro, ya no solo de los años noventa sino de la historia del cine contemporáneo. Relato que expone los niveles de frialdad a los que puede llegar la ambición del ser humano, sin importar las consecuencias en otras personas. Existe una secuela de esta película pero fue realizada directa para el mercado del video, con una nueva dirección y un nuevo elenco, que esperamos revisar en una próxima oportunidad.
En el siglo XIX, en medio de una llanura desolada ubicada en Nuevo México, se hallan dos pequeñas e indefensas cabañas. En una de ellas vive Lizzy, una joven mujer, quien llegó a estas tierras en compañía de su esposo Isaac estando embarazada. Sin embargo, en medio de una terrible noche, Lizzy perdió a su hijo al momento del parto, algo que la hunde en una profunda tristeza. La cabaña más próxima pertenece a sus vecinos Gideon y Emma. Al inicio, tras la llegada de Lizzy y su esposo, ambas familias fueron muy unidas, sin nadie más en kilómetros a la redonda en este paraje, el cual por las noches se hace muy siniestro. Pero la tragedia volvió a golpearlos, cuando Emma falleció de un disparo de escopeta.
Isaac y Gideon emprenden el traslado del cadáver a la ciudad, dejando a Lizzy sola en su cabaña durante unos días. En este periodo de tiempo, la joven empieza a notar una presencia inexplicable en el ambiente, con el sonido del viento cada vez más extraño, así como el comportamiento de los animales que rodean su cabaña. Atormentada mientras recuerda las tragedias ocurridas desde su llegada, Lizzy sabe que hay algo ahí afuera, y que ahora quiere acabar con ella.
"The Wind" es una película norteamericana dirigida por Emma Tammi, una realizadora que hoy en día es reconocida por haberse hecho cargo de manera exitosa de las dos películas de la saga "Five Nights at Freddy´s", basadas en el famoso videojuego. Sin embargo, su debut en el largometraje para la gran pantalla se dio con esta obra en el año 2018, consolidando un aclamado recorrido por festivales y proyecciones limitadas. Genial, porque el relato que propone es sin duda cautivante, a partir de un guion de la escritora Teresa Sutherland.
La película nos cuenta una ficción con carácter sobrenatural, ambientada dentro del marco histórico de fines del siglo XIX, y en una región geográfica particular, un territorio alejado del progreso que se alzaba ante el cambio de siglo y la llegada de nuevos tiempos, es decir, un entorno completamente cambiante. Hasta aquí llegan una pareja de esposos, quienes se trasladan a este paraje desolado, como un lugar destinado para aquellos que huyen de la vida en la ciudad, y que encuentran antiguas tradiciones y mitos que parecen seducirlos. La fe cristiana converge con la creencia en seres mitológicos y criaturas de concepción fabulosa.
La directora Emma Tammi nos describe esta situación a través de una puesta en escena muy destacable, donde la visión panorámica de un paisaje desolado parece envolver a un pequeño grupo de personajes, donde destaca la figura de Lizzy, la joven esposa quien se muestra indefensa ante la atmosfera que la rodea. Tanto de día como de noche, surgen figuras y sombras amenazantes que la acechan, y que llegan a atacarla. En forma lograda la película expone estas situaciones de carácter sobrenatural e inexplicable, cuyo misterio busca resolución en una figura maléfica que habita en este territorio, mientras se hurga en la memoria de la protagonista, con su constante uso de flashbacks para describir los hechos previos a su situación actual. Si bien es cierto, hay momentos en los cuales los cambios temporales pueden confundir al espectador, una vez metido en el juego y entendida la propuesta el relato resulta comprensible.
La actuación de la protagonista, la actriz Caitlin Gerald, quien luego figura en IMDB como Kit Goldsmith, es sin duda un trabajo excepcional, y es una gran fortaleza de la película. La joven actriz logra dar vida a Lizzy de manera convincente, reflejando toda la travesía que recorre su estado mental, desde la inicial calma de la vida en pareja, hasta su atormentada situación al frente de las extrañas e inexplicables amenazas que enfrenta en solitario. Su rostro nos muestra el miedo, las dudas, el desconcierto y la furia que se apodera de ella en cada episodio de su tribulación. La actriz es el centro de cada momento, y como buena protagonista logra captar la atención durante todo el metraje, hasta su climática resolución. Sobre esto, quizás esa revelación del misterio puede resultar previsible, o lucir premeditada. A pesar de ello, los distintos momentos que construyen el relato en su conjunto están dirigidos con eficacia, lo cual brinda la solidez necesaria a un largometraje convincente.
"The Wind" es sin duda uno de los mejores weird western del siglo XXI, el cual logra combinar en forma efectiva el drama y el tormento de su protagonista, la cual transita desde la vulnerabilidad hasta la fortaleza, dentro de un entorno acechado por fuerzas desconocidas, con terribles consecuencias. La película despliega un reducido número de elementos, siendo una puesta en escena minimalista, con algunos momentos donde el trucaje visual y los efectos de sonido resultan básicos y muy efectivos, cuando construyen momentos de intensidad bien conseguidos. El desenlace revelador y de connotación poética concuerda con este escenario de puro vacío existencial, como el punto final para el sufrimiento humano en esta tierra.
El Rancho Las Cruces es la ambición de un jefe del crimen conocido como El Abuelo. La casa es habitada por la pareja conformada por Mateo y Carmela. Ellos se niegan a vender su propiedad. Una mañana, El Abuelo y su ejército llegan hasta el lugar y ponen fin a la vida de Mateo, dejando a Carmela en medio del llanto, y dándole un plazo para que abandone el lugar. Por su parte, Santana Bravo, un viejo conocido de Mateo, sale de prisión al cumplir su condena y llega hasta el rancho en busca de trabajo. Pero El Abuelo se adelanta a sus planes, y envía a un policía corrupto al lugar y lo liquida en medio del campo. Para sorpresa de todos, una bruja que vive en aquel terreno se lleva el cuerpo de Bravo y lo resucita tras un conjuro mágico. Se descubre que el muerto viviente puede resucitar a otros cadáveres, y armar un ejército que enfrente al Abuelo. De esta manera empieza la venganza.
El western clásico tal cual lo conocemos ha dado lugar a relatos ubicados en una época mucho más moderna, es decir, del siglo XIX pasamos al siglo XX o XXI, manteniendo algunas de sus características. El western como relato de época ha trascendido en la ficción con sus conflictos, luchas, ambiciones, escenarios y personajes, quienes buscan sobrevivir en una vida hostil. Esto ocurre tanto en la literatura como, por supuesto, en el cine. Y es aquí donde se reconoce el llamado Neo Western, una variante muy interesante del relato, que en este particular caso se une a esta otra vertiente llamada el Weird Western. El resultado es curioso y divertido, en buena manera.
Nuevamente, tenemos otra película sencilla y efectiva, bajo los estándares de la serie B de toda la vida. "Siete Cementerios" es una obra dirigida por John Gulager, el mismo realizador de hace casi veinte años de la trilogía de películas titulada "Feast", acerca de una invasión de monstruos voraces que acechaban a un grupo de personas, precisamente en ambientas muy ligados al western, como la taberna o el pueblo fantasma en medio de la nada. Estas historias las vi en su momento y me resultaron satisfactorias, unas más, otras menos, pero todas disfrutables. Tras aquellos trabajos, el realizador no ha tenido demasiadas producciones, siendo su anterior largometraje "Children of the Corn; Runaway", del año 2018, lo cual me ha llamado la atención y espero ver pronto, a pesar de su baja calificación en IMDB. Gulager es muy conocedor del cine de género, algo que ya está demostrado, así que vamos a revisarlo.
El protagonista de esta historia que nos ocupa es el actor Danny Trejo, un rostro ampliamente conocido. Una figura que ya cuenta con cuatro décadas de experiencia en el mundo del cine, desde su primer crédito en una película de Jacky Chan. Así que, poco más podemos decir de su fama bien ganada. Es reconocible el buen trabajo del actor en sus roles habituales de hombre duro, y en este caso, un sujeto maltratado y desafortunado, pero de buen corazón. El trabajo de Danny Trejo es impecable en su línea, siendo un actor muy conocedor del género de la acción y del terror, con mucha experiencia en ello.
La película es una típica historia de venganza contra un desalmado líder del crimen, en una zona fronteriza, donde este señor controla a las mismas fuerzas del orden. Es decir, es la lucha en solitario contra un poder absoluto. El cambio de planes surge con la ayuda de fuerzas sobrenaturales, las cuales convocan un pequeño grupo de zombies, con todas sus letras. A diferencia de las clásicas películas de horror sobre el tema, estos zombies pueden hablar y presentan rasgos de personalidad muy humanos, lo que les confiere identidad propia y cierto carisma según cada caso. Aquí se permite la comedia de humor negro, la cual aligera la tragedia y la situación de crisis que vive la otra protagonista de la historia, quien es Carmela, la joven dueña del rancho, rol asumido con acierto por la actriz Samantha Ashley.
Otro punto a favor del film se encuentra en la dimensión del villano de turno. En este caso, se trata de un hombre algo mayor, pero con gran personalidad, sobre todo para la maldad. Este rol está a cargo del actor Sal López, artista de larga trayectoria quien ya ha tenido experiencia previa con los zombies en la recordada película "Return of the Living Dead 3" del año 1993, como parte de su reparto. El actor cumple con dar vida a este malvado señor de aquellas tierras, y lo hace en forma destacada.
La película desarrolla su historia con acierto, con acción discreta y sobre todo con toques de humor, algo inocente pero que no incomoda. Se hace notar la falta de un mayor tamaño de producción, ya que se trata de una intriga que obliga a la acción total, la cual se desarrolla en forma efectiva, pero sin un despliegue espectacular notable. Los realizadores conducen la película por ciertos caminos para sortear la falta de mayores medios, lo cual se hace evidente. Esto nos recuerda que una película como "Rambo 5", del año 2019, desarrolla una situación similar, pero con mayor espectacularidad. De todos modos, es innegable que "Siete Cementerios" presenta una resolución que funciona de manera ingeniosa.
