Historias Extraordinarias (1968)

(Recupero este post publicado originalmente en fecha 03/02/2007, actualizado con el trailer de la película, y un recuerdo para la figura del gran actor Terence Stamp. y a todos los participantes de esta gran película)

Una joya que debe ser revisada, se trata de la adaptación fílmica de tres historias creadas por el escritor Edgar Allan Poe, que hasta entonces había merecido varias películas de la productora Hammer, pero en este caso, se trata de una realización franco-italiana que reunió a tres directores de gran renombre, quienes no sólo se limitaron a narrar con eficacia los oscuros cuentos del señor Poe, sino que llegan a hacerlo con bastante libertad, obteniendo distintos resultados en cuanto a calidad. Las tres historias son las siguientes:

- "Metzengerstein", dirigida por Roger Vadim, con las actuaciones principales de Jane Fonda y Peter Fonda, la adaptación difiere del relato original al otorgar el protagonismo a un personaje femenino, la condesa Federica, quien se enamora de su primo el conde Wilhem, papeles a cargo de los hermanos Fonda; ella, al no aceptar su rechazo, incendia sus tierras. El barón muere en medio del fuego, pero luego reencarna en un caballo, el cual lleva a la condesa a un juramento de amor eterno. El trabajo de Vadim se beneficia de la presencia en pleno esplendor de su entonces esposa a quien aligera de ropas varias veces, incluyendo el segmento final, sin embargo, su estilo visual onirico no contribuye demasiado, ni sorprende.

- "William Wilson", dirigido por Louis Malle, es la adaptación del relato del mismo nombre, uno de los más recordados cuentos de Poe, en este corto, el director francés logra un trabajo estupendo, al narrar una historia extraña, retorcida, intensa y sorprendente. En ella, el joven William Wilson, papel a cargo del astro Alain Delon, busca huir de un misterioso personaje que se ha convertido en su sombra desde que era niño: nada menos que su doble, de nombre y de cuerpo, quien en más de una ocasión ha intervenido en su vida y le llevado a convertirse en un errante que busca los más extraños placeres y viles perversiones, como castigar físicamente a una seductora Brigitte Bardot, pero que siempre es detenido por aquel misterioso ser. La angustia y la desesperación se apoderan de él y busca librarse de la fatalidad, cosa difícil. Como dije, este segmento es una realización estupenda, limitada sólo por los medios técnicos de entonces, pero narrada plano a plano con absoluta brillantez. Cabe decir además que Alain Delon esta formidable en su doble papel.

- "Toby Dammit", dirigido por Federico Fellini, adaptación del relato "No apuestes tu cabeza con el diablo". En esta adaptación, Fellini nos lleva al mundo de Toby Dammit (gran desempeño del actor inglés Terence Stamp), un director de cine traumatizado, sumido en miedos, pues hasta teme a las luces de las cámaras fotográficas, y que asiste a las conferencias de prensa y presentaciones de su último trabajo, un western de connotaciones religiosas, según se comenta, con total indiferencia, pero ello debido a que ha tenido misteriosos sueños con una niña rubia que juega con una pelota, pero que le lanza una mirada maligna que lo perturba terriblemente. En medio del asedio de personas que parecen formar parte de un manicomio, Toby permanece en medio de ellos hasta que la pesadilla vuelve a su mente, aterrándolo, pues parece haber descubierto su significado. Con respecto a este corto, diría que es el más interesante de los tres, con perdón del que realiza Malle, pero es que Fellini muestra aquí toda su imaginería visual, su toque surrealista tan inquietante que es capaz de impresionar y hasta dar miedo con la aparición de ese demonio en forma de niña. Y no solo eso, pues el personaje de Tobby Dammit resulta ser la mejor descripción del propio Edgar Allan Poe, tras la muerte de su esposa Virginia: un creador sumido en miedos, angustias, y también en el alcohol y las drogas. Un impresionante trabajo del actor Terence Stamp.

Asi, el conjunto de las tres historias si bien obtiene distintos resultados, conforman una obra realmente excepcional.

Saint (2010)

Titulo original: Sint (Paises Bajos)

Papa Noel es Santa Claus. Santa Claus es San Nicolás. San Nicólas es un monstruo. Ninguno es lo que nos dijeron siendo niños. Sin embargo, este supuesto santo varón es el autor de una serie de crímenes cometidos a pequeños niños en un remoto poblado. Acorralado en la costa y sin posibilidad de escape, los padres de estos menores deciden aplicar la justicia por su propia mano. Lo que ellos no saben es que estàn a punto de desatar una ira infernal que los perseguirá durante siglos.

En los Paises Bajos, lugar abiertamente liberal y uno de los menos católicos en la Europa Occidental, se produjo durante el año 2010 cierta controversia alrededor de un pequeño film de horror, de bajo costo, sencillo y ahora resulta que tambien provocador.


"Sint" constituye el regreso a la pantalla del realizador holandés Dick Maas, recordado cineasta y autor de un par de titulos de culto del cine ochentero de horror, si se tiene en cuenta que su fama cruzó el océano hasta Norte y Sur América en aquellos días, sin internet de por medio. Estos fueron los clásicos "El ascensor", entretenida cinta donde un simple ascensor cobra vida para aniquilar a todos sus usuarios. Y asimismo, la efectiva "Amsterdamned, el misterio de los canales", un thriller policial con un "serial killer" que parece sacado de un slasher norteamericano. Siendo poco prolífico, fue en los años 90´s cuando pudimos apreciar otro film suyo titulado "Testigo oculto". Un thriller entretenido, algo dinámico, pero intrascendente por carecer de sorpresas en un guión muy mejorable y por el desaprovechamiento de sus actores convocados, siendo éstos el oscarizado William Hurt, la actriz Jeniffer Tilly, el siempre eficiente Dennis Leary, y junto a ellos Corey Johnson y Michael Chiklis como un par de malosos de caricatura.