"Seven Cemeteries" es una historia de acción efectiva y comedia negra ligera. Con situaciones que logran mantener el interés superando algunas dificultades propias del nivel de producción entre manos, y las vallas de una historia sencilla sin mayor profundidad, pero que logra salir adelante con su reparto de actores muy adecuado. El terror brilla por su ausencia, más allá de algunos momentos de trucaje gore tradicional, para recordarnos que estamos rodeados de zombies, y que la justicia siempre llega, incluso desde los lugares más inesperados.
En el Viejo Oeste, una pandilla de delincuentes roba el banco y logra huir tras un tiroteo, dejando varios heridos y un muerto. En las afueras de la ciudad, en medio del desierto, ellos deciden comprobar la veracidad de unos rumores sobre la existencia de una vieja mina de oro abandonada, muy próxima al pueblo más cercano. Al llegar a su destino, lo que ellos encuentran es una ciudad acechada por unos seres monstruosos, de los cuales logran huir refugiándose en una cantina, donde se hallan ocultos el sheriff del lugar y un grupo de habitantes. Los monstruos son los llamados Tommyknockers, y han emergido de las profundidades de la vieja mina tras una explosión provocada por buscadores de oro, la cual los ha liberado. Ahora, las monstruosas criaturas van a destruir el pueblo y a todos sus habitantes.
Las pandillas de delincuentes forman parte habitual de los westerns más violentos. Del mismo modo, esta película independiente a cargo del realizador Michael Su propone una aventura llena de violencia, a la cual se añade la presencia sobrenatural de unas criaturas sanguinarias. A pesar de ello, "Night of the Tommyknockers" mantiene un tono de humor negro en todo el relato, lo cual aligera la experiencia y se apoya en la galería de personajes variopintos que nos presenta.
La película es entretenida y dinámica. Es una producción modesta, con las limitaciones del caso, lo cual no oculta en ningún momento. Hay una practicidad en el resultado, con un juego de situaciones que no se detiene, y con la interacción de un buen número de personajes, lo cual sorprende, siendo todos ellos sometidos a una situación concreta y en un periodo de tiempo determinado. Hay fallos, obviamente sí, como son algunos diálogos ingenuos, vestuarios de ocasión, heridas de bala que desaparecen, personajes desaprovechados, de todos modos, siendo espectadores habituales de este tipo de producciones, el resultado final no resulta perjudicado.
Ahora, tenemos que hablar de ... Richard Grieco.
El numeroso elenco de actores está encabezado por Richard Grieco, quien interpreta con acierto a Dirk, el lider de la banda de delincuentes. Destaca su actuación muy sobria, muy calmado y maduro, convertido en un pistolero notable con el poncho en la espalda, para mayor referencia a las figuras míticas del western. Cada aparición suya es bastante llamativa dentro del film. La presencia de Grieco es un aliciente para quienes somos integrantes de la generación "21 Jump Street", lo cual, también me ha recordado la serie "Rag to Riches", donde apareció en un episodio. El actor es una de las figuras que aquella serie de policías juveniles logró lanzar al estrellato, siendo el caso más célebre el ascenso del actor Johnny Depp, gran estrella de cine por mérito propio, y mejor actor, sin duda.
El caso de Richard Grieco fue algo meteórico: ingresó a la serie en la tercera temporada, y, cuando esta fue cancelada, tuvo su propia serie spin-off titulada "Booker", la cual duró dos años, hasta 1990. Esto le permitió convertirse en figura dentro de dos títulos del cine juvenil de aquellos años, y para grandes estudios, como son "If Looks Could Kill" y "Mobsters". A ellos le siguieron otras producciones, pero ya todas ellas dentro de la serie B y medio televisivo. Todo el siglo XXI no ha dejado de trabajar, lo cual se demuestra en su extensa filmografía, siempre en producciones de serie B y apariciones televisivas. Lo más probable es que más adelante vuelva sobre alguna película donde Richard Grieco participe, porque estas producciones son las que nos fascinan.
Respecto del reparto en "Night of the Tommyknockers", también encontramos a otras figuras destacables, como lo son el actor Tom Sizemore, en el breve rol del sheriff de pueblo, venido a menos, donde la situación sobrenatural lo supera ampliamente. Tom Sizemore fue un actor veterano de Hollywood que empezó su carrera a finales de la década del ochenta, y destacó nítidamente durante todos los años noventa, tanto en acción como en drama, bajo las órdenes de grandes directores, como lo son Steven Spielberg, Ridley Scott, Tony Scott, Oliver Stone y otros. En el siglo XXI ya se hizo menos visible en grandes producciones, y su carrera se dedicó por completo a la serie B, tanto en drama, acción y el terror. La excepción dentro de muchas producciones la constituye su participación en la serie de TV de culto "Twin Peaks", la tercera temporada, en el año 2017. Tom Sizemore nos dejó en el año 2023, con una filmografía extensa y variada, siempre con su presencia muy reconocible.
También es muy destacable en este film el actor Robert LaSardo, otra figura de larga trayectoria, muy habitual en películas de acción donde normalmente asume el papel de sujeto violento, como también ocurre en esta película, en el papel de Lucky, uno de los integrantes de la pandilla de Dirk, en este caso, es el más locuaz y desenvuelto, con lo cual logra destacar nítidamente. Robert LaSardo es muy recordado por su participación en la mítica serie de TV "Nip Tuck", donde tuvo el rol de un villano memorable. Su mayor presencia en producciones de terror es reciente, ocurrida durante este siglo XXI.
"La Noche de los Tommyknockers" es una película muy entretenida y desenfadada, con una situación de asedio vista mil veces en muchas ficciones de horror, pero que mantiene dinamismo, con personajes atractivos, como ya se dijo, bastante numerosos, como lo pueden ser: los miembros de la banda de asaltantes, Betsy, la guapa rubia que es el interés amoroso de Dirk, el borracho del pueblo, el dueño del bar, la madame del burdel, las empleadas, Fred el farmacéutico, Julia la periodista, el jinete caza recompensas o Jim, el viejo pistolero que busca venganza. Algunos de ellos resultan desaprovechados, algo que me incomoda, pero es lo que tiene un relato coral, que nos puede dejar con ganas de ver más de alguno de estos personajes.
La historia no engaña, eso sí: los bandoleros de la pandilla de Dirk no son buenas personas, ni siquiera antihéroes. Por ello, es difícil, o no, predecir el destino de todos estos personajes. La presencia terrorífica de los llamados Tommyknockers es monstruosa y disparatada al mismo tiempo, con ese diseño muy improvisado. Su dinámica violenta y el gore que se despliega, a la vieja usanza, cumplen con la buena función.
"Night of the Tommyknockers" me resulta muy agradable, y me extraña que a estas alturas no sea tan mencionada en los sitios webs temáticos. A reivindicar este título, una pequeña producción hecha con mucho esmero y entusiasmo, lo cual se nota en la pantalla.
Tras la Guerra de Secesión Norteamericana, un grupo de soldados sobrevivientes inicia el camino de regreso a casa. Una noche, son atacados en forma sorpresiva por un vampiro, el cual aniquila a todo el grupo con la excepción de dos hermanos soldados, los cuales logran acabar con este monstruo, no sin antes ser mordidos e infectados con el vampirismo. El médico que atiende sus heridas les indica que la única cura a su mal puede hallarse en el remedio que elabora un brujo indio, al cual deben buscar y ofrecer un pago. Siendo ambos hermanos dueños de un terreno de cultivo, deciden contratar a un grupo de trabajadores que han logrado su libertad del vecino Terrateniente local, con el fin de obtener la riqueza necesaria para pagar su cura. El Terrateniente reclama ese terreno como parte de su propiedad, así que inicia una serie de ataques contra los hermanos y sus trabajadores, lo cual se convierte en una guerra mortal.
"Vampire Wars" es una película con una trama bastante curiosa, que une un hecho histórico como la Guerra de Secesión Norteamericana y sus consecuencias, con el mito de los vampiros. Los viejos dueños de las tierras buscan mantener su poder económico, y no dudan en enfrentar dos situaciones inusuales, como son la existencia del virus vampírico, que está presente en esa extraña sociedad, así como también la amenaza de un grupo de seres conocidos como los caníbales, sujetos que sufren adicción por la carne humana. Todos ellos se ven enfrentados, dentro de esa extraña convivencia en la cual el viejo aristócrata busca prevalecer. La ambición del terrateniente local es tan destructiva como la sed de sangre del vampiro o el hambre de carne por parte del caníbal, pero lo suyo es el hambre de poder absoluto. De esta manera, la trama puede sonar interesante, pero la película no lo logra debido principalmente a su escasez de medios, algo que se hace muy notorio.
En primer lugar, vemos la escenificación de un momento de la guerra y, sin embargo, su dimensión es muy limitada: falta de extras, falta de mayor despliegue, lo cual configura una breve exposición de un hecho bélico. A continuación, el film nos narra una serie de intrigas y enfrentamientos, cuyos estallidos de acción se desarrollan en espacios reducidos que se repiten en cada secuencia. A su favor, estos ocurren tanto de día como de noche, lo cual está bien, y no hay un abuso del empleo de la escasa iluminación en los momentos nocturnos. De todos modos, la cinta en su conjunto denota la falta de recursos propios de una mayor producción cinematográfica, incluso por debajo de la serie B habitual, así como nos muestra una dirección convencional, propia de las producciones televisivas.
El director Craig Ross Jr. tiene una extensa carrera televisiva de más de veinte años, que dio inicio en el año 1998. Fue en el año 2000 cuando presentó el film para video "Killjoy", una comedia de horror con payaso asesino, la cual resulta nada recomendable de mi parte, por más fan que uno pueda ser de la serie Z, pero es que se trata de una mezcla de terror y comedia con la cual es difícil conectar. Sin embargo, la película ha logrado varias entregas que completan seis películas, de las cuales el director ha rodado además la última entrega en el año 2024.
"Vampire Wars", también conocida como "Dead South" es una cinta cuyo tono se toma en serio su propuesta. Pero las situaciones descritas y la puesta en escena no lo consiguen, ya que resulta una visión muy limitada de un conflicto que pudo tener mayor dimensión, al enfrentar a un grupo de esclavos liberados contra el ejército de un tirano terrateniente. Todos se resuelve con pequeños enfrentamientos, entre un grupo reducido de personajes y en escenarios muy delimitados. El relato deja de lado casi todo aspecto del western, y se convierte sobre todo en un drama de época, con las conspiraciones entre los que controlan las tierras, y un romance prohibido entre un aventurero y una dama de sociedad, todo desarrollado de manera sencilla.
El aspecto terrorífico es mínimo, y prevalece en los momentos de acción, los cuales son apenas contados. El vampirismo resulta irregular en sus reglas, cuando hay peleas de los infectados a plena luz del día, unas veces cubiertos totalmente y otras veces no, ajustando sus efectos a la situación en desarrollo. Los ataques de los llamados caníbales son visualmente discretos. El vampiro unas veces es un monstruo total y otras veces es un sujeto elegantemente vestido. Hay ciertas irregularidades que debieron alejarnos de la película, y, sin embargo, hemos podido apreciarla de principio a fin.
El reparto de actores realiza un trabajo correcto, lo cual es un punto a favor, y quizás sea el único motivo para mantener la atención en el relato. Los actores Mathew Marsden y Samuel Hunt son los hermanos protagonistas de esta historia, sujetos nobles, honrados, pero que se verán afectados por el vampirismo hasta convertirlos en poderosos seres, hambrientos de sangre, cuyas almas se verán afectadas. También destacan la actriz Elizabeth McLaughlin, los actores Ray Stone y Nathanyael Grey. Este último es un vampiro distinguido y conspirador, sin embargo, queda desaprovechado al final del metraje. Pero los actores más destacables son otros dos miembros del elenco.
El veterano actor John Savage tiene una amplia carrera cinematográfica que inició a finales de los años sesenta. Ha trabajado con reconocidos directores de Hollywood, como Michael Cimino, Joseph Ruben, Robert Benton, Milos Forman, Andrei Konchalovsky o Harold Becker, lo que incluye haber sido protagonista de títulos clásicos como "Hair", "The Onion Field", "The Amateur" o "Maria´s Lovers", En esta pequeña película de vampiros, John Savage es sin duda el mejor actor de la función, lo cual no le resulta difícil, interpretando a un notable villano: distinguido, elegante, de buenas maneras, que no duda en explotar cada vez que decide acabar con sus enemigos. A destacar la presencia de otro veterano actor como lo es Vincent Foster, peón del terrateniente y líder de los caníbales, cuya carrera fílmica empezó en los años noventa, en ese extraño título que es "Brain Dead", del director Adam Simon.
"Vampire Wars" es una película muy discreta, que además no resulta complaciente con el espectador por su desenlace, el cual no muestra piedad con algunos de sus personajes, lo que puede resultar decepcionante y un giro muy forzado. Nuevamente, las actuaciones correctas son lo mejor del film, a pesar de una historia que no convence. De todos modos, resulta un producto que podría ver nuevamente, por su atractiva idea, a pesar de su llana realización y su extraña combinación de elementos.
Un Marshall logra capturar a dos atracadores de bancos. En su camino para entregar a los prisioneros a la justicia pública más cercana, los tres viajeros llegan hasta un refugio donde coinciden con un grupo de comerciantes, el cual incluye a cinco señoritas bailarinas. El carruaje de esta comitiva es asaltado por un grupo de salvajes caníbales que se ocultan en las montañas, los cuales liquidan a los encargados y secuestran a las mujeres. El Marshall, los dos atracadores y el dueño de la posada emprenden la misión de perseguir a los atacantes y rescatar a las cautivas, en medio de aquel terreno inhóspito y en desventaja frente al gran número de salvajes asesinos.
El productor, guionista y director de cine Isaac Medeiros empezó su carrera en el año 2014, y a la fecha ha firmado siete largometrajes y un corto, todo dentro del circuito independiente. Por ejemplo, la película de la cual nos vamos a ocupar tuvo su estreno en el Newport Beach Film Festival en el año 2023, y luego se realizó un estreno limitado en julio de 2024. La distribuidora Blue Harbor Entertainment la presenta desde este año en su canal de Youtube de manera gratuita, lo cual es de agradecer. Volviendo a la labor de Isaac Medeiros, el director muestra en su filmografía una predilección por los relatos ambientados en el género del Western y sus variantes, como el Neo Western y, en este caso, el llamado Weird Western.
"Silent Thunder" es una película correcta, salvo por algunas soluciones de guion poco convincentes, por las cuales no queda otra salida que aceptarlas, porque los personajes presentados, tanto el Marshall, los dos ladrones de bancos, el posadero y las damas de compañía que se hallan en peligro, se han convertido en personajes que importan: unos y otros en mayor y menor medida, lo cual también es una decisión de la narración que da mayor importancia a ciertos personajes y cero relevancia a otros. El director Isaac Medeiros conduce la película correctamente, con cierta decisión argumental discutible que precipita el último acto, el cual también es resuelto con alguna discrepancia de decisiones. De todas maneras, la presentación de los personajes y sus planteamientos son, en líneas generales, lo suficientemente interesantes, algo que también se debe en buena medida al destacable trabajo realizado por los actores y actrices a cargo en la puesta en escena.
La trama argumental del film ha sufrido en redes la inevitable comparación con la gran obra del nuevo Weird Western como lo es "Bone Tomahawk", del año 2015, dirigida por S. Craig Zahler. La similitud es innegable en cuanto a la situación de conflicto y la presencia de caníbales sanguinarios, aquí llamados "Dogmen". No se debe olvidar que ambas historias tienen por modelo mayor al film "The Searchers" ("Más corazón que odio") del año 1956, dirigida por John Ford. Aquella cinta donde el actor John Wayne confirma su figura mítica como símbolo del Western norteamericano.
Si bien "Silent Thunder" tiene esta intriga central, la del rescate de personas secuestradas por caníbales, en dicho terreno la citada "Bone Tomahawk" resulta insuperable, ya que la violencia en el film de Zahler es impresionante, y resulta en líneas generales un film superior, valgan verdades, mientras que en el trabajo de Medeiros el resultado es bastante discreto.
Pesa a ello, se distingue que "Silent Thunder" presenta, al mismo tiempo, otros conflictos, como la relación que se desarrolla entre el Marshall y sus prisioneros. Así, vemos hasta qué punto puede confiar en ellos ante el peligro que los afecta a todos. Además, en el último tercio de la historia se cambia el escenario de confrontación, el cual remite de nuevo a otra obra destacable. En este caso, se trata de un clásico del cine de serie B como lo es "Assault on Precint 13" del año 1976, a cargo del director John Carpenter. Película que, a su vez, se inspira en el clásico del Western "Rio Bravo" del año 1959, del director Howard Hawks, como todo admirador de Carpenter lo sabe muy bien.
En ese sentido, el desarrollo de la película puede notarse algo artificioso, uniendo un episodio con otro, lo cual funciona en su primera hora, pero luego decae mediante una situación resuelta en forma no muy convincente. Además, notamos un cambio de actitud en uno de los personajes, lo cual se veía venir, teniendo en cuenta su relación con una de las damas de compañía, debido a una historia del pasado. Sin embargo, este cambio no resulta convincente por su falta de contundencia; por esperar el último momento para tomar las acciones correspondientes. Algo que puede costar vidas.
La puesta en escena nos muestra espacios reducidos, algunos trucajes visuales muy discretos, los cuales nos recuerdan que estamos en un Weird Western, y un despliegue de acción y pirotecnia bastante comedido, aunque finalmente aceptables.
El elenco de actores cumple adecuadamente sus roles, lo cual, de nuevo, se convierte en la mayor virtud de una producción de bajo presupuesto, como lo es confiar en las directrices del realizador y en el talento de sus actores para llevar adelante el desarrollo de la historia de manera convincente. En este caso tenemos, liderando el elenco, al veterano actor Ted McGinley, cuya amplia trayectoria durante los años ochenta y noventa incluye el éxito televisivo y clásico total "Married with Childrens", comedia donde interpreta al singular vecino de Al Bundy. En "Silent Thunder" el veterano actor demuestra toda su capacidad para interpretar convincentemente a un duro y curtido Marshall del Oeste Norteamericano. El protagonismo de Ted McGinley es sin duda lo mejor de la película.
Dentro del elenco también tenemos a los actores Jonathan Stoddard y Jack Lucarelli, quienes interpretan a los dos ladrones de bancos, personajes que contribuyen en el interés de la trama. Ambos actores en este año 2026 se han vuelto a unir para un nuevo trabajo del director Isaac Medeiros, titulado "Blowin´Smoke", el cual también incluye a Ted McGinley. También es destacable la participación de las bellas actrices Laura James y Cassie Colvin. Ambas resultan convincentes como seductoras cortesanas que deciden luchar con dureza, como única manera para sobrevivir en esa situación de extremo peligro. Me encanta la secuencia en la cual Ted McGinley y Cassie Colvin mantienen un dialogo, lo que incluye una vieja oración india que evoca el llamado "Trueno Silencioso", detalle que da título a la película.
"Silent Thunder" es un film discreto pero interesante, el cual, a pesar de sus defectos ya descritos, configura un Weird Western de estilo clásico decente.
En la oscuridad de la noche, un tren enciende sus motores anunciando su salida. Los pasajeros al interior del transporte son apenas unas cuantas personas, aparentemente sin mayor relación entre ellos: un hombre vestido de negro que acompaña a una joven distinguida, una elegante dama junto a su empleada, un religioso miembro católico y un pasajero solitario que lleva una extraña maleta. Una vez que el viaje empieza, este último pasajero solitario inicia un inesperado plan de venganza, desatando un tiroteo en el vagón. Es el inicio del viaje al infierno que ha dado comienzo en medio de la noche.
Si encuentras una película cuyo reparto incluye nombres como Tony Todd y Lance Henriksen, pues, sin duda, debería atraer tu atención. Se trata de dos buenos actores, muy reconocidos, con muchos años de actividad recorridos por caminos separados.