No supimos más de este director holandés hasta el año 2001 en el cual circuló en moribundos videoclubs el remake de su clásica obra sobre el ascensor asesino, dirigido por él mismo, pero esta vez protagonizado por la actriz emergente Naomi Watts, ampliamente reconocida ese mismo año por su actuación en la cinta de David Lynch "Mulholland Drive". Tampoco hallamos mayores sorpresas en este film por cuanto Maas se limita a poner al dia estéticamente su viejo cuento. Luego de ello se perdió de vista por completo.

Fue en las noticias del festival de Sitges 2011 donde tuvimos conocimiento de esta nueva incursión de Dick Maas en el género que le dio renombre. De vuelta a las labores, el director pone manos a la obra y como es habitual en él su labor no se limita sólo a la dirección, pues abarca tanto la producción como los guiones e incluso la música incidental. Asimismo, se reúne con su cómplice habitual, es decir, su actor fetiche el señor Hub Stapell, protagonista de sus clásicos ochenteros, pero aquí convertido en el monstruo de San Nicolás. El resto del elenco incluye al actor Bert Luppes y a los juveniles Egbert Jan Weeber y Caro Lenssen, entre otros.


"Sint" es una visión perversa de lo que supuestamente es un ícono de la cultura popular como es la figura de Santa Claus, y hacia ella apunta en forma afilada, literalmente. Asimismo, el trasfondo religioso que ello implica, es decir la imágen de San Nicolás con el rostro convertido en un zombie, ataviado en túnica y portando una mitra clerical, despertó el reclamo de los sectores más conservadores de los ciudadanos holandeses que vieron en ello un peligro para las mentes de los menores de edad. Sin embargo fueron otros quienes comprendieron que el arte se justifica por si mismo, y por ello esta ilustración fue premiada en el año 2011 con el TV Krant Filmposter Award como el mejor póster hecho para un film.

La pelicula empieza brillantemente con un prólogo que desenmascara la maligna naturaleza de San Nicolás, un asesino lider de una banda de forajidos que finalmente es ajusticiado de manera cruel al interior de su barco, dando origen a una maldición que se desata cada 36 años, en noche de luna llena. Pese a esta seria connotación terrorífica, la cinta discurre en su primera media sobre situaciones cercanas al cine de terror adolescente, y son la parte menos interesante de toda ella. No obstante, el asunto mejora cuando la acción arranca a todo galope: lo mejor de "Sint" se encuentra en la acción nocturna desplegada en las calles de Amsterdam, lugar favorito del director, donde las persecuciones y los enfrentamientos se suceden en buena forma, aunque, lo sabemos, sin alcanzar la espectacularidad vista en "Amsterdamned", donde las aguas del canal central eran el escenario para la carrera sin tregua de pequeñas lanchas, la cual se extendía hasta sus estrechas calles; de todas maneras, se nota la hábil mano del director para desarrollar las situaciones de acción requeridas, aún empleando pocos recursos.

Además, cuando el monstruo asesino hace su aparición en primer plano, la pelicula toma el camino del splastick, con algunos desmembramientos, decapitaciones y otros recursos visuales del cine gore, pero menos artesanal y más digital, siendo dotados con ciertas dosis de humor. Después de todo, Dick Maas nunca ha sido muy devoto del terror más crudo. A pesar de ello, San Nicolás se convierte en una curiosa mezcla de zombie y espectro, rodeado de engendros nocturnos que recuerdan a los seres malditos de "The Fog" de John Carpenter, sobretodo en una secuencia neblinosa en los muelles.

En definitiva, "Sint" alcanza un nivel aceptable de entretenimiento, aún sin atreverse en la búsqueda de mayores pretensiones en cuanto a horror y a materia terrorífica, y de todos modos resulta un curioso cuento que deja muy mal parado a uno de las imágenes emblemáticas del marketing navideño, y por qué no, a la figura de un santo patrón de antigua tradición. Asi que, por favor, abstenerse conservadores.

La Dama de Negro (2012)

El niño mago ha crecido. Hemos sido testigos de ello debido a la espectación creada alrededor suyo durante su protagonismo en una saga de peliculas conformada por ocho largometrajes que alcanzaron el status de multimillonarias, durante poco más de una década. Daniel Radcliffe es el jóven actor británico que logra demostrar en su más reciente film "La Dama de Negro" que tras el último fotograma de su célebre personaje encarnado, el buen héroe literario Harry Potter, tiene mucho por hacer dentro del cine actual pues cualidades interpretativas no le faltan. De esta manera, el siguiente paso dado como sujeto principal de esta historia de secretos, silencios, venganzas y, sobretodo, misterio sobrenatural, resulta convincente y decididamente acertado.

Radcliffe se encarga de dar vida a Arthur Kipps, un abogado cuya vida privada esta marcada por una profunda tristeza debido a la pérdida de su jóven y amada esposa; a raiz de ello, el pequeño hijo de ambos se ha convertido en lo más importante de su vida. Sin deseos de alejarse de su hogar, Arthur se ve obligado a realizar un viaje de trabajo ineludible hacia una remota villa, como parte del reclamo de una vieja propiedad conocida como la casa Eel Marsh. Sin embargo, la fria acogida recibida a su llegada, la desesperación que se apodera de los pobladores y el rechazo a lo que ellos consideran es su inoportuna presencia, despiertan en el hombre de leyes la curiosidad por los hechos que le rodean. No obstante, aquella vieja mansión es un lugar de incómodo hospedaje debido a la inquetante atmósfera que se apodera de cada cuarto y de cada corredor en su interior; allí se esconde un misterio, y Kipps descubrirá el terrible secreto del pasado que yace oculto, mientras unas sombras misteriosas lo acechan constantemente, y, sobretodo, la imágen de una mujer vestida de negro, una figura que constituye una silenciosa amenaza.