Así que, ahora, tenemos que hablar de... Tony Todd y Lance Henriksen
Tony Todd empezó a mediados de los años ochenta, tal como se registra en el imdb, asumiendo papeles secundarios, donde destacan dos obras: en la película de fantasía "Sleepwalk" y en el film de Oliver Stone "Platoon", ambas en el año 1986. El rol que lo convirtió en gran protagonista fue el remake del clásico del cine de terror "Night of the Living Dead", en el año 1990, dirigido por el célebre especialista en maquillaje Tom Savini. A partir de ahí, la carrera de Tony Todd despegó notablemente al reconocerse su buena labor, siempre dentro de la serie B, hasta convertirse en uno de los más célebres monstruos de los años noventa, como lo es "Candyman", película del año 1992 dirigida por Bernard Rose, un título mítico dentro del terror fantástico. A esta obra le siguieron dos secuelas dentro de la década. Su estatus de cinta de culto permitió que, varios años más tarde, se realice una nueva versión, esto en el año 2021, en una gran producción de Jordan Peele ("Get Out") y dirigida por la realizadora Nia DaCosta ("28 Years Later: The Bone Temple"). El actor repite su papel porque sólo él podía darle nueva vida a tan siniestro personaje.
Tony Todd sumó otro rol icónico como William Bludworth, el misterioso sujeto recurrente dentro de la saga de películas de "Final Destination", desde la primera entrega en el año 2000 hasta la más reciente del año 2025. También participó en obras tan recordables como "The Crow", la mítica entrega con el actor Brandon Lee, "The Rock", enfrentando a Nicolas Cage, o "Man From Earth", ciencia ficción del escritor Jerome Bixby. La actividad de Tony Todd se desarrolló entre el cine y la televisión en forma imparable hasta el año 2024, cuando nos dejó a causa de una enfermedad mortal. Sin embargo, su gran presencia y su voz imponente siempre serán muy recordadas.
Lance Henriksen es un notable actor norteamericano, de una amplia trayectoria que se remonta hasta la década del setenta, donde se acreditó oficialmente como parte del reparto de distintas producciones siendo destacable su presencia en títulos como "Dog Day Afternoon" del año 1975, "Close Encounters of the Third Kind" del año 1977, y en "Damien: The Omen 2" del año 1978. Pero fue en los años ochenta cuando su rostro se hizo necesario dentro del cine de género, desde el film "Piranha Part 2", donde se vinculó al elenco del director James Cameron, y participó en sus siguientes obras clásicas, como lo son "Terminator" y "Aliens". El actor volvió a destacar de forma impresionante en otras películas, como "Savage Dawn", una cinta de acción motorizada, "Near Dark", la obra de culto sobre vampiros en la carretera, "The Horror Show", conocida como "La Casa 3" o "Pumpkinhead", el debut en la dirección del especialista Stan Winston.
En los años noventa, alternó su figura consagrada entre producciones de Hollywood y la serie B directa al video. Siempre con total eficacia en su trabajo interpretativo, el actor llegó a la televisión de la mano del realizador Chris Carter, el creador de la célebre serie "X-Files", para convertirse en el principal protagonista de su nueva serie "Millenium": obra de culto que duró tres temporadas. Llegados los dos miles, hasta la actualidad, el actor se mantiene principalmente dentro de la serie B, donde siempre ha aportado solidez con sus participaciones. A sus 86 años, continúa en actividad.
Ahora, ¿qué ocurre cuando en una película se enfrentan estos dos actores mencionados? Pues, sin duda ocurre algo digno de verse, por muy breve y sencillo que sea.
Para "West of Hell", la dirección recae en Michael Steves. La historia fue escrita por el actor Yusef Abu- Taleb, quien fuera una celebridad de la internet de los primeros años dos mil, y su guion fue desarrollado junto al director y dos escritores provenientes de la cinta previa de Steves titulada "Clinger", una comedia juvenil de horror del año 2015, con el actor Vincent Martella, la voz de Phineas, de la serie animada "Phineas and Ferb". Tanto "Clinger" como "West of Hell" son a la fecha sus dos únicos largometrajes dirigidos.
La película es un relato ambientado en el lejano Oeste, el cual cuenta con elementos propios del terror sobrenatural. La historia es el clásico relato sobre personas atrapadas al interior de un espacio cerrado, que son enfrentadas a sus mayores temores y a los terribles secretos que ocultan, como un producto de viejos pecados cometidos. Es un relato muy en la línea de las historias ejemplares de la serie de TV "La Dimensión Desconocida" (The Twilight Zone"), con un grupo de protagonistas, sin aparente relación, que es sometido a situaciones insólitas, porque hay una fuerza sobrenatural que los acecha con fines malévolos. Cada uno de ellos debe enfrentar sus pesadillas convertidas en realidad, y las cuales pueden llegar a ser mortales.
El alcance de la puesta en escena es modesto, pues se reduce principalmente a tres o cuatro escenarios, algunos escasamente iluminados, siendo esto último el mayor aspecto negativo de la cinta, es decir la escasa iluminación acompañada de neblina constante, como suele ocurrir en producciones de bajo presupuesto, cuya ambientación tenebrosa se apoya ampliamente sobre este aspecto. Sin embargo, a su favor la cinta desarrolla una serie de episodios en los cuales el elenco de actores se mantiene a la altura de sus posibilidades, dando suficiente credibilidad a sus personajes, lo cual permite al espectador verse envuelto en la trama enrarecida por los hechos inexplicables. El rol protagónico recae en el gran actor Tony Todd, a quien ya mencionamos en primer término. El veterano artista impone su presencia en cada intervención, y demuestra su saber hacer, dentro de una trama que no sorprende con el misterio que propone.
El elenco de actores también incluye a otras figuras de interés. La réplica a Tony Todd es realizada por Michael Eklund, un actor de extensa carrera, sobre todo en televisión, a quien recuerdo como Bobo Del Rey, uno de los extravagantes villanos de la gran serie de TV "Winonna Earp". Eklund por lo general interpreta personajes duros, imponentes y crueles. En este caso, se convierte en un guardaespaldas, capaz de venderse al mejor postor. Acompaña al actor la joven actriz Juno Laporte, protagonista de la anterior película del director Michael Steves. Su rol alcanza mayor dimensión, a medida que la trama se desarrolla hacia su revelación. También tenemos a la actriz Jill Hoiles, como una dama distinguida y ocasional pasajera del tren, y a Jeryl Prescott, como su empleada acompañante, teniendo en cuenta aquellos tiempos de segregación racial normalizada, dentro de una sociedad cruel e inhumana. Finalmente, es destacable la presencia del veterano actor Richard Riehle, de larga carrera en Hollywood, como el misterioso conductor del tren, quien luce su presencia casi sin diálogos a su cargo.
La película muestra la desigualdad en la sociedad norteamericana de aquellos días, y la convierte en el centro del conflicto entre los personajes. Esto nos recuerda a Tony Todd en su memorable interpretación de Daniel Robitaille, el espectro de "Candyman", víctima de la injusticia que lo convierte en el ser maligno. Si bien es cierto, la historia en "West of Hell" es distinta, y queda muy lejos de la maestría en el relato escrito por Clive Barker, de todos modos, es un episodio dramático y duro que el actor sabe interpretar totalmente. Hay un relato menor que involucra a un sacerdote dentro del tren, papel a cargo del guionista y actor Yousef Abu- Taleb, ya mencionado. Una breve historia que suma un episodio aislado del relato central, pero que se une al conjunto por la revelación final dentro del tren.
Ocurre en el último tercio del film la llegada del personaje encarnado, nunca mejor dicho, por el actor Lance Henriksen: y la película cobra mayor interés, pues esto desencadena la serie de sucesos hacia la resolución final y el destino de cada personaje. Henriksen está impecable haciendo poco, pues su presencia es destacable, a pesar de los años con los que luce el actor.
El encuentro de este pequeño grupo de personajes es lo mejor de la película, pues son ellos los que otorgan a esta producción el mayor acierto. Asimismo, los momentos de pesadillas que enfrenta cada uno de ellos están conseguidos, dentro de sus limitaciones, resultando muy reveladores sobre los pecados y las torturas que conllevan. La dirección de Michael Steves presenta situaciones donde la narrativa puede resultar algo confusa, cuando hay cambios de una situación a otra. La ambientación muestra espacios reducidos, y los exteriores del transporte sufren de la oscuridad envolvente. La película no alcanza la hora y media de duración, lo cual es de agradecer teniendo en cuenta la sencillez que oculta la intriga de este cuento sobrenatural. Aunque no es recomendable para todo público, merece una oportunidad.
Bajo las sombras de la noche, dos figuras cabalgan lentamente, a través de un paisaje solitario y desértico. El jinete dirige el paso, mientras conduce su caballo y el de su acompañante, una bella mujer semidesnuda y atada de ambas manos. Su destino es un refugio bien oculto entre las montañas, donde tiene lugar una reunión de seres abominables con sed de sangre. El jinete, quien se hace llamar Rider, ingresa al lugar con el objetivo de poner fin a ese infierno en la Tierra.
Tenemos que hablar de ...Glenn Danzig.
Surgió en New Jersey, EE.UU., un grupo precursor del llamado hardrock punk, bautizado como Misfits por su fundador, el músico Glenn Danzig, vocalista y compositor. Vivían en su plena juventud. allá en la segunda mitad de los años setenta, La banda mantuvo un recorrido intenso gracias a su sonido enérgico y fresco, con un estilo muy en la línea de los grupos que representaban el movimiento punk del momento. Sin embargo, llegados los años ochenta, Danzig y su guitarrista Jerry Only dan un giro al grupo hacia el estilo visual terrorífico, de acuerdo a la afición del cantante por el cine de horror clásico de los años cincuenta y sesenta. Los maquillajes y las indumentarias se hacen muy representativas del grupo y de la música que ofrecen al mundo: canciones de tramas oscuras, e inspiradas en el cine de horror de serie B. Su música alcanzó una nueva repercusión en la movida underground, y con el tiempo se consolidaron como una de las bandas más novedosas del punk. A pesar de ello, los problemas económicos y las diferencias creativas llevaron a la separación del grupo, ocurrido a mediados de los años ochenta, cuando Danzig decidió llevar su carrera por otros rumbos para mayor despliegue de su creatividad.