La interpretación realizada por el jóven actor resulta convincente, logrando proyectar la imágen de un hombre dolido; alguien que oculta su pesar en medio de una aparente frialdad y que es asaltado por el constante recuerdo de su amada fallecida. Del mismo modo, apreciamos positivamente la manera en que este personaje demuestra inquietud y una creciente tensión ante la presencia invisible de una maldad tan siniestra como silenciosa, la cual recorre el interior de una imperdible casa embrujada. Estos pequeños y fugaces movimientos son reflejados en pantalla en forma acertada, equiparable a las sombras que a veces uno parece captar por el rabillo del ojo. A esto se suma la complicidad de cada rincón y de cada pequeño objeto que se halla en estas habitaciones, gracias a la hábil dirección del realizador James Watkins, quien logra sacar provecho de los sencillos recursos a su alcance. Más adelante, esas manifestaciones resultarán más abiertas y hostiles, profundizando el miedo en el desafortunado huésped de la vieja mansión.

"La Dama de Negro" es una nueva adaptación de una novela del mismo titulo, escrita por la inglesa Susan Hill; anteriormente a fines de los años 80´s se produjo un telefilme que adaptaba esta historia, y al dia de hoy es considerada una de las buenas peliculas de género de aquella década. A la fecha no he podido apreciar dicha pelicula, a pesar de haberme topado con ella hace como dos o tres años en su formato DVD, pero pasé de largo porque no llevaba subtitulos en español; habiendo vuelto este año para notar su completa ausencia en stock, demás esta decir que a la fecha me arrepiento de no haberlo adquirido. Si en este momento me convirtiese en fantasma seguramente rondaría por los alrededores de aquella tienda.

Volviendo a esta nueva versión, de acuerdo a lo que hemos podido apreciar se trata de una historia en la línea de los relatos referidos a casas embrujadas, escritos por Henry James ("Otra vuelta de tuerca") o Shirley Jackson ("La guarida"). Y como no podía ser de otra manera, las correspondientes adaptaciones cinematográficas de estos titulos constituyen notables precedentes a este nuevo film, el cual conserva ese carácter de clásico titulo de misterio y suspenso. En este aspecto, la remozada productora Hammer Films ha sabido revivir la calidad caracteristica de ese viejo cine de los años 50´s, 60´s, y parte de los 70´s donde la atmósfera y el misterio constituyen lo más importante del relato, por encima de las modernas formas de truculencia y delirio visual explícito. Esta pequeña joya, dirigida por el británico James Watkins, hace honor a su vinculación y a sus precedentes, desde aquellos titulos ya citados, como a otras expresiones de este buen cine como son "La leyenda de la casa infernal" o la admirada "Operazione Paura", o por último, aquella otra buena heredera de éstas virtudes como es la recordada pelicula de Alejandro Amenabar "Los Otros".

Watkins se consagra como un realizador muy conocedor de su oficio, haciendo un correcto trabajo en la dirección de actores, asi como en el desarrollo de la trama, en la recreación de época de la Inglaterra de principios del siglo XX, y sobretodo en el magnifico trabajo de ambientación de aquella mansión enigmática y sus alrededores. El lugar ideal para crear tensión que va de menos a más. Con una carrera que incluye esa gran pelicula del cine de horror más intenso que es "Silencio en el lago", y el guión de la correcta secuela de otra buena obra del cine británico, es decir, "El descenso 2", Watkins retoma el cine gótico con diseño de época, ambientes sombríos, atmosfera incierta, y asimismo, personajes que esconden sus temores detrás de las miradas cómplices que imponen el silencio, y sobretodo en el pesar surgido del recuerdo del ser amado que se ha perdido.

Aquí se impone la figura del espectro, vestido como una dama de distinguido traje negro, que tambien es un alma atormentada por la pérdida de los seres queridos, al punto de desatar un odio sobrenatural en la forma de una maldición sobre todo aquel poblado.

El film no escatima en algunos sustos en base a golpes de sonido y sobresaltos, asuntos característicos del cine actual, pero sin caer en la reiteración. Vale más lo sugerido y aquello que no se logra ver plenamente, como las figuras en el vidrio, la inquietud reinante en los pasillos, o la silueta que se dibuja al pie de una cruz, en la noche de intensa lluvia.

El único y posible traspiés de esta pelicula podría hallarse en aquel final sacado de la manga; una situación inesperada que desconcierta respecto de las intenciones de aquella "Dama de Negro". Aunque, visto de otro modo, se puede tomar esto como un revés sufrido en el cumplimiento de su venganza. De este modo, se define el destino a seguir por los personajes: un destino buscado ansiosamente por Arthur Kipps desde un inicio. (edito: el amigo Pliskeen me ha dado una explicación más coherente al respecto en su comentario; me quedo con eso)

La Niebla (2007)

Titulo original: The Mist (USA)

Tan sólo unos destellos en medio de la noche son la primera señal de que algo anda mal en el universo. Repentinamente, se desata una misteriosa tormenta que arranca el tronco de un viejo árbol y atraviesa la ventana del estudio de David Drayton, un jóven artista quien vive junto a su esposa y su pequeño hijo. De manera similar, las casas vecinas se ven afectadas por esta violenta y misteriosa manifestación atmosférica. A la mañana siguiente, David y su hijo Billy, en compañia de su vecino el señor Norton, viajan hasta la ciudad y llegan al supermercado en busca de provisiones y materiales para reparar los destrozos ocurridos, sin saber que estan a punto de enfrentar la experiencia más terrorifica de sus vidas. El ambiente es tenso; un grupo de vehículos militares se moviliza velozmente cumpliendo una misteriosa agenda. Y en eso, ocurre lo increíble. Un denso manto de niebla en forma de una ola gigantesca, y a la vez envolvente, se aproxima desde las montañas hacia el pueblo, y obliga al encierro de todas las personas dentro del supermercado. Allí son testigos de la manifestación sobrenatural que ha corrompido el mundo: tras la niebla, extrañas y monstruosas criaturas se ocultan en espera de ellos. Es la muerte, como exclama la señora Carmody, y ella junto a todos los cautivos se preparan para enfrentar lo que a sus ojos es el Juicio Final.

Dentro de la amplia bibliografía de novelas y relatos cortos realizados por el afamado escritor Stephen King se pueden encontrar muchas obras de gran trascendencia dentro del género del terror. Una de ellas corresponde a la breve novela titulada "La Niebla", la cual rápidamente se convirtió en una de sus más recordadas creaciones surgidas durante la década del 80. La notable inspiración para el videojuego "Silent hill" estuvo en la mente del director y guionista Frank Darabont desde que empezara su carrera en el mundo del cine; finalmente, tras alcanzar su respetada trayectoria, que incluye nominaciones al Oscar y diversas premiaciones, asume el reto de escribir y dirigir su adaptación cinematográfica cuyos resultados hemos podido apreciar en forma accidentada. En las salas de cine de nuestra capital se ha estrenado una versión groseramente recortada en varios momentos en su primera mitad, y se hace notorio. Una pena. Esta no es la primera vez que ocurre algo asi. Se han reportado varios casos de películas de otros géneros que han sido mutiladas, lo que ha generado la molestia de público y crítica, pero esto sigue ocurriendo. Por un lado, es bueno que la película esté logrando salas llenas en su exhibición, al menos lo he comprobado en dos salas de dos cines distintos, con entradas agotadas y todo, y a mí me alegra cuando al cine de terror le va muy bien, pero lo lamentable es que el público este apreciando mal una película mucho más sólida que su versión exhibida.

El director presenta una historia donde la mitología creada por Stephen King está presente desde su inicio: entre otras cosas, lo primero que apreciamos es el maravilloso cuadro del Pistolero Rolando de "La Torre Oscura", un aporte del artista Drew Struzan, cumpliendo el sueño de todo admirador de King que espera una alusión cinéfila de ésta, su más esmerada obra. Darabont admira sin reparos al escritor, y su inspiración ha estado presente en la mayor parte de su trayectoria filmica con titulos como "Dollar babies", "Shawnshank redemption", "The green mile" y ahora ésta nueva pelicula, basada en uno de los relatos lovecraftianos realizados por el escritor nacido en Porland, estado de Maine, en el año de 1947.

En líneas generales, el film "La Niebla" es una adaptación correcta de su texto literario original, que respeta tanto hechos como diálogos, donde la extraña circunstancia de un fin del mundo cubierto por una densa niebla desde la cual surgen monstruosas entidades, y visto ello por un grupo de sobrevivientes ocultos detrás del precario muro de cristal de un supermercado, nos remite al miedo más primitivo del ser humano, como es el enfrentar a un nuevo entorno que nos resulta completamente desconocido y amenazador. El terror que invade aquella atmósfera da lugar a un microcosmos dentro de aquel recinto, el cual recrea el miedo de los albores de la civilización y la forma en que, a raíz de ello, el hombre se entrega a una fe en busca de la gracia divina que lo proteja de su furia destructiva. Las personas se debilitan fisica y mentalmente, y muchos de ellos abandonan sus creencias y convicciones, y se aferran a cualquier señal de esperanza que se les ofrezca, por más demencial que pueda resultar. La mayor parte del relato se concentra en el interior de estas cuatro paredes. Una puesta en escena eficaz que emplea este espacio y sus corredores, en planos abiertos que nos muestran el caos que se desata en los momentos más conflictivos, o haciendo uso de la cámara en mano para acercarnos los más posible a estos personajes y retratar sus temores y ansiedades, teniendo a los demonios terrorificos ocultos tras la espesa niebla como el telón de fondo que hace relucir los distintos caracteres, los rencores, los intereses, los deseos y los traumas escondidos de cada una de aquellas personas cautivas del mal.

Darabont obtiene una de las mejores adaptaciones realizadas sobre una obra de King, siendo fiel a ella en su esencia, y otorgando valiosos detalles surgidos de su propia visión, lo que le permite añadir con total acierto un par de momentos de horror total. Y no es que se trate de un despliegue de escenas viscerales o monstruosas, que por supuesto tambien las hay: lo que apreciamos es el horror que surge de la propia naturaleza humana, que ante el temor a lo desconocido, o al sufrimiento por el castigo divino, es capaz de recrear un "nuevo pacto" al modo de antiguas escrituras, y exigir la expiación de vidas inocentes: un sacrificio se hace necesario para escapar de un destino peor aún que la muerte. Nadie tiene la culpa: una expresión inaceptable, más aún si de ello depende la vida de los demás. Como el cordero enviado al sacrificio, en su comprensión más religiosa, la victima propiciatoria es ofrecida a las entidades infernales para la salvación de los demás.

Del mismo modo, mientras el relato original de King nos entrega uno de los mejores ejemplos de un final que apela a la imaginación del lector, Darabont comprende que la diferencia de lenguajes que debe enfrentar, le permite encontrar una vía más coherente con la obra cinematográfica. El final de "La Niebla" en su versión fílmica es sin duda uno de los más memorables que haya entregado el cine de horror de ésta última década, que nos recuerda la mejor labor de viejos cineastas como John Carpenter, en su visión desencantada del mundo: en el recorrido de los sobrevivientes por lo que queda de una realidad convertida en la peor pesadilla, hasta aquel golpe final, que no hace sino revelar la fragilidad de la condición humana una vez que es puesta al límite, y asimismo, la crueldad que puede alcanzar eso que llamamos ironía y que aquí se confunde con todo lo que nos resulta desconocido.

En términos del espectáculo cinematográfico la película es un triunfo; una obra con momentos hechos al más puro estilo del horror clásico, donde las técnicas digitales están ahí para mostrar lo necesario, y cuando esto ocurre se realiza en forma maravillosa: esos bichos hipertrofiados y esos monstruos alados que irrumpen al interior del local nos recuerdan por qué amamos el género fantástico dentro del cine, por esa capacidad que tiene de aún poder impresionarnos, contrastando aún más la realidad a partir de la desbordante imaginación de un mundo oculto a nuestros ojos.