Glenn Danzig funda su nueva agrupación con el nombre de Samhain. Siendo apoyados por el grupo Metallica, logran firmar con un gran productor discográfico, y a partir de ahí el grupo cambia su nombre a Danzig, tal cual. Y esta es la banda con la cual el artista se ha mantenido a lo largo de los años. Para el mainstream, participaron en la música de la buena y recordada película "Less than zero" del año 1987. Cuando ocurrió esto, el estilo musical de la banda cambió, yendo del rock metal y el gótico hacia el blues y el sonido experimental. A pesar de ello, poco más tarde, volvieron a sus raices rockeras y al circuito del heavy metal, llegando a lanzar seis álbumes hasta finales de los años noventa. Si recuerdan la movida metalera de los años noventa, recordarán que Danzig fue uno de los grandes nombres de aquella década. Durante el siglo veintiuno, han presentado seis álbumes más, hasta el año 2020. Eventualmente, se han realizado reuniones y presentaciones de Danzig con los miembros de su vieja banda Misfits. Hasta la fecha, Glenn Danzig y su grupo han realizado un último concierto en el año 2023.
Glenn Danzig tiene otras facetas artísticas: es director de los videoclips musicales de su banda, es autor de comics de horror y fantasía, y, además, es guionista, editor y director de cine. A la fecha, tiene filmados dos largometrajes: el primero de ellos es "Verotika", del año 2019, una antología de tres historias de horror, basados en relatos cortos que Danzig publicó en la editorial que fundó con el mismo nombre. Estos son presentados por su anfitriona, Morella, un inquietante ser, interpretado por la actriz Kayden Kross, a quien también se puede ver en la película "Samurai Cop 2". La película no tiene buenas opiniones en internet. Por ejemplo, en el canal de youtube de Cinecutre está la opinión sobre esta obra, donde destacan la influencia que se aprecia del cine de Jesús Franco y Jean Rollin, pero en modo amateur y mal.
Lo siguiente de Danzig es la película que nos ocupa. Su segunda obra se titula "Death Rider in the House of Vampire" del año 2021. Esta vez, el escritor y director se interna en el fascinante subgénero llamado el "Weird Western", y nos cuenta un relato de horror con vampiros, en tiempos del lejano Oeste Norteamericano. Danzig vuelve y nos presenta un film de desarrollo lento, donde cada episodio es contado con parsimonia visual y en formato de video, como una escenificación teatral con pocos escenarios, pues casi toda la historia se desarrolla al interior de un supuesto escondite para vampiros, ubicado en medio del desierto. Sin embargo, representa un paso adelante en la filmografía de su director, pues aquí tenemos un reparto actoral bastante peculiar, los cuales contribuyen a un mejor acabado de la puesta en escena, a diferencia de lo ocurrido en su obra anterior.
El protagonismo recae en el actor Devon Sawa, muy reconocido en el género del terror desde los años noventa cuando protagonizó la comedia de horror "Idle Hands", al lado de la actriz Jessica Alba. Una historia heredera de "Evil Dead" que debe recordarse como uno de los filmes precursores de la renovación del cine de zombies que surgió en el siglo XXI, aun antes de "28 days later" de Danny Boyle. Devon Sawa esta genial en esa comedia, que incluye a figuras como Seth Green y Vivica Fox. El actor siempre ha sido un artista competente, desde que inició su carrera como niño actor en el año 1989, hasta alcanzar su gran éxito en el clásico "Final Destination" del año 2000, un titulo que a la fecha mantiene una saga vigente de películas, que ya ha dado seis entregas y se anuncia una nueva para el año 2028. Sin embargo, desligado de aquella saga, y sin haber anotado otro éxito en taquillas, su carrera posterior se ha mantenido vigente, especialmente dentro de la serie B, donde hace poco se le ha podido ver en películas como el horror de "Consumed" en el año 2024, y en el éxito moderado que resultó la película "Heart Eyes" en el año 2025, un slasher en clave de comedia romántica.
En "Death Riders in the House of Vampires" Devon Sawa interpreta a un forajido misterioso, con una agenda secreta a cumplir dentro de un antro del mal. No es un héroe, y, sin embargo, es quien enfrenta a los villanos de turno: una secta de vampiros, que se ocultan en medio de las montañas, como fugados del infierno. El actor cumple con su caracterización de frío pistolero, nunca mejor dicho, silencioso y calculador. En la línea de los pistoleros de Sergio Leone, pero en este caso, no en la película correcta. Esta taberna del mal y sus alrededores son visitados por singulares personajes, encarnados por los actores Danny Trejo, Eli Roth y el mismo Glenn Danzig. Asimismo, vemos a la actriz Kim Director, recordada por la película "The Blair Witch project 2", luego, figura de la televisión en la serie "The Deuce". Ella interpreta a una vampiresa sedienta de sexo y sangre, una figura que parece salida de los cómics de Danzig.
El mal absoluto está a cargo del gran actor Julian Sands. Consagrado como uno de los actores más reconocidos y de impecable trayectoria, su caracterización en esta película como el Conde Holiday es sin duda la más excéntrica de la obra. Distinguido, intimidante, un ser extraño que conduce en las sombras este lugar maldito. Lamentablemente, el actor nos dejó en el año 2023, lo que fue una noticia que impactó el ambiente artístico, incluido Hollywood.
Como señalamos, el elenco actoral es sin duda lo más atractivo de este film, pues sin ellos tendríamos una película sombría, técnicamente deficiente y poco atractiva a simple vista. Donde la extensión de hora y media llega a pesar sobre el espectador. La última media hora resulta más animada, a pesar de su final poco imaginativo. De todas maneras, la visión de Danzig resulta extraña y enrarecida, dentro de la serie Z y con nivel amateur. Por ello, no es una película recomendable para todo espectador. Sólo puede atraer a consumidores que busquen títulos de rara avis. Alguien como Eli Roth, a quien vemos aquí involucrado en un pequeño papel. A pesar de ello, la experiencia ha resultado extraña pero interesante. Volvemos con más vaqueros del infierno.
Michael es un desempleado que viaja por Texas, montado en su viejo buick. Así, en busca de una oportunidad laboral, llega hasta Red Rock, un pequeño poblado. El empleo deseado parece encontrarlo dentro de un bar en la carretera, cuando el dueño del lugar lo confunde con una visita, y le ofrece una entrevista. Una vez que ambos quedan a solas, aquel sujeto le encarga a Michael un trabajo inesperado: acabar con la vida de su esposa a cambio de diez mil dólares. Michael aprovecha la confusión, toma el dinero y se retira del lugar para huir del pueblo, alertando a las autoridades. Sin embargo, situaciones inesperadas lo retienen, hasta verse atrapado en la mentira. Y esta vez, es su vida la que está en juego.
Tenemos que hablar de John Dahl.
John Dahl es un cineasta norteamericano cuya carrera empezó en los años ochenta como director de videoclips para la MTV, especialmente para el grupo Kool and The Gang. En el largometraje, debuta en 1989 con la película "Kill me Again", protagonizada por Val Kilmer y Joanne Whalley, ambos esposos en la vida real, por aquellos días. Esta buena película es la muestra adecuada sobre el tipo de relatos que el director se esforzó en contarnos en los primeros años de su singular y breve filmografía, como son las historias de crimen y violencia dentro de un submundo habitado por seres maltratados por la sociedad, desfigurados emocionalmente, de dudosa moralidad y envueltos en intrigas arriesgadas como única tabla de salvación para sus vidas. Es decir, el noir, tal cual. Esto ocurre desde aquella primera obra hasta su más sonado estreno como lo fue "The Last Seduction" en el año 1994, un título muy destacable dentro de la década del noventa, del cual nos ocuparemos en otra oportunidad. Entre medias, se encuentra la película de la cual nos ocupamos hoy.
Sus obras posteriores a 1994 exploran otros géneros, como son el suspenso, el cine de atracos, el género bélico y la comedia negra. Entre estas obras, destacan dos títulos inolvidables, como son "Rounders", con el protagonismo de Matt Damon en el papel de un jugador de cartas excepcional, y el film de suspenso "Joyride", notable vuelta de tuerca a la historia de terror con camionero misterioso. Antes de estas peliculas, se encuentra "Unforgettable", una efectiva historia de suspenso que tantea lo sobrenatural, con la actuación de Ray Liotta. Luego de ello, tras dos películas menos resonantes, el director realiza un retiro de actividad para trasladar sus esfuerzos al mundo de la televisión. En lo que va del milenio, John Dahl se ha dedicado plenamente a dirigir episodios televisivos en series consagradas, siendo así otro caso de retiro silencioso del cine norteamericano hacia las plataformas, un paso que hasta Quentin Tarantino está próximo a dar.
De esta breve filmografía, al menos hasta ahora, el segundo título de John Dahl es una película modélica dentro del género negro. "Red Rock West" nos cuenta la historia de un solitario perdedor que viaja por carretera, en busca de una oportunidad laboral. Llega hasta un pequeño pueblo de Texas, y por una confusión de identidades se ve envuelto en una red criminal de la cual debe escapar a toda marcha. Pero no será sencillo, pues cae atrapado en los brazos de una mujer seductora, a la cual decide ayudar y salvar de esta violencia.
El director realiza una película bastante dinámica, de buen ritmo, con una fotografía notable y con un buen trabajo de ambientación para representar un pequeño pueblo al interior de Norteamérica. Nos presenta a un grupo de personajes bien definidos, de los cuales el protagonista resulta ser el más interesante, y ello por la densidad que muestra. Donde las distintas situaciones nos van mostrando cada vez más los rasgos de su personalidad, ganando el favor del espectador. El resto de los personajes son característicos de este tipo de historias, y la descripción hecha de ellos es correcta y eficaz. En ese sentido, la historia escrita por el propio director junto a su hermano Rick Dahl está muy bien realizada.
En este caso, Michael, el protagonista, es un exsoldado que ha quedado lisiado, por lo cual no encuentra trabajo. No se trata de un ser inmoral; por el contrario, es noble y honesto. Esa obligación moral de salvar a los demás es la que lo involucra cada vez más dentro de una intriga muy peligrosa. En este aspecto, el actor Nicolas Cage brinda uno de sus mejores trabajos, de tantos que tiene, como un sujeto noble, modesto, apesadumbrado por su mala suerte, pero nada ingenuo, y muy decidido para resolver situaciones. El actor carga la película a cuestas y la lleva a buen puerto, acompañado por un elenco secundario que también resulta excepcional.