Gran mérito encontramos en el reparto de actores, mayormente rostros desconocidos para el gran público, pero que demuestran una labor dramática magnifica, donde Thomas Jane entrega su mejor actuación hasta la fecha, tras el revés sufrido en otra película basada en la obra de King, como fue "Dreamcatcher" (aunque el fallo de esa cinta no haya sido su culpa). Secundando el reparto están los notables Toby Jones, uno de los últimos actores que ha puesto rostro a Truman Capote; el gran William Sadler, un actor que siempre ha resultado convincente en sus múltiples trabajos, casi siempre en producciones de Joel Silver y Walter Hill, lo que incluye por ejemplo haber sido el maloso de "Die hard 2" y aparecer en algún episodio de la recordada serie "Tales from the crypt" y tambien en su versión filmica "Demon knight". Pero quien destaca nitidamente es la estupenda Marcia Gay Harden, actriz ganadora del premio Oscar por su actuación en "Pollock", y que aqui la tenemos como la delirante señora Carmody, la que lleva el mensaje redentor a aquellas victimas de "la ira de Dios". Darabont incide en mostrar sus "intenciones mesiánicas" en la secuencia reveladora al interior del baño de damas, que lamentablemente es la que han eliminado en los cines, aunque curiosamente esa secuencia tampoco está en la novela. Eso demuestra la importancia que tiene para Darabont darnos a conocer con este añadido de su cosecha las intenciones de esta mujer en su momento de "conexión con Dios". Asimismo, apreciamos su carácter de angel vengador en la furia de su prédica apocaliptica que contiene tanto horror como la contemplación de las criaturas del más alla. En adelante, cualquier lectura de esta obra de King nos recordará el rostro de esta gran actriz al leer las líneas de su personaje.

Otras virtudes se encuentran en la maravillosa música de Mark Isham, la cual se deja escuchar dosificada pero al mismo tiempo vibrante, como una de las melodias del cine de horror más efectivas que se hayan compuesto. Los efectos visuales a cargo de los míticos Howard Berger y Greg Nicotero cumplen como siempre con su cuota de horror impresionante. La fotografia de Rohn Schmidt que nos involucra en la atmósfera atemorizante. Estos elementos contribuyen a la notable calidad del film en modo contundente.

"La niebla" ha demostrado que el cine de horror puede entregar obras memorables, como ha ocurrido antes, y como esperamos siga ocurriendo en el futuro.

Phantasma (1979)

En los alrededores de una misteriosa construcción ocurre un horrible crimen. Un joven muere a manos de un misterioso personaje, que oculta una extraña identidad. Luego del entierro en el cementerio, el adolescente Mike observa oculto desde lejos a un siniestro sujeto alto que se lleva el ataúd cuando todos se han retirado del camposanto. Su hermano mayor Jody no cree lo que éste le cuenta, así que decide investigar y acude a la inquietante casa de servicios fúnebres, cercana a este cementerio, donde se encuentra con "el Hombre Alto", el mismo personaje que vio aquel día y que ahora revela su maligna esencia.

La historia que rodea la realización de este film, clásico del género del terror donde los haya, es la historia común a todos aquellos cineastas inquietos que desean mostrar su creatividad, a pesar de los pocos recursos con los que se cuenta. Don Coscarelli había realizado trabajos de bajísimo presupuesto, al lado de un grupo de amigos. Su primera película fue un largometraje llamado "Jim, the World`s greatest", un drama acerca de unos jóvenes y sus conflictos con el alcohol. Posteriormente realizó una comedia menor titulada "Kenny y compañía", en la cual había una secuencia donde los protagonistas, los cuales eran dos niños, llegaban hasta una casa en pleno Halloween y encontraban en aquel lugar a un terrible monstruo. La historia se extendió en la mente de Coscarelli, se nutrió de mayores influencias y mitos, y se convirtió en el relato de horror que lo hizo mundialmente conocido.

Aún con poco dinero, el director se lanzó a la realización de su más importante trabajo, para lo cual tuvo que ampliar sus labores a las de camarógrafo y editor. Asimismo, convocó a los viejos conocidos de sus primeros años, tanto al resto de su equipo técnico como a su singular elenco de actores, como son Michael Pearson, Reggie Bannister, Terrie Kalbus, Kenneth V. Jones, Ralph Richmond y Mary Ellen Shaw. Y además de ellos, Coscarelli llamó a un viejo amigo con quien trabajó en su primer film: el actor Lawrence Rory Guy. ¿Quién es este señor?: su nombre artístico es más reconocido, por supuesto, por todo aquel fan del cine de horror; se trata de Angus Scrimm, nombre que empezó a usar a partir de esta película. Inevitablemente, su fama se ha visto ligada a través de los años a su terrorífica interpretación, participando en forma frecuente con el director Coscarelli en revivir esta saga y en momentos especiales, como en uno de los episodios de la serie "Masters of Horror". Volviendo a ésta su memorable colaboración, tras el esfuerzo en conjunto, el producto final resultó de lo más satisfactorio, que ni en los mejores sueños de sus creadores. Un título de culto como pocos.

"Phantasma" es realmente un film de lo más freak. Y no lo es tanto por su carácter de serie B y de bajos recursos. Por el contrario, Coscarelli pone de manifiesto una sensibilidad muy especial a la hora de recrear un escenario inquietante y terrorífico, con buen sentido de lo visualmente fascinante y onírico, obviamente más cercano a la pesadilla. Mantiene un carácter freak porque resulta un cóctel de elementos fantásticos que encajan en el relato en forma justa y efectiva. Mas de uno ha destacado la dificultad de encasillar a éste film dentro de una sola etiqueta. Es de fantasmas, como podría pensarse en primera intención; pero tambien funciona muy bien como una "monster movie"; adquiere mucho de los relatos de casas embrujadas con el inquietante hogar del Hombre Alto y sus siniestros corredores; y del cine de vampiros, con ambientes repletos de ataudes. Además, incluye un aspecto extraño y retorcido que da un giro al cuento terrorifico, llevándolo literalmente a otra dimensión, en un opresivo escenario digno de un relato de ciencia ficción. Acaso y aquí denota un parentesco con la obra lovecraftiana, la cual aterroriza nuestra realidad con seres salidos de portales sobrenaturales, que comunican nuestro mundo con otra existencia ignota y aberrante.

Como se ha señalado, la ambientación y puesta en escena es digna de elogio. Es un relato oscuro, como la mayor parte de su desarrollo, donde los momentos más terroríficos despliegan fantasía retorcida, que incluye los pasajes al interior del tanatorio, de blancas paredes que no ocultan su carácter malsano, o rarísimos artilugios, como son una esferas de metal que vuelan por si solas y se convierten en armas mortales sanguinarias, y por supuesto, sin olvidar al grupo de menudos sirvientes del "Hombre Alto", unos enanos envueltos en túnicas que ocultan su monstruosa apariencia: son pequeños seres que se convierte en feroces asesinos al servicio de su maligno amo y señor.

Aquella pesadilla es enfrentada por dos hermanos, los jóvenes Mike y Jody, quienes conforman el lado amable del film, donde el amor fraternal y su nobleza serán la fuente del poder que enfrentará a las fuerzas del mal. Otros personajes dignos de mención son Reggie, el inseparable amigo de ambos hermanos, y que se convierte en un personaje clave en la saga de peliculas que ya se acerca a su ¡¡quinta entrega¡¡¡¡¡. Si bien las actuaciones, con la excepción de Angus Scrimm, no destacan especialmente, sin embargo, se adecúan al tono de la historia y comparten con el espectador el temor a aquella amenaza.

El producto de un sueño, como lo ha declarado Don Coscarelli, incluida la esfera de metal, ha dado pie a uno de los más entrañables largometrajes del cine de horror. Una fascinante experiencia digna de verse más de una vez, sin duda.

El carnaval de las almas (1962)

Un automóvil que conducía a un grupo de jóvenes imprudentes pierde el control al cruzar un puente y cae hundiéndose en las aguas de un rio. Tras la búsqueda por parte de las autoridades del lugar, una figura emerge inesperadamente en la orilla. Se trata de Mary Henry, una bella muchacha que viajaba en aquel vehículo y que como todos reconocen, ha sobrevivido milagrosamente. Sin embargo, algo muy extraño ocurre con aquella mujer, pues se muestra silenciosa, pasiva y retraída. En un intento por volver a una vida normal, empieza a trabajar en una iglesia como encargada de la música que acompaña las ceremonias, ejecutando un antiguo órgano. Luego, consigue una habitación en un discreto hospedaje donde conoce a un vecino muy interesado en ella. Pero su extraño comportamiento termina provocando el rechazo de la gente, quienes ignoran el traumático episodio que ha sufrido, y más aún, desconocen el miedo que actualmente se ha apoderado de ella: Mary es acosada por un misterioso sujeto, un ser terriblemente pálido, de mirada profunda y atemorizante que suele aparecer en forma inesperada en cualquier lugar donde se encuentre. Además, aquel siniestro personaje no está solo, pues en una solitaria feria abandonada, a la cual llega Mary atraída en forma inexplicable, se reúne con otros seres de tan espectral apariencia como él, y realizan una singular danza ante la aterrada mirada de la joven. Ella se convierte en el centro de aquella manifestación, que esconde una oscura y tenebrosa verdad.

"El carnaval de las almas" es un film clásico del género del terror y un buen ejemplo del mejor cine sobre fantasmas que se haya realizado. Su historia es realmente muy especial. Su realizador, el norteamericano Herk Harvey, tenía una carrera hecha en el campo de los cortos y especialmente orientados al drama y al documental, sin haber realizado un largometraje. Hasta que un buen día, confió el encargo a su amigo y guionista John Clifford de escribir una historia sobre una idea que se le había ocurrido: un relato acerca de fantasmas que salen del agua, y ejecutan una extraña danza. Con ésta sola indicación Clifford realiza el guion correspondiente con el cual el director emprende la aventura de su filmación, contando con tan solo $30,000.

Siendo un relato que tiene por protagonista a una bella joven, Harvey la imaginó frágil y de cabellos oscuros, pero tras realizar el casting se presentó ante él Candace Hillgross, una bella actriz rubia, cuya corta experiencia fue realizada en los teatros, además de algunos trabajos televisivos, y quedó encantado con su presencia, por lo que decidió darle el papel principal. La actriz Hillgross recuerda que aquellos días ella tenía a su vez una oferta del director Del Tenney para participar en su película "Psychomania", pero éste trabajo incluía escenas con desnudos, las cuales no estuvo dispuesta a realizar, por lo que finalmente optó por "Carnaval de las almas". Su elección no pudo ser mejor. Su participación en ésta obra fue importantísima, ya que se convierte junto al espectro que encarna el propio director Herk Harvey, en las dos figuras más fascinantes e inolvidables del film.

La película no ubica el tema de lo sobrenatural dentro de un sólo ambiente, como ocurría en los antiguos clásicos con casas encantadas, y por el contrario muestra una intrigante interacción entre nuestra realidad y una atmósfera proveniente de una tenebrosa dimensión, la cual invade el ambiente cotidiano de la protagonista y la sumerge en una situación de pesadilla, en la cual, unos extraños seres acuden a su encuentro en cualquier momento y lugar, de noche o de día, al interior de una habitación o en plena calle, sin que nadie más que ella pueda percibirlo, lo cual la aísla de su entorno pues se encuentra completamente sumida en el miedo más absoluto, que desemboca en una crisis donde la angustia y el delirio se apoderan de su mente, en uno de los momentos más intensos de la película.

El director Harvey tiene la difícil labor de llevar a cabo esta historia a buen puerto, lo cual logra en base a una ingeniosa puesta en escena, donde los fantasmas lucen una presencia inquietante gracias a un trabajo de maquillaje muy notable, de tal manera que, años después, esta impresión que logran los espectros de "Carnaval de las almas" sea recogida por el realizador George A. Romero para su clásico "La noche de los muertos vivientes". Vean la importancia que tuvo esta película en el desarrollo posterior del género del terror. Tanto su aspecto como la extraña forma de sus movimientos, lentos, pero al mismo tiempo amenazantes, logran dar vida a unos seres muy memorables. Recordemos además que ambas cintas fueron filmadas en blanco y negro, lo que sin duda contribuye mucho a su resultado visual, una atmosfera extraña y enrarecida, pero de apariencia clásica que le brinda una singular atracción, teniendo en cuenta todo su poder innovador para aquellos años.