El gran actor Dennis Hopper encarna muy acertadamente a un singular personaje, de buenas maneras y trato agradable, hasta que desenmascara su verdadero rostro. El gran actor J. T. Walsh interpreta a un personaje siniestro, el cerebro tras el peligroso plan, pero que incurre en errores. La bella actriz Lara Flynn Boyle se convierte en la mujer fatal ideal, la víctima de una trampa, de la cual sólo Michael puede ayudarle a escapar. Con estos personajes, la intriga está servida de manera ejemplar.
"Red Rock West" es una notable película, con una historia llena de giros: unos inesperados, otros no tanto, la verdad, pero que favorecen el buen espectáculo, y que conducen esta historia de manera efectiva, apoyada en la gran labor de sus excelentes actores, todos ellos muy acertados. Con esta obra cerramos el pequeño recorrido por el cine negro noventero, aunque quedan muchos títulos aun por revisar, lo que obliga a regresar sobre el tema, eso ya más adelante, y con mucho gusto, pues son historias fascinantes. Volvemos por nuestros rumbos, porque Halloween está cada vez más cerca.
Harry Maddox es un aventurero de moralidad cuestionable, el cual llega hasta un pequeño poblado en Texas. Ahí decide instalarse como un vendedor de autos en la agencia local, mientras se mantiene a la espera de una gran oportunidad. Sin embargo, el pueblo guarda secretos, y Harry los va a descubrir. Debido a ello, sus planes cambiarán inesperadamente.
Tenemos que hablar de ... Dennis Hopper.
Dennis Hopper fue un destacado actor y director, sin duda uno de los más emblemáticos del cine norteamericano. Empezó su carrera en los años 50, en el medio televisivo, con alguna incursión oportuna en el largometraje, como ocurre en los dos clásicos del cine protagonizados por la estrella James Dean, como son "Rebel Whitout a Cause" y "Giant". Luego incursiona en el clásico "Gunfight at the OK Corral", y de manera muy especial en dos películas de bajo presupuesto dentro del género fantástico, como son "The Night Tide" y "Queen of Blood", ambas obras del escritor y director Curtis Harrington, recordado por su extraña estética. Hooper gana terreno en el cine, llegando a participar en títulos emblemáticos como "Apocalipse Now", "The Quiet American" o "Rumble Fish". Sin embargo, su carta de presentación como director lo constituye el clásico título "Easy Rider" del año 1969, filme donde además actúa, conformando un elenco que incluye a dos grandes figuras como son Peter Fonda y de Jack Nicholson.
Su carrera posterior tras las cámaras mantuvo el interés con títulos destacados como "The Last Movie", "Out of the Blue", "Colors", hasta llegar a 1990 con su siguiente obra.
"The Hot Spot" es una película muy bien inscrita en el llamado neo-noir, porque el guion nació en plenos años cincuenta, escrito por el autor Charles Williams, basada en su propia novela del mismo título. La idea fue realizar una película teniendo en mente al actor Robert Mitchum para el rol protagónico. Por distintos motivos, el proyecto quedó encarpetado hasta que, cuarenta años después, este guion llega a manos del actor Dennis Hopper, quien queda encantado con la historia y decide dirigirla. Un proyecto con el mismo título a cargo del director Mike Figgis quedó relegado.
La película es una obra realizada por un Dennis Hopper inspirado en la literatura negra norteamericana, así como nutrido de la experiencia reciente de participar en la magnífica película de David Lynch "Blue Velvet". "The Hot Spot" es visualmente lynchiana, por decirlo de alguna manera: los colores, los escenarios, la fotografía, los personajes singulares que forman parte de esta historia, todo esta filmado con gran estilo y una notable estética, donde la bondad y la inocencia se mezclan con la sordidez, la lujuria y la maldad. Ninguno de sus protagonistas principales está libre de pecado, por mucho que puedan parecerlo. Sin embargo, esa alusión a Lynch no incluye el surrealismo extremo, fantástico, pues, si bien aquí hay momentos donde la realidad también parece distorsionarse con escenarios de ensueño, pero no cruzan un límite, pues la maldad que yace en este pueblo es muy real, tan real como pueda haberlo en cualquier lugar del mundo.
El protagonista Harry Maddox es un delincuente y un inmoral, sin duda. No obstante, el amor que encuentra en este lugar puede lograr un cambio en él. O quizás ya sea muy tarde para ello. El actor Don Johnson encarna a este antihéroe, quien es capaz de cometer maldades, pero tiene un límite, y es evitar víctimas inocentes. Johnson, estrella en ese momento, deja su papel estelar como el detective "Sonny" Crocket de la serie "Miami Vice" y se convierte en un rufián, cínico, frío y calculador, pero que encuentra en el amor su mayor debilidad. No se le puede culpar si el amor tiene el rostro y la figura de la actriz Jennifer Connelly, notable estrella de Hollywood, de larga trayectoria que aún hoy en día se mantiene vigente. El tercer personaje en disputa lo encarna la gran actriz Virginia Madsen, otra belleza que dio glamour al cine de los años ochenta y buena parte de los años noventa. Madsen encarna acertadamente a la mujer fatal clásica, indecente, malvada, y por supuesto muy astuta. Este triangulo pasional funciona muy eficazmente en el desarrollo de los acontecimientos que se desencadenan en este pequeño espacio ajeno a la vida moderna.
La película presenta una atmosfera atemporal, pues por un lado es un retrato de un poblado de los años cincuenta, y, sin embargo, hay detalles que nos recuerdan que estamos en pleno siglo veinte, no hemos viajado en el tiempo como puede parecerlo. Precisamente, todo lo que ahí ocurre parece darle la espalda al resto del mundo, todos ellos están atrapados en ese lugar, y como bien dice el personaje de Virginia Madsen: en esta ciudad sólo hay dos cosas que se pueden hacer, una de ellas es tener un televisor, y la otra es algo que Harry Maddox va a descubrir, si antes no logra escapar.
No olvidemos a los notables actores secundarios que aquí participan, como el gran actor William Sadler dando vida a un ser ruin y malvado, que corrompe todo lo que toca. Jack Nance, el mismo "Eraserhead", habitual de la filmografía de David Lynch, aquí vuelve a interpretar a un singular y pintoresco personaje. Y el buen actor Charles Martin Smith, quien encarna a Lon, un vendedor de autos, un hombre sencillo y alejado de todo lo que le rodea en ese pueblo, Y, sin embargo, acierta con la frase que responde en el siguiente dialogo:
Harry: "En esta vida tienes que coger lo que quieres, porque puedes estar seguro de que nadie te lo va a dar"
Lon: "¿Quieres saber lo que yo siempre digo?: Mira antes de saltar"
"¿Qué es la vida?, un frenesí, ¿Qué es la vida?, una ilusión...", y así sigue aquel poema, el cual recordé luego de ver la siguiente película.
James Foley fue un destacado director de Hollywood con cuatro décadas de carrera, siempre con películas muy bien realizadas, desde su inicio con la historia juvenil de "Reckless" del año 1984, que nos muestra el romance entre el rebelde Aidan Quinn y la bella Daryl Hanna, siendo estudiantes en una escuela secundaria, destacando en los años noventa con el celebrado drama "Glengarry Glen Ross", un despliegue de actuaciones muy destacables, cuyo elenco lo encabeza el gran actor Jack Lemmon. También incursionó en los géneros de la acción y el suspenso, de manera correcta y efectiva, destacando la figura del actor Mark Whalberg, en las películas "El Corruptor", haciendo dupla con el actor Chow Yun-Fat, y en la cinta "Fear", acosando a la juvenil Reese Whiterspoon. Ya en los años dos mil lo suyo fue principalmente la televisión, en episodios de la serie "House of Cards", hasta su participación en la trilogía de "Fifty Shades of Grey", partes dos y tres. Fue un realizador muy correcto, cuyo balance de trabajos siempre fue de notable apreciación. Nos dejó en mayo del 2025.
En el año 1990, James Foley incursionó en la literatura del escritor Jim Thompson, un autor cuyas historias nos muestran el rostro de Norteamérica como escenario para la corrupción, el vicio y la pobreza, con personajes que sólo buscan sobrevivir a ello, librando todo tipo de batallas. Resulta mejor citar lo que dijo Stephen King sobre la obra de este autor: "Lo que convierte los libros de Thompson en literatura es su disección clínica de la mente alienada, de la psique trastornada hasta convertirse en una bomba de nitrógeno, de las personas que recuerdan a unas células enfermas y situadas en el intestino de la sociedad estadounidense". Nuff said.
La novela "After Dark, My Sweet" sirve de inspiración para una película sólida y muy destacable. James Foley siempre ha sido un realizador de ejecución clásica, aleccionadora, de mirada sobria y precisa. Del mismo modo, ha sido un buen director de actores, destacando lo mejor de sus intérpretes en las obras que llevó a cabo. De este modo, la obra cuenta con el protagonismo del actor Jason Patric, en uno de sus trabajos más memorables, muy bien acompañado por las insuperables actuaciones de Rachel Ward y Bruce Dern. Una historia que cuenta principalmente con tres personajes, unidos por la ambición, la decadencia y la desesperanza. Así de claro. Mención especial al actor George Dickerson como un médico interesado en el pasado del protagonista, y que resulta clave en el giro del relato.
Jason Patric es Collie, un boxeador que está huyendo de su pasado por motivos que no revela. Debido a ello, llega hasta un poblado en California donde conoce a Fay, una viuda muy atractiva la cual le presenta a Bud, un expolicía, con quien tiene un plan para hacer una fortuna: secuestrar al hijo menor de una familia adinerada y solicitar el rescate millonario. Collie es seducido por Fay, y acepta llevar a cabo el plan. Como es de suponer en este ambiente de corrupción, tanto la mentira, el engaño y la locura se harán presentes, dando paso a situaciones que conducen a un destino incierto, como el paisaje desolador que los rodea.
James Foley nos cuenta esta historia en forma muy eficaz, donde sus personajes se relacionan siempre expectantes ante el engaño y la traición, sin confiar uno del otro. A lo largo del relato se acude a breves flashbacks sobre el pasado del protagonista, para mostrar un completo cuadro de su mente torturada, y la manera en que busca sobrevivir y construir una nueva vida, sin aceptar que quizás ya es tarde para ello. Muy buena la actuación de Jason Patric, en su papel de perdedor total. Un actor cuya trayectoria tuvo un inicio como estrella de cine juvenil, y luego tomó la ruta del cine independiente, con alguna incursión fallida en el cine de acción, pero sin duda donde siempre resulta notable es en el drama y el suspenso, alejado de los grandes estudios. La actriz Rachel Ward luce tan seductora en modo natural, sin ningún alarde, y compone a un personaje de gran personalidad, y, probablemente, la más sincera en este ambiente de mentiras. El notable actor Bruce Dern hace una labor impecable como un expolicía corrupto y metido en problemas, un manipulador que ve en el exboxeador una buena oportunidad para su plan.
"After Dark, My Sweet" es, como dijo Rogert Ebert, una película que eludió al público. Dicho de otro modo, quedó bajo el radar, en medio de un ambiente donde el cine apenas apostaba por el cambio de los luminosos años ochenta hacia una nueva década, la cual disfrutó de grandes títulos dentro del cine de autor, y por ello, una obra con una historia íntima y nada optimista no alcanzó el reconocimiento merecido. De todos modos, es un film hoy mejor apreciado, que ya anticipaba el nuevo cine de la década del noventa.
Como en cualquier centro de trabajo, en Hollywood surgen matrimonios en abundancia. Actualmente, tenemos a una joven pareja de esposos protagonizando la película del momento, es decir, a mediados del 2026. Pero, antaño hubo algunas otras parejas de esposos que también decidieron participar de un mismo proyecto fílmico. Ahí está el caso de Tom Cruise y Nicole Kidman en la última película de Stanley Kubrick. O también, como fue el caso de Dennis Quaid y Meg Ryan, una de las parejas de Hollywood más recordadas en el siglo XX, valgan verdades, cuando coincidieron en una película con un drama intenso que se merece destacar.
Dennis Quaid es uno de los rostros más reconocidos del cine norteamericano, si bien es cierto, su mayor actividad se produjo durante los años ochenta hasta la primera década de este nuevo siglo. De ahí en adelante sus apariciones en el cine se han hecho más escasas, hasta que en el año 2024 recuperó presencia gracias al éxito internacional que fue la película "The Sustance", en la cual el actor tuvo un rol secundario bastante apreciado por su buen desempeño. Esto no es de extrañar porque Quaid es muy buen actor, sin duda, y con sobrada experiencia. Por su parte, la actriz Meg Ryan fue una de las musas más celebradas de las décadas ochenta y noventa, sobre todo como estrella de la comedia romántica, desde el éxito de "When Harry meet Sally" en el año 1989, si bien ya había llamado la atención en sus apariciones en "Top Gun" y en "Innerspace", donde justamente coincidió con Dennis Quaid, con quien se casó en el año 1991. El matrimonio duró hasta el año 2001.
Pues, para no liarme más en "casos del corazón" respecto de la relación personal-profesional de esta pareja de actores, paso a ver qué fue lo que ha llamado mi atención de esta pequeña película que hoy nos ocupa. Pequeña en cuanto a tamaño de producción, pero muy apreciable.
"Flesh and Bone" es una historia escrita por el guionista y director norteamericano Steve Kloves, quien es mayormente reconocido actualmente por sus guiones adaptados de la serie de novelas de "Harry Potter", con la única excepción del capítulo "La Orden del Fénix". Antes de estos trabajos, Kloves ya mantenía un estatus de respetado guionista por sus obras "The Fabulous Baker Boys", la cual escribe y dirige en 1989, y "Wonder Boys", un guion adaptado de la novela de Michael Chabon, para la película dirigida por el gran realizador Curtis Hanson. También fue uno de los tres guionistas de "The Amazing Spiderman" del año 2012, que dirigió Marc Webb. Tras ver este currículo, cabe destacar que Kloves sólo ha dirigido dos películas, y ambas a partir de historias originales. "Flesh and Bone" es una de ellas.
El relato es un drama íntimo que también cabe dentro de lo que se conoce como "Neo Noir". La historia parte de un hecho terrible acaecido en un pequeño pueblo de Texas, como es la muerte de toda una familia a manos de un hombre malvado. A raíz de ello, dos personas se vieron afectadas durante 25 años, al mantener ese trauma del pasado y al cambiar por completo su futuro de manera incierta. Los protagonistas son Arlis (Dennis Quaid), Kay (Meg Ryan), Ginnie (Gwyneth Paltrow) y Roy (James Caan).
La historia es la siguiente: Roy es un bandolero y criminal que vive cometiendo fechorías y huyendo, esto durante muchos años. Su hijo Arlis, ya adulto, vive en el pueblo, alejado de esa vida terrible que sufrió en su niñez, dedicado al comercio de máquinas de expendio en establecimientos comerciales. Un día de aquellos, llega al lugar Ginnie, una joven ladrona y estafadora, quien le roba su dinero a Kay, una bailarina que también acaba de llegar al poblado, si bien en su caso se trata del regreso al lugar donde nació, y del cual se alejó debido a una historia que está a punto de revelarse. Los cuatro personajes van a conocerse, o reconocerse, van a enfrentarse y tendrán que tomar decisiones para reparar o finalizar lo que ocurrió hace 25 años. Aún si ya es tarde para ello.
La película nos muestra una realización muy sólida en cuanto a desarrollo de la trama, presentación y descripción de los personajes, diálogos ingeniosos y profundos, así como una correcta puesta en escena natural, detallista, de espacios interiores reducidos, y de exteriores bien retratados, en un notable trabajo de dirección. El elenco de actores es sin duda otro gran acierto, con el protagonismo de Dennis Quaid en un personaje apático, serio, distante. Y en el contrapunto tenemos a la notable actriz Meg Ryan, más que un bello rostro, sin duda se trata de una de las mejores actrices del cine de Hollywood: natural, espontanea, encantadora y decidida cuando se requiere, así es su personaje, el cual resulta muy interesante gracias a su caracterización.
Destacar notablemente la participación de la actriz Gwyneth Paltrow, con apenas 20 años cuando se filmó la película. Su trabajo es correcto, como una desenfadada joven embustera y ladrona, quien lleva una relación con un hombre mayor el cual esta caracterizado por James Caan. De este actor poca duda puede haber de que su trabajo es notable, interpretando al despreciable y malvado Roy, la maldad encarnada en esta historia.
El film nos muestra las vidas sin rumbo de dos personajes, atrapados en un pequeño poblado no en forma física sino por la maldad de un hombre, quien les dejó una herida muy grande en el interior, la cual los convierte a ambos en sobrevivientes sin rumbo, que viven el día a día, sin ningún objetivo, y que encuentran en una reunión inesperada la oportunidad de enfrentar el temor y corregir errores. Cuando el mal se hace presente y los vuelve a convocar, mientras este repite el circulo de sus terribles actos.
Una película con una narración muy íntima, con un reducido grupo de actores y muy bien realizada. Que nos cuenta una historia violenta de manera muy sobria, con lo mínimo en cuanto a estallidos, mostrando mayor interés en el perfil de sus protagonistas, todos ellos a cargo de notables actores y actrices que pertenecen a la lista de figuras más destacables que ha dado el cine norteamericano de finales del siglo veinte. Con un realizador que merece sin duda más trabajos detrás de cámaras, a ver si se anima con alguna historia que esté cocinando en el papel.
¿Cuáles son los seis grados de separación entre el director Sam Raimi y el director británico estadounidense Christopher Nolan? Pues, a ver:
Sam Raimi trabajó con los actores Bill Paxton y Billy Bob Thorton en su película del año 1998, "A simple plan", como ya vimos en el post anterior.
Bill Paxton y Billy Bob Thorton trabajaron juntos durante los años 1990 y 1991 en la película del gran director norteamericano Carl Franklin titulada "One False Move"
"One False Move" es una de las películas favoritas del director Christopher Nolan
En realidad, fueron muchos menos grados. O algo así.
"One False Move" es una pequeña gran película, que parte de un guion escrito por el actor Billy Bob Thorton y su colega Tom Epperson. Una historia de intriga policial dura y sin concesiones, cuyo proyecto fílmico fue financiado por I.R.S. Media, división del sello discográfico I.R.S., que en los ochenta produjo álbumes para músicos como Belinda Carlisle, R.E.M., Timbuk 3, The Bangles, Iggy Pop, Fine Young Cannibals y otros. En cuanto a su producción fílmica, su catálogo presenta una serie de películas de bajo presupuesto pero que mantienen mucho interés, siendo mayormente dramas, historias de suspenso, con sólido reparto de actores, muchos de los cuales brillaron en los ochenta, pero en los noventa encontraron lugar en estas producciones de menor presupuesto; del mismo modo, hubo actores que empezaban una carrera prometedora, y encontraban en estas producciones un buen punto de partida. Sin duda, un listado del cual me atrae revisar varios títulos. Como ocurrió con gran parte de su filmografía, la película en cuestión se iba a destinar al mercado del video doméstico. Pero la realización a cargo del director Carl Franklin fue tan elogiada en su paso por festivales, y por críticos especializados, como Roger Ebert, que ello motivó su estreno en salas, casi dos años después de su filmación.
De todos modos, se trata de una obra poco revalorada que merece toda atención.
En este caso tenemos una historia con un protagonismo coral, pues desarrolla una serie de acontecimientos en las vidas de un grupo de personajes, ubicados a ambos lados de la ley. Así, tenemos a dos desalmados delincuentes, Ray y Pluto, acompañados por Fantasía, la novia de uno de ellos, los cuales realizan un recorrido por las carreteras de Norteamérica, huyendo de las autoridades tras una matanza sin igual que han cometido para realizar el robo de dinero y mercancía a otro malhechor. Las autoridades son alertadas, y esto convoca a Dude Cole y John McFeely, dos oficiales de larga trayectoria, quienes se trasladan a Star City, ciudad en la mira de los fugitivos, Allí conocen a Dale "Huracán" Dixon, el jefe de policía local, quien se suma a la persecución, la cual va a desatar una serie de situaciones reveladoras, hasta su violento enfrentamiento final.