Una secuencia realmente destacable es sin duda el momento en que Mary descubre la feria abandonada en la cual los fantasmas danzan entre ellos, simulando elegancia, en forma delirante. Una verdadera danza macabra, realizada en forma muy sencilla sin mayores trucos, mas que un decorado espectral y unos fantasmas debidamente representados por seres de aspecto enfermizo y rostros atemorizantes. Este cuadro de pesadilla ha influido enormemente en otro representante del cine moderno como lo es el brillante director David Lynch. La influencia ejercida en Lynch resulta muy notable en sus películas "Carretera perdida" o "Mullholland Drive", y existen otros interesantes puntos en común que pueden apreciarse en el resto de su obra. Inclusive en el primer episodio de su mítica serie televisiva "Twin Peaks", la primera imagen de la muerte es el cadáver de Laura Palmer en la orilla de un río, al igual que en la obra de Harvey, donde la muerte se encuentra en las aguas, en pleno día.

El episodio en la iglesia con la ejecución por parte de Mary de una extraña melodía ante el sobresalto del párroco, y la relación con el vecino que busca seducirla pero que se harta de su apatía, sirven para mostrarnos la forma en que Mary se encuentra fuera de nuestra realidad, y en lugar de ello, camina a través de una delgada línea acechada por la presencia de los seres del más allá. Como un gran acompañamiento en este tour de pesadilla, destaca la brillante musicalización de Gene Moore, que cuesta creer que fue realizada en sólo una mañana como lo ha contado el director Harvey en una entrevista.

El final de este relato, que en estos tiempos resulta poco sorprendente, haber sido visto hasta la saciedad en el cine posterior, en películas como "El sexto sentido" de M.Night Shyamalan, "La escalera de Jacob" de Adrian Lyne o "Muertos y enterrados" de Gary Sherman. Estos filmes tienen una deuda muy grande con ésta película. Por otro lado, siempre se ha comentado su relación con el episodio "The Hitchicker" de la serie "The Twilight zone", acerca de un hombre que sufre un accidente que lo lleva al borde de la muerte, y que, tras salvarse, es acosado por una aparición espectral. Sin embargo, el propio escritor John Clifford negó haber tenido conocimiento de dicho episodio a la hora de escribir el guion de "Carnaval de las almas", y considerando que en aquellos años la información no era tan accesible como lo es hoy, no tenemos razones para no creerle.

El trabajo con los actores resultó para el director una experiencia inolvidable, en especial con su protagonista la actriz Candace Hillgross. Harvey hizo que la bella Mary tras el accidente sufrido, y del cual resultó ser la única sobreviviente, se convierta en una mujer fría, retraída y desconectada de la realidad, donde se desenvuelve a duras penas. Esto no fue del agrado de la actriz, pues ella dudaba que el público pueda identificarse con un personaje protagónico como ese. Le estaba prohibido cualquier tipo de improvisación sobre su libreto, y debía ceñirse en su actitud y movimientos a lo indicado por el director. Finalmente, una escena en la cual ella debía encontrarse dentro de un automóvil, hundiéndose en medio de un rio, fue el colmo de su paciencia. Se negó terminantemente a realizarla, ya que las condiciones resultaban difíciles: era invierno y las aguas del rio estaban heladas. Su negativa hizo que el director la introdujera por la fuerza al interior del vehículo, mientras ella lanzaba gritos que atrajeron a la policía del lugar. Se les tuvo que explicar la situación, y afortunadamente para Harvey, se retiraron no sin cierto recelo. De todos modos, la escena se filmó, y ahora es una anécdota simpática en el recuerdo de la actriz Hilgross y de su director. Con respecto a los demás actores, éstos se contrataron siendo de poca y hasta nula experiencia, teniendo en cuenta el poco presupuesto a su disposición, y sin duda ello afecta la película al darle un aire de film amateur y barato durante las escenas en que ellos participan. La parte más débil del film, sin duda.

En otro aspecto, habría que reconocer que el guion de John Clifford puede resultar algo artificioso al presentar algunos detalles de la vida de Mary como su visita al siquiatra o aquellas escenas de su vida privada, que pareciese que poco aportan al relato, más allá de extender el metraje para alcanzar la categoría de "largo", y que, por el contrario, alejan el film de su principal interés. Sin embargo, una vez que dan inicio las manifestaciones sobrenaturales, los distintos elementos de la historia empiezan a cobrar sentido. La conexión de la protagonista con el más allá resulta evidente, sin necesidad de mayores explicaciones. En ello, si hay un acierto al evitarse esos molestos momentos discursivos que buscan dar cierta lógica o explicación a las historias, como suele hacerse en el cine actual de género. Al respecto, el propio director aseguró que su idea central se basaba tanto en el accidente de Mary Henry y su salvación para convertirse en una especie de muerta en vida que recorre un umbral misterioso, y el llamado de la muerte que acosa a la protagonista. Cualquier otra explicación mucho más profunda o metafísica corre por cuenta del espectador. Por ejemplo, los críticos de la prensa sueca compararon ésta película con las obras acerca de la muerte del realizador Ingmar Bergman, lo cual fue una sorpresa para Harvey.

Finalizado el trabajo de realización, la película fue distribuida en forma muy pobre, lo cual hizo que Harvey y sus socios fracasen económicamente. A raíz de ello, el inspirado director no realizó más largometrajes. Por su parte, Candace Hillgross perdió a su representante, quien consideró que fue una mala decisión trabajar en esta producción. Sus razones tuvieron. La película fracasó en la taquilla y ella cobró $200.00 por su trabajo. Sin embargo, la actriz continuó en el género del terror, ahora si trabajando con el director Del Tenney con quien hizo "The curse of the living corpse". Retirada del cine, se dedicó a escribir novelas y también una posible secuela que permanece en el limbo.