La película trata con duro realismo la violencia desatada por la maldad humana, la frialdad con la cual los villanos de turno ejecutan sus acciones, motivados por la más fría ambición. Esto sin dejar de ser el retrato de tres personajes sin rumbo, atrapados por sus bajos instintos, a pesar de la frialdad con la que cometen sus terribles crímenes. Por su parte, la justicia a cargo de su detención queda en manos de tres policías, dos de la gran ciudad y el tercero, el oficial de pueblo, donde todos ellos son oficiales curtidos en la experiencia profesional de defender la ley. A pesar de ello, con sus propios males, como el racismo que vive en el ambiente, el prejuicio y la discriminación. Estos caminos se cruzarán, mientras se desata la violencia y se revelan secretos muy íntimos en la vida de estos personajes.
Una historia dura, implacable, muy reveladora de la condición humana en cada uno de sus personajes, lo que requiere un elenco de actores solventes. Así pues, tenemos el protagonismo de Bill Paxton, excelente y notable actor, y sin duda uno de los rostros favoritos de nuestra cinefilia más clásica. Paxton se luce con una actuación de agente del orden en un pequeño pueblo, alguien sencillo, desenvuelto, honesto y al mismo tiempo muy listo. Siempre dispuesto a cumplir con su deber.
Los actores Jim Metzler y Earl Billing interpretan a los detectives de la ciudad. Metzler es otro buen actor, muy prolífico en el cine de bajo presupuesto y la televisión, de presencia reconocible. Mientras que Billing ha ocupado su carrera principalmente en la televisión norteamericana.
Los adversarios son interpretados por un elenco excepcional de actores. Billy Bob Thorton es sin duda uno de los rostros más destacados dentro del cine de los años noventa. Alcanzó el estrellato a principios del milenio en la cinta multipremiada de los hermanos Coen "El Hombre que nunca estuvo". Sin embargo, esto duró poco, hasta verlo cada vez menos, lo cual no impide verlo en producciones actuales luego del prestigio ganado, no sólo como actor sino también como guionista. En esta película Thorton realiza su primer rol protagónico destacado, de manera muy convincente. Junto a él se encuentra el excelente actor Michael Beach, en un rol de gran presencia, muy cerebral, frío y calculador, y al mismo tiempo, de feroz actitud. Notable trabajo realizado por este interprete, de larga trayectoria sobre todo en la televisión norteamericana donde se mantiene activo y vigente.
Un párrafo aparte para la actriz Cynda Williams. quien realiza un trabajo muy destacable, y sorprende que posteriormente no haya logrado una filmografía extensa y sólida, pues su talento para la actuación aquí queda bien demostrado. Su presencia en escena es total, así como su excelente interpretación.
El director Carl Franklin hace un notable trabajo, con una narración muy fluida, una puesta en escena muy dinámica, desde interiores reducidos bajo una eficaz iluminación, un trabajo en exteriores muy destacable, con esos paisajes de la Norteamérica profunda, alejada de las grandes urbes, y una dirección de actores muy acertada. La labor del director luce muy inspirada, y es así como este film y sus siguientes trabajos, el clásico "El Demonio vestido de azul" ("Devil in a blue dress") y el drama "Cosas que importan" ("One true thing"), donde dirigió a la gran actriz Meryl Streep, llegaron a ser los puntos más memorables de su carrera cinematográfica, la cual con los años se ha hecho cada vez más reducida, En el nuevo milenio, Franklin se ha dedicado por completo a la televisión, regresando al medio donde empezó su carrera.
"One False Move" es un clásico del llamado cine neo noir, que brilló notablemente en la década del noventa de manera muy especial, con relatos bastante atractivos e inquietantes, en la manera en que muestran al ser humano tal cual, con toda aspereza, en la cara de todo espectador.
Tres doritos después del estreno de su película "The Quick and the Dead" en el año 1995, el director de cine Sam Raimi sorprendió al público con una obra distinta a todo lo que había realizado hasta entonces. Por aquellos años ya era conocida la relación del director con los hermanos Coen, Ethan y Joel, hoy en día celebrados cineastas quienes colaboraron en sus primeros años como parte del equipo de dos de las obras más memorables de Raimi, como son "Evil Dead" del año 1981 y "Darkman" del año 1990.
Ya en plena década de los noventa el cine de los Coen había alcanzado el reconocimiento de público y crítica, con títulos muy valorados como "Raising Arizona", "Barton Fink" o "Miller´s Crossing". Además, Sam Raimi había colaborado con ellos, tanto delante como detrás de las cámaras; como breve aparición en "Miller´s Crossing", o en la segunda unidad de "The Hudsucker Proxy". Por ello, una vez que llegó a las pantallas de cine en el año 1998 el drama criminal "A Simple Plan", y se descubre que está dirigido por Sam Raimi, la comparación con la gran obra de los hermanos Coen, la multipremiada "Fargo" del año 1996, se hizo inevitable. Pero no, amigos. "A Simple Plan" es una obra singular, un drama intimo sobre un pequeño grupo de personas en un pueblo remoto de la América Profunda, cuyas vidas cambian por un hecho inesperado. Por su parte, la película de los Coen es el relato de una investigación realizada por una oficial de policía más hábil que su entorno. Es decir, son muy distintas en tono y en trama, más allá del escenario de un pequeño poblado norteamericano, en pleno invierno nevado y de convertirse en radiografías de un grupo de personas y sus reacciones, cuando son consumidos por sus instintos más primarios.
El escritor Scott B. Smith, autor de la novela de horror "Las Ruinas", que fue adaptada para el cine en el año 2008, también es el autor de "Un Plan Sencillo", la novela que inspira esta película. Además, realizó el guion que adapta el relato. De hecho, se afirma que desde un inicio el autor lo concibió para su posterior adaptación cinematográfica, allá en el año 1993, lo cual le tomó cinco años cuando el proyecto finalmente cayó en las manos de Sam Raimi, luego de varios intentos previos con distintos equipos de realizadores.
La sinopsis podría detallarse como sigue: un día cualquiera, en un pequeño pueblo, Hank, su hermano Jacob y Lou, amigo de este último, van de cacería al bosque cercano. Pero, en medio del profundo paisaje descubren un avión estrellado. Al interior del aparato encuentran un cadáver y una bolsa llena de dinero. Tras la sorpresa inicial, surge la propuesta inesperada de Lou, de guardar el dinero y repartirlo entre ellos, pues nadie va a reclamarlo. La tentación derrota cualquier sano juicio, así que Hank, contador de profesión, decide resguardar el dinero hasta encontrar un momento oportuno para el reparto. Esa decisión es el pistoletazo para dar inicio a una serie de infortunios, desgracias y muertes que asolan el apacible poblado, donde los cuervos sobre los viejos arboles parecen anunciar la llegada del mal sobre sus habitantes.
Para esta película, Raimi cuenta con un pequeño elenco de actores, los cuales llevan a cabo un trabajo formidable. Encabezando el reparto tenemos al gran actor Bill Paxton, quien ya nos dejó en el año 2017, aportando una carrera cinematográfica excepcional, sin duda. Siempre cumplió a cabalidad sus distintos roles, demostrando una amplia gama de registros dramáticos, desde la comedia juvenil, la acción, el terror, y en este caso el drama más profundo, al encarnar a Hank, un ciudadano modelo seducido por la tentación del mal. Su actuación muestra a un personaje de maneras correctas y de expresión contenida, el cual empieza a revelar una fascinación por la codicia y la planificación para proteger su hallazgo, así como demostrar una habilidad para librarse de situaciones cada vez más complicadas. Un sólido trabajo que nos deja una actuación inolvidable que merece verse más de una vez.
El elenco incluye a dos magníficos actores de reparto. Jacob, el hermano menor del protagonista, es interpretado por el actor Billy Bob Thornton, quien venía de ganar el premio Oscar por su guion adaptado por la película "Sling Blade", además de una nominación al mismo premio en la categoría de actor principal, que no ganó por el triunfo de Geoffrey Rush. En "Un Plan Sencillo" Thornton realiza un trabajo magistral como un sencillo hombre desempleado, que no posee una mente brillante, quien, tras un inicial entusiasmo, empieza a cuestionar sus acciones y su propia vida al sentirse arrastrado por los acontecimientos, por la fidelidad a su hermano lo cual se convierte en su mayor debilidad. Por su parte, la esposa de Hank es encarnada por la notable actriz Bridget Fonda. Su papel se vuelve esencial cual personaje en las sombras, que activa cada uno de los acontecimientos que se desarrollan, con catastróficas consecuencias. También podemos destacar al actor Brent Briscoe, quien hace un muy correcto trabajo encarnando a Lou, un personaje de vulgares maneras, odioso, y tan ingenuo como su amigo Jacob. Este actor también nos dejó en el año 2017.
Raimi se apoya en las actuaciones de su elenco, y los expone en detalle. El director demuestra su habilidad para presentar a sus personajes de manera concreta, con algunos diálogos y escenas que no requieren demasiado texto ni mayor explicación, con la mayor naturalidad posible. Porque la película es un drama y sin embargo es muy dinámica. Cada situación funciona y desarrolla a los personajes a manera de un estudio psicológico: los enfrenta a los acontecimientos, muestra sus reacciones, su actitud ante el hecho inesperado que termina describiéndolos de una sola pieza. Así como la manera en que esto les afecta personalmente y en sus relaciones, detallando el accionar de todos ellos, y lo que va a liberar cada estallido de violencia.
Danny Elfman se encuentra en la partitura musical y realiza un trabajo singular, nada parecido a su reconocible registro habitual, lo cual es muy acertado en esta atmosfera enrarecida y fatalista.
La película logró dos nominaciones a los premios Oscar, una para el guion adaptado de Scott B. Smith y otra para la gran actuación de Billy Bob Thorton. Por fin una película de Sam Raimi alcanzaba estas menciones.
"Un Plan Sencillo" es una de las grandes películas de la década del noventa, probablemente una de las décadas más interesantes y novedosas que se hayan visto en el cine norteamericano, junto a los años setenta. La actividad de muchos realizadores se hizo muy prolífica, lo cual enriqueció el panorama del cine a nivel mundial, con títulos bastante destacados y vigentes hasta hoy en día. Y esta pequeña película de Sam Raimi es una de ellas.
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