El reconocimiento a esta película llegó posteriormente en su pase televisivo, donde logró altos índices de audiencia en cada una de sus emisiones, solicitadas por el público, lo que llegó a convertirla en la película de culto que ahora todos reconocen. En 1989 se restauró la versión original, logrando un relanzamiento exitoso. Afortunadamente, el tiempo hizo justicia al esfuerzo y a la gran imaginación de sus realizadores, que convirtieron "El carnaval de las almas" en una obra fundamental para el cine de horror moderno.

El más alla nos acecha...

La cartelera actual en los cines se está llenando de fantasmadas. Desde las que retoman las historias del terror que llegó de Asia, como por ejemplo "Llamada perdida" o "El ojo del mal", nuevas propuestas terrorificas como "El titere" (Dead silence), que tiene algunas criticas negativas, y muestras del cine español como "El hospital del terror" y "El orfanato". Particularmente apenas he podido dar un vistazo a un par de éstas. Respecto de los remakes mencionados, la verdad es que poco interés me han depertado, ya que he visto las versiones originales, y sabiendo de qué va pues es lo que me basta. Incluso me he enterado que este jueves se estrena "Imágenes del más alla", que no es otra cosa que el remake de "Shutter", cinta tailandesa que cuenta otra de fantasmas, esta vez vistos bajo el lente fotográfico y que de esa forma envían señales a nuestro mundo. Recuerdo que la versión original me resultó discreta pero entretenida, al estilo de las peliculas de Takashi Shimizu, grande era su deuda con "Ju-On" y sus secuelas. De todos modos, hasta me entretuve y no salí malhumorado.


"Llamada perdida" de Takashi Miike recuerdo que me gustó, a pesar de saber que muchos la odian. Pretendía ceñirse a la moda de espectros de larga cabellera, surgida desde "Ringu" hasta "El ojo", pero algo de la malicia del director Miike se dejaba ver, gracias a algunos toques de terror bruto y a una escena final con una niña y su manía por los caramelos. De ahí que dudo que el remake USA me resulte igual de interesante, asi que por ahora me quedaré con la duda.

Asi que, he asistido tranquilamente a dos de éstos recientes estrenos por aquí, por mis lares. Uno de ellos es "El orfanato":


Producción española que nos cuenta una historia de fantasmas, ambientada en un viejo orfanato (obvio), donde en el pasado ocurrió un terrible hecho, por lo que ahora los nuevos habitantes del lugar, una pareja de esposos y su hijo pequeño, sufren el acoso de una presencia sobrenatural de siniestros propósitos. Es otra pelicula sobre casas encantadas, y su resultado me ha sabido particularmente ambiguo. Pues, si bien hay una buena puesta en escena, una correcta ambientación y un destacado trabajo actoral de Belén Rueda, los recursos que utiliza el director Juan Antonio Bayona para plasmar el miedo o la inquietud que conlleva normalmente un relato de fantasmas, y vamos que aqui la intención es clara, pues me queda a medias. No me han resultado interesantes o particularmente inspirados, pues por el contrario, dan la impresión de seguir una fórmula muy convencional a la hora de recrear esos momentos y esas apariciones que deberían resultar perturbadoras. El niño de la mascarita (su primera aparición para mi gusto emplea demasiada luz) o las siluetas de los niños sumidos en las sombras (están estáticos, ¿y que más?), resultan más bien frios y poco cautivantes. El foco de atención considero que está en el desempeño de la actriz principal, su angustia por el hijo exraviado y su seguimiento a los juegos infantiles impuestos por los seres del más allá. Aqui es donde radica la mayor atención del espectador. Esta es una cinta de suspenso de correcta realización, y no tengo nada contra el suspenso, pero en este caso me ha resultado una cinta fria, la verdad. Además, la historia resulta muy similar a lo que se ha contado en cintas como "Dark water", una muy buena pelicula de Hideo Nakata, "La oscuridad" de John Fawcett, aburrida como ella sola, o "El convento" del francés Pascal Laugier, tambien decepcionante, donde la mayor curiosidad era volver a ver a Catriona McColl, una de las actrices favoritas de Lucio Fulci en un papel pequeñito.


Por el contrario, dias antes había apreciado una pelicula mucho más interesante. Y ésta no es una fantasmada. Se trata de "El hospital del terror" (Frágiles), pelicula de Jaume Balaguero, y que más bien resultó una historia dotada de algo más de terror y violencia gráfica, más asequible a nuestro gusto, en dosis discretas pero efectivas. En este caso, las perturbaciones ocurren en un viejo hospital ubicado en una apartada región de España, en donde años atrás una niña murió en extrañas circunstancias. Tras el hecho, el edificio es hostigado por una presencia maléfica que llega a ocasionar lesiones en los niños internos, produciéndoles fracturas en sus huesos, de manera inexplicable. Al lugar llega una nueva enfermera, la cual empezará a indagar lo ocurrido, y al descubrir la terrible venganza del más alla deberá buscar la forma de salvar a todos de su furia destructiva.

Y vaya, aqui tenemos una mejor dirección del experimentado Balaguero ("Los sin nombre", "Darkness", etc.). Nos cuenta una sencilla historia de fantasmas como se debe, con espectros llenos de furia; recrea muy bien el interior de un hospital hostigado por fuerzas inexplicables, logra unos momentos inquietantes en uno de los pisos abandonados del edificio, y nos muestra un fantasma que recuerda a algún video clip de Marilyn Manson, pero que de todos modos hace lo suyo. Además, hay un buen trabajo de la actriz norteamericana Calista Flockhart ("Ally McBeal") como la enfermera protagonista, acompañada muy bien por el actor Richard Roxburgh, y la española y muy bella Elena Anaya. Una pelicula bien contada, donde la intriga no es muy novedosa, y la resolución del misterio se ve venir a leguas, pero aún asi entretiene mucho.

Y asi, de éstos estrenos me estoy perdiendo hasta ahora "El titere", lo último de James Whan ("Saw"), pero lo pienso remediar pronto. Y bueno, tras tanto espectro y ya puesto en el tema, pues seguiré con ello.

Fin del informe por hoy. Cambio y fuera.